Um Dia a Casa Cai

Tom Hanks hoje em dia é um ator respeitado e consagrado em Hollywood. Com dois Oscars no currículo ele certamente é um dos profissionais mais cotados dentro da indústria de cinema americano. Um quadro bem diferente de quando era apenas um comediante escrachado que estrelava comédias como “A Última Festa de Solteiro”, “Splash – Uma Sereia em Minha Vida” e “Quero Ser Grande”. Na década de 1980 Tom Hanks não fazia dramas e nem filmes ditos sérios, pelo contrário, sua carreira era completamente direcionada para as comédias de verão, leves, divertidas, sem muita noção. Foi justamente nessa fase de pura diversão descompromissada que ele estrelou esse divertido “Um Dia a Casa Cai”, uma produção de Steven Spielberg em uma das primeiras parceiras ao lado do ator – parceria essa que daria excelentes frutos no futuro como “O Resgate do Soldado Ryan”. Mas isso ainda era tão distante para Hanks por essa época quanto a Lua. Aqui ele apenas repete seu personagem cômico preferido, a do cara normal, que tenta levar a vida da melhor forma possível mas que acaba se enrolando numa situação absurda e sem sentido.

No caso de “Um Dia a Casa Cai” Tom Hanks interpreta Walter, que ao lado da esposa, resolve comprar uma grande e bela casa por uma pechincha! A casa realmente é das mais bonitas mas por baixo da fachada se encontra um imóvel literalmente caindo aos pedaços! Quem já passou por uma reforma de casa sabe o quanto isso pode ser estressante e fonte de problemas! Sem alternativas Walter (Hanks) e Anna (Shelley Long) resolvem começar a reformar toda a casa – e isso abre margem para muitas situações cômicas, das mais diversas e divertidas que a mente dos roteiristas conseguiram criar. Eles não têm muita grana e por isso ficam dentro do imóvel enquanto a reforma segue em frente (algo pra lá de desaconselhável). Algumas das situações que surgem disso são realmente extremamente engraçadas como a queda da escada principal, onde o personagem de Hanks tem um acesso de riso e fúria que se torna desespero total! Afinal não é fácil gastar tanto dinheiro para colocar aquela casa de pé novamente! Os trabalhadores que vão até o imóvel também são divertidíssimos – os encanadores, por exemplo, andam em carrões, não dão a menor bola para Walter e se comportam como verdadeiros pernósticos! Enfim, um retrato muito bem humorado e sarcástico do modo de vida da classe média americana que passa por vários apuros para morar bem. Depois de rever comédias como essa cheguei numa conclusão: nos anos 80 Tom Hanks certamente não tinha o prestígio que tem hoje em dia mas era seguramente um ator muito mais divertido do que agora! Bons tempos aqueles.
   
Um Dia a Casa Cai (The Money Pit, Estados Unidos, 1986) Direção: Richard Benjamin / Roteiro: David Giler / Elenco: Tom Hanks, Shelley Long, Alexander Godunov, Maureen Stapleton / SInopse: Walter (Tom Hanks) e Anna (Shelley Long) resolvem comprar uma velha mansão por uma verdadeira pechincha. Mal sabiam no pepino que estavam se metendo. A casa caindo aos pedaços necessita de uma reforma urgente – o que dará origem a várias confusões, colocando em risco inclusive o relacionamento do casal.

Pablo Aluísio.

3000 Milhas Para o Inferno

Covers de Elvis Presley, centenas deles, todos em Las Vegas para uma convenção mundial de imitadores do Rei do Rock! É justamente nesse mar de jumpsuits e colarinhos levantados que Michael Zane (Kurt Russell) e Thomas Murphy (Kevin Costner), líderes de uma gangue de criminosos barra pesada, decidem agir. Seu alvo é o milionário e luxuoso Riviera Hotel & Cassino! O plano é se misturar aos covers, roubar o dinheiro e depois sumir da forma mais rápida e discreta possível! O problema é que entre os próprios membros do grupo há um acerto final de contas pendente! “300 Milhas Para o Inferno” é um filme de ação diferente! Pelo menos assim pensaram seus realizadores. Não há como deixar de admitir que sua ambientação se torna divertida, afinal o filme foi rodado em Las Vegas onde o Rei Elvis reinou em seus últimos anos. Claro que muitos covers são bem ridículos mas isso faz parte da diversão também. No fundo esses artistas nada mais são do que caricaturas de um tempo – a década de 1970 – em que tudo era permitido em termos de roupas e acessórios. O próprio Elvis que desde a juventude se vestia de maneira bem diferenciada, obviamente adorou o estilo e a moda daqueles anos. Depois que morreu e virou o ícone cultural que é, sua imagem se tornou um símbolo do estilo kitsch dos 70´s. E é justamente em cima desse luxo despudorado dos últimos anos de Elvis que os covers fazem a festa!

