Aliens, O Resgate

Após entrar em contato com uma entidade biológica desconhecida toda a tripulação de uma nave espacial é morta, com exceção da tenente Ripley (Sigourney Wever). Agora ela terá que lidar novamente com a ameaça alienígena que volta mais mortal e sanguinário do que nunca. Segundo filme da extremamente bem sucedida franquia Aliens. Se no primeiro filme “Alien, o Oitavo Passageiro” o foco era completamente voltado para o terror psicológico nessa seqüência o diretor James Cameron investe pesado nas cenas de ação e pancadaria. Era previsível. James Cameron estava envolvido com o filme “Rambo II – A Missão” que havia se tornado um enorme sucesso de bilheteria. O cinema de ação da década de 80 estava no auge e assim o filme “Aliens – O Resgate” seguiria por essa linha que vinha se mostrando extremamente bem sucedida do ponto de vista comercial. A tensão e o clima sufocante de “Alien o Oitavo Passageiro” daria lugar a um filme de ação incessante e um final extremamente marcante para os fãs do gênero.

É óbvio que a mudança de rumos na saga Aliens trouxe algumas críticas para o trabalho de Cameron. Para muitos críticos a ação de “Aliens, o Resgate” soava gratuita e o roteiro não conseguia avançar adiante sobre as origens da estranha forma alienígena. Era um retrocesso. O lado mais pertinente sobre a criatura havia sido deixado de lado para se concentrar em cenas espetaculares de lutas e conflitos no meio do espaço entre a tenente Ripley, agora alçada a categoria de uma super combatente, e o monstro do espaço que continuava sem ter uma melhor explicação sobre seu surgimento ou origem. Olhando em retrospectiva temos que admitir que não era muito justificada essa visão. É óbvio que James Cameron e Ridley Scott eram cineastas bem diferentes. O primeiro visava realmente a pura diversão sem maiores preocupações sobre de onde veio e qual seria o propósito do monstro espacial. Já Ridley procurava mesmo algo a mais, sempre deixando subentendido em seu filme que haveria algo muito maior por trás do aparecimento dessa mortal entidade predatória (tema que levaria em frente anos depois no filme “Prometheus”). Assim “Aliens, o Resgate” fica bem longe dos conceitos do primeiro filme mas como diversão pura se sai melhor. Não é um filme intelectualmente brilhante mas dentro de suas propostas cumpriu bem sua função.

Aliens, o Resgate (Aliens, Estados Unidos, 1986) Direção: James Cameron / Roteiro: James Cameron, David Giler / Elenco: Sigourney Weaver, Michael Biehn, Carrie Henn / Sinopse: Após os acontecimentos do filme “Alien O Oitavo Passageiro” a tenente Ripley (Sigourney Weaver) tem que enfrentar novamente a terrível entidade alienígena numa luta de vida ou morte. Vencedor do Oscar de Melhores Efeitos Especiais.

Pablo Aluísio.

Justiça a Qualquer Preço

Nos Estados Unidos os prisioneiros de alta periculosidade são acompanhados e passam por um programa de vigília por parte do Estado após deixarem a prisão. Essa é a principal função do agente Errol (Richard Gere), acompanhar, visitar e principalmente vigiar ex-presidiários que cumpriram pena por crimes sexuais. Nas vésperas de sua aposentadoria ele recebe também a incumbência de treinar uma nova policial que irá exercer essa função daqui em diante. Ela é Allison (Claire Danes) que logo descobre que seu parceiro é na verdade um tira durão que usa e abusa de métodos ilegais para manter na linha criminosos perigosos. No começo ela até tenta ignorar a brutalidade do agente Errol mas as coisas saem do controle quando novos crimes são cometidos e o experiente policial passa a desconfiar de um antigo presidiário que agora está nas ruas, livre. Adotando uma postura de fazer justiça com as próprias mãos ele então sai no encalço do ex-detento sem ligar muito para as leis e as regras éticas que norteiam e regulam seu serviço. Essa atitude o levará a entrar em choque com a nova agente.

“Justiça a Qualquer Preço” é mais uma tentativa de levantar a carreira de Richard Gere. O ator de tantos filmes bons e interessantes em sua longa filmografia não parece disposto a se aposentar (ao contrário de seu personagem aqui que está farto de anos e anos de convívio com a pior escória do sistema prisional). A boa notícia é que o filme não é ruim e Gere segura dignamente as pontas. Ao seu lado surge Claire Danes, uma atriz de que gosto muito. Ela inclusive atualmente passa pela melhor fase de sua carreira com a série de grande sucesso “Homeland”. Claire é muito talentosa e na série demonstra bem isso em um papel particularmente complicado (a de uma agente da CIA Bipolar). Já aqui em “Justiça a Qualquer Preço” ela não tem a mesma oportunidade de mostrar todo o seu talento mas está novamente atuante bem. O filme foi dirigido por um cineasta importado de Hong-Kong, famoso centro oriental de filmes de ação. Lau Wai-keung (que assina a direção como Andrew Lau) tem tentado desde então acertar no mercado americano. Como se trata de uma produção tipicamente de estúdio ele não tem muita oportunidade de alcançar vôos mais altos mas de qualquer forma entregou um bom produto, um filme policial movimentado e bem realizado que apesar de não ser muito inovador em nada entretém e diverte. Para uma noite particularmente tediosa e sem coisa melhor para assistir até que “Justiça a Qualquer Preço” pode se tornar um bom passatempo.

Justiça a Qualquer Preço (The Flock, Estados Unidos, 2007) Direção: Andrew Lau / Roteiro: Hans Bauer, Craig Mitchell / Elenco: Richard Gere, Claire Danes, Ed Ackerman, Dwayne L. Barnes, Josh Berry, Frank Bond, Twink Caplan, Blake Catherwood / Sinopse: Agente veterano (Richard Gere) tem que lidar com criminosos violentos que acabam de deixar a prisão ao mesmo tempo em que ensina o ofício para uma agente novata (Claire Danes) que está chegando para lhe substituir após sua aposentadoria.

Pablo Aluísio.

Karatê Kid - A Hora da Verdade

Esse é um dos clássicos do cinema jovem da década de 1980. Com personagens carismáticos e enredo bem bolado (embora sem surpresas), Karatê Kid caiu no gosto popular se tornando um grande sucesso de bilheteria. E qual era a fórmula do sucesso? A mesma de sempre. Um personagem fisicamente fraco e humilhado se rebela contra essa situação e através de treino e esforço ministrado por seu mestre consegue provar seu valor. Embora seja uma simplificação do enredo de “Karatê Kid” é basicamente nisso que se resume o filme. Na trama acompanhamos os problemas de Daniel Larusso (Ralph Macchio) e sua mãe (Randee Heller) que chegam para morar na ensolarada Califórnia. Para quem vivia na poluída New Jersey já era um avanço e tanto. Na nova cidade porém as coisas não saem muito bem para o jovem Larusso. Fisicamente franzino ele é constantemente intimidado pelos valentões locais. A única coisa positiva é sua amizade com Ali Mills (Elisabeth Shue), garota bonita e simpática que logo se torna próxima de Daniel. O problema é que como toda garota bonita ela também tem um ex-namorado forte e estúpido chamado Johnny (William Zabka) que junto de sua gangue de amigos começam a perturbar a paz e o sossego de Daniel. E quando os valentões se juntam para espancar Daniel eis que surge o Sr. Miyage (Pat Morita), um mestre de artes marciais que coloca o bando inteiro para correr!

Começa assim uma bela amizade entre Daniel e Miyage, abrindo as portas do roteiro para mostrar as diferenças entre o modo de ser e pensar dos orientais em contraste com o pensamento pragmático dos ocidentais. É óbvio que Karatê Kid tem muitos clichês, é claro que não estamos na presença de uma obra de arte cinematográfica das mais importantes, mas é verdade também que o filme é dos mais carismáticos da safra jovem da década de 80, sempre lembrado com carinho pelos cinéfilos em geral. O grande trunfo é, além da boa presença de cena do ator Ralph Macchio, o belo entrosamento que surge com seu parceiro Pat Morita. A relação não é tanto de mestre para aluno mas sim de amigos que passam juntos por dificuldades (Miyage sempre tentando entender o modo de ser dos americanos e Daniel tentando superar os problemas que tem com o brutamontes que quer lhe dar uma surra!). O filme assim sobrevive não apenas pelas cenas de lutas mas pelo roteiro bem trabalhado em cima da amizade entre os protagonistas. O filme fez tanto sucesso que deu origem a várias continuações (infelizmente não tão boas quanto esse primeiro filme). De qualquer forma fica a dica – e antes que me esqueça fica o conselho também: esqueça o remake feito com o filho do ator Will Smith pois é simplesmente horrendo! Prefira o original, sempre!

Karatê Kid – A Hora da Verdade (The Karate Kid, Estados Unidos, 1984) Direção: John G. Avildsen / Roteiro: Robert Mark Kamen / Elenco: Ralph Macchio, Pat Morita, Elisabeth Shue, Martin Kove, Randee Heller, William Zabka, Ron Thomas / Sinopse: Daniel (Ralph Macchio) é um jovem colegial, vítima de ameaças de um bando de valentões, que se une ao mestre de Karatê Sr. Miyagi (Pat Morita) que irá lhe ensinar os segredos dessa arte marcial milenar para se defender de seus agressores. Indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante (Pat Morita).

Pablo Aluísio.

Carga Explosiva

Um dos maiores sucessos de bilheteria do ator Jason Statham. O projeto é uma tentativa do cineasta e roteirista francês Luc Besson em realizar um filme que siga fielmente as regras do cinema americano de ação. Na trama acompanhamos Frank Martin (Jason Statham) que pode ser definido como um “transportador”. Ele recebe determinado “pacote” para entregar em certo local e o faz sem maiores perguntas. Para ser bem sucedido em suas funções Frank tem que ser o mais discreto possível e não fugir a algumas regras que segue à risca. Tudo segue muito bem até que Frank acaba quebrando as suas próprias regras ao abrir um de seus “pacotes”, na verdade uma garota interpretada pela atriz Qi Shu (tentando emplacar uma carreira no cinema dos Estados Unidos). O ato de abrir a encomenda acaba desencadeando uma série de conflitos entre Frank e um grupo ao qual ele não sabe ao certo de quem se trata. “Carga Explosiva” é aquele tipo de filme em que o espectador não pode levar tudo o que vê na tela a serio. O filme alterna cenas de ações impossíveis com um humor que muitas vezes serve como alívio cômico para o público em geral.

Foi um dos primeiros filmes a investirem em Jason Statham como um novo herói de ação. O inglês havia se destacado em bons filmes como “Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes” e “Snatch – Porcos e Diamantes”, sempre fazendo personagens durões mas não era, até aquele momento, um astro de verdade. Luc Besson então escreveu o roteiro desse filme pensando justamente em transformar Jason em um novo astro dos filmes de pancadaria. Como Stallone e cia já estava com uma certa idade, Statham surgiria como um substituto ou herdeiro dos atores durões da década de 80. Como se pode ver com o sucesso de “Carga Explosiva” ainda havia muito mercado para esse tipo de filme. Com orçamento mediano (meros 21 milhões de dólares) a produção teve um lançamento forte nos Estados Unidos, ocupando mais de 2.500 cinemas no fim de semana de sua estréia. O sucesso foi excepcional e assim Jason Statham finalmente se firmou como um novo astro do gênero. Bom de briga, homem de poucas palavras e visual de um cara comum, como um amigo com quem se bebe uma cerveja no bar mais próximo, Jason Statham caiu em cheio no gosto popular, tanto que estrelou uma sucessão de filmes de ação bem sucedidos depois desse, inclusive duas continuações dessa mesma franquia, em filmes cada vez mais alucinados e exagerados. A crítica novamente torceu o nariz mas o público parece ignorar opiniões contrárias e assim  Jason se tornou atualmente o mais promissor ator a levar a tocha dos filmes de ação e pancadaria em frente. Um verdadeiro astro do gênero.

Carga Explosiva (The Transporter, Estados Unidos, França, 2002) Direção: Corey Yuen / Roteiro: Robert Mark Kamen, Luc Besson / Elenco: Jason Statham, Qi Shu, Matt Schulze, Ric Young, Doug Rand, Didier Saint Melin, Tonio Descanvelle / Sinopse: Frank Martin (Jason Statham) é contratado para lever determinados “pacotes” para certos lugares. Ele não faz perguntas e segue certas regras de sua “profissão” até que um dia resolve verificar do que se trata sua nova entrega, na verdade uma garota oriental. Sua quebra de conduta o irá levar a um jogo mortal de eliminação contra inimigos que Martin não sabe exatamente de quem se trata.

Pablo Aluísio

Lobo

Não deu muito certo essa incursão de Jack Nicholson no gênero terror. Para entender porque um ator consagrado como Nicholson resolveu fazer um filme de lobisomens é preciso fazer uma pequena retrospectiva em sua própria carreira. Quando era apenas um jovem sonhador, querendo um lugar ao sol no concorrido mundo do cinema, a única pessoa que lhe deu uma chance verdadeira foi o rei dos filmes B, Roger Corman. Dessa fase se destaca “A Loja dos Horrores” que depois iria virar um remake musical muito divertido na década de 80. Nem precisa informar que virou um cult desde o seu lançamento. Esse primeiro filme, o original, contava a conhecida estória de um balconista de floricultura que acabava tendo uma estranha relação com uma planta carnívora muito especial. Corman fez um filme pequeno, leve, mas muito eficiente e Nicholson recebeu suas primeiras críticas elogiosas. Quando o script de “Lobo” caiu nas mãos de Jack, décadas depois, ele pensou que seria uma boa idéia voltar ao gênero que foi tão importante para ele no começo de sua carreira. O problema é que a empolgação nostálgica do ator não ficou à altura do projeto em si, que sinceramente falando tinha um enredo muito fraco.

Jack Nicholson aqui interpreta Will Randall, um editor que descobre estar amaldiçoado, se tornando um lobisomem em noites de lua cheia. Acontece que ele está em uma situação bem ruim na carreira, envelhecido, está sendo passado para trás por um carreirista mais jovem. Agora, ele irá usar os seus novos instintos de lobo para enfrentar a concorrência dentro de sua empresa com toda a garra que sua nova situação lhe traz. Como se pode perceber a estória era clichê, sem novidades. Nem mesmo a presença da “Mulher-Gato” Michelle Pfeiffer melhorava o filme. Para piorar a maquiagem deixava muito a desejar. Ao invés de virar um monstro, Jack se limitava a fazer cara de mau, com algumas penugens em suas orelhas. Tudo bem ruim, o que deixou muita gente surpresa já que era mais um trabalho do premiado Rick Baker. O que parece ter acontecido foi que Nicholson, muito preocupado com sua imagem, evitou usar uma máscara de monstro completa, optando por algo mais light, soft. Bem, não funcionou! A direção de arte – essencial para produções como essa – também era feia e opaca. Assim o filme não poderia se tornar outra coisa a não ser um abacaxi na carreira de Jack Nicholson, que poderia perfeitamente passar sem essa. Revisto hoje em dia só vale como curiosidade aos fãs do trabalho do ator e nada mais. Como filme de terror ele deixa, e muito, a desejar. 

Lobo (Wolf, Estados Unidos, 1994) Direção: Mike Nichols / Roteiro: Jim Harrison, Wesley Strick / Elenco: Jack Nicholson, Michelle Pfeiffer, James Spader / Sinopse: Homem de meia idade, com problemas em seu trabalho, é mordido por um lobo selvagem. Em pouco tempo descobre estar acometido pela maldição do lobisomem. Diante da nova situação usa de seus instintos animais para derrubar a concorrência dentro de sua empresa.

Pablo Aluísio.

Bom Dia Vietnã

Dentro do ciclo de filmes sobre a Guerra do Vietnã que foram realizados na década de 80 esse “Bom Dia Vietnã” foi um dos mais interessantes. Longe da melancolia de um “Platoon” e distante da insanidade desenfreada de “Nascido Para Matar” o filme apostava no talento cômico de Robin Williams sem deixar também o drama de lado, uma vez que as cicatrizes do Vietnã ainda estavam bem abertas dentro da sociedade americana e não seria de bom tom transformar tudo em uma comédia pastelão. Por isso o filme funciona não apenas por seus excelentes momentos de humor mas também pela temática social e contextual mostrando o dia a dia e a rotina das tropas americanas estacionadas naquela distante e estranho país do sudoeste asiático. Robin Williams era completamente desconhecido no Brasil quando o filme pintou nas telas em 1987. De fato ele só tinha dois filmes lançados por aqui antes, ambos com fraca repercussão de bilheteria em nosso país. A primeira referência vinha de “Popeye”, uma comédia que tentava trazer para o cinema as aventuras do famoso marinheiro dos desenhos animados. Não deu muito certo. A segunda lembrança surgia de “O Mundo Segundo Garp”, um filme que ninguém se interessou em ver. No mercado de vídeo ainda havia disponível “Moscou em Nova Iorque”, uma comédia de costumes interessante e era só. Assim “Bom Dia Vietnã” foi seu primeiro grande sucesso por aqui, se tornando a produção que o tornou famoso em nosso país.

O enredo do filme conta a história real do militar Adrian Cronauer (Robin Williams) que é enviado para o Vietnã em 1965, poucos meses antes do conflito realmente se tornar um buraco sem fundo para as forças americanas. Como gostava muito de música e era um sujeito extremamente simpático e bem humorado ele logo foi escalado para exercer a função de DJ na rádio das forças armadas. Embora possa parecer um posto sem importância a verdade era que Adrian exercia uma função muito importante dentro daquele conflito pois com suas transmissões bem humoradas e divertidas conseguia entreter as tropas americanas que estavam no front, elevando a moral dos soldados de uma forma em geral. Robin Williams obviamente dá um verdadeiro show com sua interpretação, imitando figuras populares da época, contando piadas e divertindo a todos. É curioso porque muitas pessoas pensam ainda hoje que ele sempre foi apenas um comediante careteiro e ignoram o fato de Williams ter uma excelente formação dramática tendo se formado em uma das escolas de interpretação mais prestigiadas dos Estados Unidos, a Juilliard em Nova Iorque, que tem um dos mais concorridos cursos do país. Lá estudou ao lado do também futuro astro Christopher Reeve (de Superman). Foram inclusive grandes amigos até o fim da vida de Reeve. Com tanta bagagem não é de se surpreender que esteja tão bem e tão à vontade no papel. Por fim é importante lembrar da grande trilha sonora do filme, que inclusive ressuscitou um dos grandes clássicos da carreira de Louis Armstrong, a nostálgica e bela "We have all the Time in the World". Enfim, para quem gosta do tema sobre o conflito dos Estados Unidos no distante e pequeno Vietnã, o filme é sem dúvida um excelente programa.

Bom Dia Vietnã (Good Morning, Vietnam  Estados Unidos, 1987) Direção: Barry Levinson / Roteiro: Mitch Markowitz / Elenco: Robin Williams, Forest Whitaker, Bruno Kirby, Tung Tranh Tran , Chintara Sukapatana / Sinopse: Militar Americano se torna DJ da única rádio oficial das forças armadas no Vietnã. Lá esbanja bom humor e versatilidade o que acaba trazendo problemas para ele com o alto comando estacionado no país asiático.

Pablo Aluísio.

Como Perder Um Homem em 10 Dias

Comédia romântica que pretende fazer humor com as diferenças existentes entre homens e mulheres brincando com situações que são – na visão do roteiro – insuportáveis para ambos os sexos. Assim temos uma aposta entre o publicitário Ben (Matthew McConaughey) e seu chefe. Ele aposta que consegue conquistar qualquer mulher em apenas 10 dias. Por outro lado a jornalista Andie (Kate Hudson) por pura “coincidência” cruza seu caminho nesse mesmo momento. Ela pretende escrever um novo texto baseado em experiências pessoais intitulado “Como Perder um Homem em 10 dias”. Assim fica criada a situação: ele precisa conquistar ela de todo jeito para ganhar a aposta e ela faz de tudo para que o namoro acabe em dez dias, confirmando as teorias de seu texto jornalístico. Os maiores disparates são realizados pela jornalista mas o publicitário garotão engole todos para ganhar sua aposta.

Bobinho o argumento? Claro que é! O filme traz de volta a dupla Matthew McConaughey e Kate Hudson que durante um certo tempo pretendeu mesmo virar o casal clichê das atuais comédias românticas tal como foram no passado Rock Hudson e Doris Day e mais recentemente Tom Hanks e Meg Ryan. O problema é que esse tipo de filme funcionava melhor antes quando os costumes eram bem mais rígidos e o relacionamento entre homem e mulher tinha regras mais básicas. No mundo de hoje, onde os papéis geralmente andam invertidos, a coisa toda não consegue ter a mesma graça. Assim o roteiro, que já não é lá grande coisa, se apóia com tudo no carisma da dupla central de atores. Kate Hudson continua uma gracinha, uma simpatia mesmo e Matthew também continua o mesmo, geralmente interpretando sempre o mesmo papel, não importando o personagem que faz. Só não se consegue entender bem porque ele sempre tem que aparecer em cena sem camisa exibindo seus “talentos” físicos! Parece até uma obsessão pra falar a verdade. Para piorar o filme tem problemas de ritmo e a química do casal não transparece tão bem na tela. Assim fica o aviso: não é tão engraçada como parece ser essa comédia romântica, faltou mesmo timing e feeling para a coisa ser melhor. Fica para a próxima!

Como Perder Um Homem em Dez Dias (How to Lose a Guy in 10 Days, Estados Unidos, 2003) Direção: Donald Petriee / Roteiro: Kristen Buckley, Brian Regan, Burr Steers / Elenco: Kate Hudson, Matthew McConaughey, Kathryn Hahn, Annie Parisse, Adam Goldberg, Thomas Lennon, Michael Michele, Shalom Harlow, / Sinopse: Publicitário pretende ganhar uma aposta com seu chefe mostrando que pode fazer uma mulher se apaixonar por ele em apenas dez dias. Ao mesmo tempo uma jornalista pretende provar a veracidade de seu artigo intitulado “Como Perder Um Homem em Dez Dias”. Por uma coincidência acabam se encontrando o que dará origem a muitas confusões pois os objetivos deles são diametralmente opostos!

Pablo Aluísio.

Flyboys

Recentemente assisti ao filme “Esquadrilha Mortal” com John Wayne (leia sinopse no blog Cinema Clássico – Pablo Aluísio) e me lembrei de outra produção com tema muito semelhante, essa bem mais recente, chamada “Flyboys” (“Os Garotos Voadores” em tradução literal). Tal como acontecia no filme de Wayne aqui temos também um grupo de pilotos americanos servindo aos interesses de outro país em uma época conturbada, com muitos conflitos armados entre nações. No filme clássico era um grupo de pilotos americanos na China defendendo o país contra os ataques japoneses, na véspera da entrada dos Estados Unidos na II Guerra Mundial. Já aqui em “Flyboys” temos um grupo de pilotos americanos na França, durante a I Guerra Mundial, na véspera da entrada dos Estados Unidos no conflito (um dos mais devastadores da história). O filme foi lançado no Brasil como parte das comemorações dos cem anos do primeiro vôo do 14 Bis, o famoso aparelho voador do brasileiro Santos Dumont. Isso não deixa de ser uma ironia histórica uma vez que “Flyboys” celebra a aviação de combate, algo que deixou Santos Dumont completamente deprimido pois não aceitava a idéia de que sua invenção fosse usada para a guerra em escala industrial.

Em termos puramente cinematográficos o filme “Flyboys” se revela tecnicamente muito bem realizado, com excelentes cenas de combate aéreo, mas em geral deixa a desejar por ter um roteiro sem surpresas e atado completamente aos clichês do gênero. Os personagens que formam a esquadrilha Lafayete não são muito carismáticos. O pior é ter que aceitar um grupo de pilotos americanos na I Guerra Mundial agindo como adolescentes dos dias de hoje (obviamente o roteiro se utiliza desse artifício para criar um vínculo com o público jovem que vai aos cinemas atualmente). O protagonista da estória é o texano Blaine Rawlings (James Franco) que decide ir se aventurar na Europa antes da entrada de seu país na guerra. A intenção é aprender a ser um ás e de quebra combater as forças alemãs (sempre utilizadas em filmes como esse como vilões malvados). Como já foi escrito o que vale mesmo aqui são as cenas de luta nos céus da Europa. Nessa época as batalhas eram travadas face a face e os pilotos tinham realmente que ter uma grande habilidade em seus pequenos aviões. Um dos mais conhecidos foi o famoso Barão Vermelho (Manfred von Richthofen), piloto alemão que derrubou 80 inimigos em combate. Até hoje é considerado o maior “ás da aviação” da história. Enfim é isso. Como mera diversão ligeira “Flyboys” até pode funcionar. Também é recomendado para os fãs de aviação militar. Fora isso não é nada demais e passa longe de ser uma produção marcante.

Flyboys (Flyboys, Estados Unidos, 2006) Direção: Tony Bill / Roteiro: Phil Sears, Blake T. Evans, David S. Ward / Elenco: James Franco, Jennifer Decker, David Ellison, Martin Henderson, Kyle Hensher-Smith / Sinopse: Grupo de pilotos americanos na I Guerra Mundial ajuda os franceses a se defenderem de ataques alemães.

Pablo Aluísio.

O Último Boy Scout

Tony Scott realizava um cinema muito mais modesto e sem pretensões do que seu irmão famoso. Um exemplo é esse “O Último Boy Scout” (um título nacional simplesmente risível onde o tradutor mistura inglês e português sem nenhum motivo aparente). Com o sucesso de “Duro de Matar” Bruce Willis não tinha outro caminho a seguir a não ser tentar repetir mais cedo ou mais tarde seu maior sucesso de bilheteria. Ele até tentou trilhar um caminho mais condizente com sua veia de ironia e bom humor, deixando o gênero de ação de lado, mas não deu para aguentar por muito tempo pois as propostas milionários se acumulavam na mesa de seu agente. Assim depois dos fracassados “A Fogueira das Vaidades” e “Hudson Hawk – O Falcão Está à Solta”, o velho e bom Willis resolveu embarcar em mais uma fita de ação sem muitas firulas ou perda de tempo. Seu personagem, um detetive em crise, após falhar como agente do serviço secreto, era na realidade um genérico do policial que havia interpretado em “Duro de Matar”.

Para melhorar um pouco a trama superficial Tony Scott resolveu investir um pouco mais no desenvolvimento de seu protagonista mas sem se estender muito sobre isso. Ao seu lado resolveu escalar o ator e comediante Damon Wayans que era bem popular na época. A dobradinha obviamente era outra derivação da dupla de “Máquina Mortífera” que tanto sucesso fazia nas telas. A trama girava em torno de uma stripper que após receber várias ameaças de morte era finalmente assassinada, sem motivo aparente. Indignado pela falta de empenho da policia em desvendar o mistério de sua morte o namorado da vítima, um jogador de futebol aposentado, resolve então se unir ao detetive Joe Hallenbeck (Bruce Willis) para solucionar a morte da garota.  Durante as investigações novas pistas acabam levando a algo muito maior envolvendo um grande esquema de corrupção no mundo dos esportes com vários políticos influentes envolvidos. “O Último Boy Scout” é bem realizado, não há como negar, Tony Scott tinha pleno domínio sobre esse tipo de produção, com muita ação e cenas espetaculares, mas isso não impediu do resultado ser muito descartável e esquecível. Massacrado pela crítica o filme acabou se saindo bem nas bilheterias apesar de tudo o que iria determinar de uma vez por todas os rumos da carreira de Bruce Willis nos anos seguintes.  

O Último Boy Scout – O Jogo da Vingança (The Last Boy Scout, Estados Unidos, 1991) Direção: Tony Scott / Roteiro: Greg Hicks, Shane Black / Elenco: Bruce Willis, Damon Wayans, Chelsea Field, Noble Willingham, Taylor Negron, Danielle Harris, Halle Berry / Sinopse: Detetive e ex-jogador de futebol Americano tentam desvendar a morte da namorada desse, uma stripper que é assassinada de forma misteriosa.

Pablo Aluísio.

Força Sinistra

Na década de 1980 com o sucesso de Steven Spielberg e seu cinema de aventura e fantasia os demais estúdios procuraram inovar em suas produções. “Força Sinistra” seguia a linha dos filmes de terror da época, seguindo os passos da franquia Alien ao misturar terror e ficção. E tinha um diretor que havia trabalhado com Spielberg antes. A diferença básica era que os alienígenas desse filme não eram criaturas com sangue de ácido e natureza predatória. Na verdade eram vampiros espaciais, seres que precisavam sugar a força vital de outros seres vivos para sobreviverem. Ao invés dos monstros de Aliens eles surgiam como homens e mulheres normais que usavam de seu poder de sedução para capturar suas presas. “Força Sinistra” tinha um roteiro enxuto, sem perda de tempo ou preocupação maior em desenvolver os personagens em cena. Na realidade os seres espaciais eram completamente sem profundidade e estavam ali apenas para se alimentar dos humanos distraídos que lhe apareciam pela frente. Também pudera já que o roteiro havia sido escrito em cima de uma obra de ficção puramente pulp fiction chamada “The Space Vampires” de autoria do inglês Colin Wilson.

O diretor de “Força Sinistra” era o cineasta Tobe Hooper, que havia dirigido o grande sucesso “Poltergeist” dois anos antes. Seu nome na direção garantiu a exibição do filme nos cinemas brasileiros onde conquistou até que uma boa performance de público mas não de crítica. Os críticos brasileiros reclamaram bastante da falta de desenvolvimento dos personagens, da banalidade das situações de terror e suspense e até mesmo da nudez excessivamente explorada da atriz que interpretava uma das vampiras vindas do espaço (ela surgia o tempo todo nua, devorando suas vítimas). É curioso que em plena ditadura militar os censores não tenham implicado mais com o filme por causa disso. “Laranja Mecânica”, por exemplo, foi censurado e perseguido no Brasil por anos mas “Força Sinistra” que tinha muito mais nudez e violência escapou, sendo liberado para maiores de 16 anos. Apesar das críticas o filme conseguiu arrancar uma indicação ao Prêmio Saturno de Melhor filme de terror de 1986, uma indicação que atribuo muito mais ao prestigio do diretor Tobe Hooper e do roteirista Dan O´Bannon, do que por seus méritos cinematográficos. Mesmo assim fica a dica: “Força Sinistra” que mostra os vampiros como eles eram na década de 80: espaciais, sensuais e vorazes.  

Força Sinistra (Lifeforce, Estados Unidos, 1985) Direção: Tobe Hooper / Roteiro: Dan O'Bannon, Don Jakoby, Michael Armstrong, Olaf Pooley / Elenco: Steve Railsback, Peter Firth, Frank Finlay, Mathilda May, Patrick Stewart / Sinopse: Nave especial que segue o cometa Halley é explorada por astronautas americanos que descobrem três corpos em estado vegetativo. Com a finalidade de estudar essas novas formas de vida os corpos são levados para o planeta Terra o que se revelará uma péssima idéia pois se tratam de vampiros espaciais que sugam a força vital de suas vitimas.

Pablo Aluísio.

Oscar 2013

Foi uma cerimônia bem realizada mas também sem maiores surpresas. De fato todas as previsões que rondaram na semana anterior do prêmio se confirmaram. Não precisava ser vidente para acertar a maioria dos prêmios pois tudo já estava previamente esperado.  Inicialmente “Lincoln” era o mais cotado para vencer o Oscar de Melhor filme mas depois do Globo de Ouro a situação se inverteu e Argo virou o queridinho dos membros da Academia. Muitas pessoas ficaram indignadas pelo fato de Ben Affleck não ter sido indicado ao Oscar de Direção e essa situação acabou se revertendo a favor de “Argo”, um filme que já comentei aqui no blog, bem feito, bem roteirizado mas que ainda não considero melhor do que “Lincoln”. Aliás atribuo a derrota do filme de Spielberg ao seu resultado considerado pesado e enfadonho para quem não gosta particularmente nem de história e nem de política. Assim venceu o filme mais acessível aos membros da Academia. Some-se a isso também a campanha nos bastidores promovida por George Clooney, produtor do filme e muito bem relacionado no meio. Assim a vitória de “Argo” pode ser atribuída aos votos de protesto por causa de Affleck e aos votos de amizade captados por Clooney.

Nas demais categorias também não houve muitas surpresas. Os prêmios foram até que muito bem distribuídos entre todos os filmes principais, sendo que nenhum deles saiu de mãos vazias da noite. Jennifer Lawrence confirmou seu favoritismo e ganhou o Oscar de Melhor atriz por “O Lado Bom da Vida”. Ela levou uma tremenda queda quando subia para receber o prêmio mas isso até que era previsível já que é apenas uma jovem. Nervosa e com aquele vestido absurdo não era de se esperar outra coisa. Seu discurso de agradecimento foi atropelado e ansioso. O filme infelizmente não conseguiu levar mais nenhum prêmio mas diante da vitória da categoria atriz isso até que passou despercebido. Outro favorito absoluto que confirmou o que já se falava há tempos foi Daniel Day-Lewis. Em um discurso bem humorado (coisa que não é típico dele) o ator agradeceu a todos e dedicou o prêmio especialmente para a mãe. Infelizmente nas demais categorias “Lincoln” ficou a ver navios, só conseguindo mesmo apenas mais um Oscar por Direção de Arte (mais do que merecido).

Tarantino por outro lado ficou bastante satisfeito com o resultado de seu “Django Livre”. Além de faturar o Oscar por Roteiro Original (o que já era esperado) ainda abocanhou mais um prêmio de melhor ator coadjuvante para Christoph Waltz que assim repete o feito que havia conseguido no filme anterior de Tarantino, “Bastardos Inglórios”. Só não concordo com sua categoria coadjuvante pois em minha opinião o personagem interpretado por Waltz é um dos protagonistas do filme. Melhor para ele pois se tivesse sido indicado a ator não teria mesmo vencido Daniel Day-Lewis. No mais é sempre bom ver um western ganhando prêmios desse porte pois quem sabe assim a indústria se anime a realizar mais filmes do gênero. Os fãs do bom e velho faroeste agradecem. Como Ben Affleck não foi indicado ao Oscar de Melhor direção (uma aberração pois o filme levou o principal prêmio da noite) sobrou a Ang Lee levar o Oscar para casa por seu bonito “As Aventuras de Pi”. Nada mal para um sujeito que outro dia estava sendo considerado “carta fora do baralho” dentro da indústria americana. A produtora de Pi inclusive fechou as portas, falindo justamente no momento em que o filme recebia tantos reconhecimentos (também foi premiado por trilha sonora e efeitos visuais).

Na categoria animação talvez a maior surpresa de toda a noite pois “Valente” não era considerado um favorito. Animação caretinha conseguiu vencer o principal prêmio para espanto de todos. “Os Miseráveis” apesar do tema difícil venceu três estatuetas (atriz coadjuvante, maquiagem e mixagem de som). Um bom resultado sem dúvida. Anne Hathaway está muito bem no filme, embora não a considere uma boa cantora. De qualquer forma é sempre um prazer ver um musical sendo reconhecido pelo Oscar nos dias atuais. Por fim, nos 50 anos da franquia James Bond a Academia resolveu dar uma colher de chá ao agente premiando Skyfall nas categorias canção original e Edição de Som (onde ocorreu um raro empate entre os vencedores). Atribuo esses prêmios mais a uma homenagem e a um pedido de desculpas tardio do que qualquer outra coisa uma vez que Bond sempre foi desprezado pelo Oscar.

Agora bem decepcionante mesmo foi a fraca performance de Seth MacFarlane como apresentador. Esperava-se que fosse bem mais ácido e picante nas piadas mas nada disso aconteceu, soltou algumas farpinhas inocentes e tentou agradar mas sem ousar. Qualquer episódio de “Family Guy” é bem mais engraçado e irônico do que aquilo. No fundo ele quer mesmo é ser escalado novamente no ano que vem (o que acho complicado acontecer). Enfim, esse foi o Oscar 2013. Não houve nada de muito marcante ou surpreendente. O show como não poderia deixar de ser foi muito bem realizado mas também não conseguiu encher os olhos de ninguém. No fundo foi apenas uma premiação de rotina e nada mais. Parabéns aos vencedores e até ano que vem!

Oscar 2013 – Os vencedores da noite:
Filme: "Argo"
Direção: Ang Lee, por "As Aventuras de Pi"
Ator: Daniel Day-Lewis, "Lincoln"
Atriz: Jennifer Lawrence, "O Lado Bom da Vida"
Ator coadjuvante: Christoph Waltz, "Django Livre"
Atriz coadjuvante: Anne Hathaway, "Os Miseráveis"
Roteiro original:  "Django Livre"
Roteiro adaptado: "Argo"
Animação: "Valente"
Filme estrangeiro: "Amor" (Áustria)
Trilha sonora: "As Aventuras de Pi"
Canção original: "Skyfall", de Adele, "007 - Operação Skyfall"
Fotografia: "As Aventuras de Pi"
Figurino: "Anna Karenina"
Documentário:  "Searching for Sugar Man"
Curta de documentário: "Inocente"
Edição: "Argo"
Maquiagem: "Os Miseráveis"
Direção de arte: "Lincoln"
Curta de animação: "Paperman"
Curta-metragem: "Curfew"
Edição de som: empate entre "A Hora Mais Escura" e "007 - Operação Skyfall"
Mixagem de som: "Os Miseráveis"
Efeitos visuais: "As Aventuras de Pi"

Pablo Aluísio.

Batman: O Cavaleiro das Trevas - Parte 2

Sempre que posso estou recomendando essas animações da DC Comics que estão sendo lançadas nos Estados Unidos no mercado de venda direta ao consumidor. São todas produções extremamente bem realizadas, com ótimos roteiros e tecnicamente perfeitas. Sobre esse “Batman: The Dark Knight Returns” já tive a oportunidade de tecer comentários aqui em nosso blog na ocasião do lançamento do primeiro DVD. Agora chega sua conclusão, a parte 2, e para alegria dos fãs de Batman tudo continua no mesmo nível, ou seja, tudo continua excelente. Aliás o enredo dessa segunda parte consegue ser até mesmo mais interessante e marcante do que o primeiro, uma vez que dois personagens ícones da DC surgem na trama: o Coringa e o Superman. O maior vilão do universo de Batman tenta convencer a todos que está finalmente reabilitado e pronto para voltar para a sociedade. Ao lado de seu psiquiatra (que vê nele um modelo de cura) o Coringa aceita participar de um programa de entrevistas popular na TV. Obviamente que tudo terminará numa grande tragédia até porque seu lado psicótico e insano logo volta a se manifestar com mais intensidade do que nunca.

Já o Superman vem como um super-herói do sistema, um joguete do governo americano que não hesita em utilizar seus poderes em prol de seus interesses imperialistas. Logo no começo da trama vemos o homem de aço completamente envolvido em uma guerra de colonialismo em um país perdido no meio do nada. É obviamente uma crítica – e muito bem feita – ao jogo político que os Estados Unidos patrocinam mundo afora. Outro fato curioso é que o Presidente surge como a figura de Ronald Reagan que era o líder da nação na época do lançamento da Graphic Novel original. Presidente de linha ultra-direita, intervencionista e republicano, o político acabou virando uma caricatura nada lisonjeira nas mãos de Frank Miller. E o Batman? Bom, ele é um sujeito envelhecido, doente e recluso que vê, deprimido, sua cidade virar um caos completo, dominada por crimes e convulsões sociais de todos os tipos. Para piorar a antiga gangue dos Mutantes o venera e o segue com fervor por causa de seu ideal de se fazer justiça pelas próprias mãos. Após resolver retornar às ruas para capturar novamente o Coringa, Batman se vê envolvido em um luta mortal com seu antigo colega Superman. Ambos estão em lados opostos e certamente vão se enfrentar para defender aquilo que acreditam ser o certo no meio daquele caos reinante. As cenas de luta entre os dois super-heróis acabam se tornando a melhor coisa da animação que é toda muito boa – realmente diferenciada e obrigatória para os fãs desse universo. Assim “Batman: The Dark Knight Returns, Part 2” está mais do que recomendado, não deixe de assistir.   

Batman: O Cavaleiro das Trevas - Parte 2 (Batman: The Dark Knight Returns, Part 2, EUA, 2013) Direção: Jay Oliva / Roteiro: Bob Goodman baseado na obra de Fank Miller / Elenco (Vozes): Peter Weller, Ariel Winter, Michael Emerson / Sinopse: Para capturar novamente seu antigo inimigo, o Coringa, um envelhecido Batman volta às ruas. Sua presença porém passa a incomodar as autoridades americanas que pedem ajuda ao Superman, o único que poderá encarcerar definitivamente o Homem Morcego.

Pablo Aluísio.

Ação Violenta

Steven Seagal está de volta – ou quase isso! Esse “Ação Violenta” acaba de chegar nas locadoras brasileiras mas na realidade não se trata de um novo filme do ator. Trata-se sim da junção de dois episódios da nova série estrelada por Seagal chamada “True Justice”. Assim como aconteceu com seu colega de filmes de ação, Chuck Norris, Seagal encontrou um novo espaço na TV após sua carreira no cinema chegar em um impasse. “True Justice” é a segunda incursão do ator em séries, a primeira foi “Steven Seagal: Lawman” que chegou a ter uma certa repercussão. Ambas são bem parecidas, com o ator interpretando policiais durões em cidades infestadas por criminosos. A ação de “True Justice” se passa na sempre chuvosa Seattle. É lá que um grupo de bandidos encurralam um carregamento da máfia mexicana e roubam toda a carga – alguns milhões de dólares. Esse roubo acaba desencadeando uma série de retaliações por diversas organizações criminosas e apenas Elijah Kane (Seagal) pode conter a violência.

A série e o personagem Elijah foram criados pelo próprio Seagal que apostou em um seriado policial que não se limitasse apenas ao velho esquema bandidos versus tiras. O papel de Seagal é bem representativo disso pois ele é também um ex-agente da CIA e por isso todas as tramas começam de certa forma banais para depois se desenrolarem em organizações criminosas maiores envolvendo lavagem de dinheiro internacional, tráfico de drogas e terrorismo. Essa fórmula é repetida aqui nesses dois episódios. Steven Seagal continua o mesmo. Agora mais velho e um pouco fora de forma (que esconde usando um figurino escuro) o ator certamente vai agradar aos fãs de seu estilo “poucas palavras e muitas porradas”. São várias as seqüências de lutas marciais, tiroteios e ação. Ele já não tem a velha velocidade e habilidade dos anos de juventude mas até que não faz feio nas lutas de que participa. A boa notícia é que a série é bem produzida, dentro dos padrões das séries americanas e não chega a aborrecer. Acompanhando Seagal há toda uma equipe de tiras treinados por ele mas nem se preocupe muito com esses personagens pois nenhum deles chega a ser devidamente desenvolvido. No final das contas o que vale mesmo para os fãs do ator é realmente matar as saudades de seu velho ídolo.

Ação Violenta (True Justice, Estados Unidos, 2012) Direção: Lauro Chartrand / Roteiro: Richard Beattie, Keoni Waxman / Elenco: Steven Seagal, Priscilla Faia, Adrian Holmes, Jesse Hutch, Nelson Leis, Lochlyn Munro, Zak Santiago, Darren Shahlavi, Bradley Stryker / Sinopse: Após um roubo de dinheiro da máfia mexicana, um policial de um grupo de elite da polícia de Seattle tenta desvendar o que há por trás do crime. Não tarda para que uma grande conspiração surja envolvendo lavagem de dinheiro e tráfico de drogas internacional.

Pablo Aluísio.

Sempre ao Seu Lado

Richard Gere foi por décadas um grande astro, chamariz de bilheteria. Uma estrela realmente. Infelizmente a profissão de ator não é muito diferente das demais, a idade chega e o mercado muda. Assim o antigo status também se vai. Um exemplo é esse “Sempre ao Seu Lado”. Não que o filme seja ruim, muito longe disso, mas sim que é uma produção modesta, simples, algo que seria impensável para Gere estrelar em seus dias de glória e sucesso. Nos Estados Unidos o filme foi direto para o mercado de vídeo e não ganhou espaço nos cinemas o que é uma pena pois a película tem seus méritos. Uma velha máxima em Hollywood afirma que um ator inteligente nunca deve fazer um filme com crianças ou cães porque invariavelmente eles acabam roubando o show. É verdade. Um exemplo perfeito temos aqui. A estória narra a singela amizade que nasce entre um professor de música e um cão sem dono que ele encontra na rua. Os dois simpatizam e como acontece há milênios na história da humanidade, o cão e seu dono se tornam os melhores amigos. Infelizmente após vários anos juntos o professor vem a falecer, o que não impede o cão de ir todos os dias à estação de trem para esperar por ele – ano após ano, sob chuva, sob neve ou embaixo de sol forte. É a materialização da chamada fidelidade canina.

É óbvio que as pessoas que gostam de cachorros vão gostar muito mais da produção. Realmente o roteiro é muito tocante, ainda mais quando sabemos que foi baseado em uma história real ocorrida no outro lado do planeta, no Japão. Lá a história ganhou os jornais e ficou conhecida de norte a sul do país. O cão Hachiko verdadeiro ganhou inclusive uma estatua na estação onde ficou por anos a fio esperando por seu querido dono. Depois virou um filme muito sensível chamado de “Hachiko Monogataria” (A  história de Hachiko) que foi dirigido pelo talentoso Seijiro Koyama. Assim “Sempre ao Seu Lado” nada mais é do que um remake americano onde a ação sai de uma pequena cidade japonesa para uma comunidade no interior dos EUA. O professor original era um senhor de idade avançada que ia até a estação para pegar um trem até a cidade mais próxima onde ensinava música a jovens talentos. No filme americano a profissão de professor do personagem principal foi mantida mas o roteiro foi modificado para encaixar Richard Gere no papel, surgindo assim um músico bem mais jovem (o professor real tinha 80 anos quando veio a falecer). Apesar das modificações e do fato de ser um remake, “Sempre ao Seu Lado” não deixa de ser um belo filme. Vai tocar especialmente os que já tiveram um grande amigo canino que partiu e funciona muito bem para contar essa bela história de amizade e dedicação entre um homem e seu animal de estimação. Ah e não se esqueça dos lencinhos pois algumas lágrimas serão inevitáveis.

Sempre ao Seu Lado (Hachiko: a Dog´s Story, Estados Unidos, 2009) Direção de Lasse Hallstrom / Roteiro: Stephen P. Lindsey baseado no texto de Kaneto Shindô do filme original "Hachiko Monogatari"  / Elenco: Richard  Gere, Joan Allen, Jason Alexander, Cary Hirouki Tagawa, Sarah Roemer, Erick Avari / Sinopse: O filme narra a emocionante história de amizade entre um homem e seu cão Hachiko.

Pablo Aluísio. 

Amelia

Nos primórdios da aviação muitos heróis foram formados, geralmente quando conseguiam realizar grandes feitos, como ir da Europa aos Estados Unidos atravessando o Oceano Atlântico ou então quando conseguiam dar a volta ao mundo. É o caso de Amelia Earthart (1897- 1937) que se tornou notória ao tentar ser a primeira mulher a dar a volta ao mundo em seu pequeno avião. Em uma época em que as mulheres lutavam pelos direitos mais básicos de igualdade, Amelia conseguia se sobressair ao tentar provar com seus feitos que não havia grandes diferenças entre homens e mulheres no final das contas. Sua celebridade foi tão marcante nas décadas de 1920 e 1930 que chegou inclusive a ser tema de um filme clássico, sendo interpretada nas telas por outro mito, Katherine Hepburn. Eram tempos mais românticos e a aviadora despertava admiração por ser destemida e aventureira, não recuando nem diante dos maiores desafios. Infelizmente quem se propõe a viver uma vida de aventuras como Amelia também se propõe a viver eternamente em riscos. A tragédia pode estar inclusive na próxima curva. É justamente a vida dessa mulher muito especial que esse “Amelia” se propõe a contar. Embora esteja um tanto esquecida (o que é de certa forma natural por causa do longo tempo em que morreu) a heroína despertou o interesse da Fox que já andava atrás de um bom roteiro de aventuras há algum tempo. O fato de sua história ser conhecida talvez atrapalhasse um pouco mas os executivos entenderam que fazia tanto tempo que ela havia morrido que as novas gerações provavelmente nem sequer a conheciam de fato. Infelizmente é verdade. Tão esquecida que inclusive não despertou o interesse do público.

O filme tinha pretensões de ser ao menos indicado ao Oscar mas sua má repercussão de público e crítica atrapalhou os planos da Fox. E o que há de errado com o filme? A direção de Mira Nair perdeu o foco. Ao invés de se concentrar nos feitos mais heróicos e aventureiros da vida da aviadora (o que era de se esperar) a diretora preferiu mostrar muito mais seu relacionamento com o marido (Richard Gere, em papel coadjuvante de luxo). O que era um filme de aventuras virou um romance açucarado demais. Some-se a isso o fato da atriz Hilary Swank não estar bem no papel. Vacilante, não consegue convencer ao espectador que é uma mulher á frente de seu tempo (no máximo ela passa a impressão de que é uma criadora de casos, uma encrenqueira). Tecnicamente não há o que se criticar – o filme é muito bem realizado, com efeitos digitais que se encaixam perfeitamente na proposta da história. O problema é que infelizmente o tempo é o senhor de tudo e Amelia Eckhart e seus feitos parecem datados demais para os dias altamente tecnológicos em que vivemos. Mesmo com esses problemas pontuais recomendo Amelia, não só em respeito a essa mulher que perdeu sua vida por uma boa causa como também pelo fato de ser um filme de memória, que visa resgatar sua figura, a tirando da obscuridade das páginas amareladas do tempo.

Amelia (Amelia, Estados Unidos, 2009) Direção: Mira Nair / Roteiro: Ronald Bass,  Anna Hamilton Phelan baseados nos livros "East To The Dawn: The Life of Amelia Earhart" de Susan Butler e "The Sound of Wings: The Life of Amelia Earhart" de Mary S. Lovell / Elenco: Hilary Swank, Ewan McGregor, Richard Gere, Christopher Eccleston, Joe Anderson, Cherry Jones, Mia Wasiwoska / Sinopse: O filme narra a história de Amelia Earhart, aviadora pioneira que tinha um sonho: ser a primeira mulher a dar a volta ao mundo em um avião.

Pablo Aluísio.