Apesar de tentar ser diferente a verdade é que “3000 Milhas Para o Inferno” só tem de diferencial mesmo os imitadores de Elvis Presley. Todo o resto, o roteiro, as cenas, os clichês, não apresentam novidades, no fundo não há nada que você já não tenha visto antes em dezenas de outras produções de ação. Claro que a música de Elvis Presley tocando o tempo todo é uma delícia mas só isso não basta para transformar essa produção em um bom filme. Kevin Costner e Kurt Russell são atores bacanas, não há como negar, mas seus personagens são bem vazios e desprovidos de um melhor tratamento. Russell está até bem mais à vontade do que Costner, uma vez que esse é o seu estilo de filme, afinal ele estrelou várias produções de ação ao longo de sua carreira. Além disso quando era apenas um garotinho ele participou de um filme de Elvis Presley! Isso mesmo! Russell já contracenou com o Rei em pessoa! Foi em 1963. Em uma cena muito engraçada ele dava uns pontapés no personagem de Elvis que queria dar em cima de uma enfermeira e precisava de uma desculpa para ir até onde ela trabalhava. Foi um chute e tanto nas canelas mais famosas da história do Rock! Já Kevin Costner aparece bem desconfortável. Não é a praia dele, que sempre preferiu trabalhar em outros gêneros, dramas em sua maior parte. Além disso a calvície pesa na hora de se vestir como Elvis Presley, que afinal de contas entrou para a história por causa de seu volumoso e brilhante topete. Enfim, chega de devaneios. “3000 Milhas Para o Inferno” é mais do mesmo. Nada de novo no front, ou melhor, em Graceland. O velho e bom Elvis merecia coisa melhor!

3000 Milhas Para o Inferno (3000 Miles To Graceland, Estados Unidos, 2001) Direção: Demian Lichtenstein / Roteiro: Demian Lichtenstein, Richard Recco / Elenco: Kurt Russell, Kevin Costner, Courteney Cox, Christian Slater, Kevin Pollak, David Arquette, Jon Lovitz, Ice-T / Sinopse: Grupo de criminosos se aproveita de uma grande convenção de imitadores de Elvis Presley em Las Vegas para cometer um grande roubo em um dos hotéis cassinos mais luxuosos da cidade.

Pablo Aluísio.

Um Tira da Pesada 2

Por falar em filmes policiais engraçadinhos da década de 80 que tal relembrar esse enorme sucesso de bilheteria estrelado pelo comediante Eddie Murphy? Infelizmente hoje em dia Murphy está completamente decadente, aparecendo em verdadeiras bombas, filmes horríveis que geralmente se tornam grandes fracassos mas nos anos 80 ele era o queridinho da indústria cinematográfica americana. Egresso do popular programa de TV Saturday Night Live, Murphy encarnava  um tipo de humor mordaz mas até bem comportado se formos comparar com outros humoristas negros de sua época. Assim, diante de um humor mais leve ele logo caiu no gosto popular dos brancos e se tornou um sucesso de popularidade. Sair da TV e ir para o cinema era apenas questão de tempo e Murphy fez excepcionalmente bem essa transição. Após largar o programa de TV ele assinou com a poderosa Paramount a realização de uma série de filmes, que se tornariam grandes êxitos populares nos anos que viriam. A série “Um Tira da Pesada” foi seu auge. A idéia era colocar um policial negro da barra pesada Detroit na sofisticada Beverly Hills, com toda aquela gente ricaça e esnobe. O choque cultural ao ver os métodos do tira Axel Foley (Murphy) no meio da grã finada era o grande trunfo do filme.

De fato deu muito certo. Se o primeiro já havia sido bem recebido, esse aqui, com muitos mais recursos e publicidade, se tornou um dos mais rentáveis da década. Eddie Murphy se viu assim disputando os cachês milionários da época lado a lado com Sylvester Stallone ou Arnold Schwarzenegger. Tão empolgado ficou com sua enorme fama e sucesso que disparou: “A década de 50 foi de Elvis Presley, a década de 60 dos Beatles e a década de 80 foi de Eddie Murphy”. Não há como negar que Murphy seja realmente talentoso e engraçado principalmente nessas suas primeiras produções no cinema (que também faziam enorme sucesso no milionário mercado de vídeo VHS para consumo domiciliar). O problema é que, como sempre acontece aliás, o sucesso lhe subiu à cabeça e Eddie começou a ter acessos de egolatria, escolhendo projetos equivocados que não mais fizeram sucesso.  Nem sua tentativa de fazer um humor mais ácido com suas apresentações ao vivo (que também viraram vídeos de sucesso) reverteram o lento e gradual declínio de seu sucesso comercial. A década de 80 chegou ao final e com ele os melhores anos da carreira de Eddie Murphy. Ele foi de certo modo substituído pelo gosto do público americano por outro negro, que também vinha da TV e estourou de uma hora para outra nos cinemas. Seu nome? Will Smith. Rei morto, rei posto. Mesmo assim fica a dica: “Um Tira da Pesada 2”, uma produção de uma época em que Eddie Murphy poderia se considerar um Rei em Hollywood, sem exagero algum.

Um Tira da Pesada 2 (Beverly Hills Cop II, Estados Unidos, 1987) Direção: Tony Scott./ Roteiro: Larry Ferguson, Warren Skaaren / Elenco: Eddie Murphy, Judge Reinhold, Jürgen Prochnow, Ronny Cox, John Ashton, Brigitte Nielsen, Allen Garfield, Dean Stockwell./ Sinopse: Axel Foley (Eddie Murphy) é um tira de Detroit que vai até Beverly Hills para investigar uma quadrilha especializada em tráfico de armas. Chegando lá se une aos tiras mauricinhos do Departamento de Polícia de Los Angeles e se mete em várias confusões.

Pablo Aluísio.

Tocaia

Na década de 80 a Touchstone Pictures se tornou o braço adulto do império Disney. As produções dessa companhia, embora feitas para o público acima dos 16 anos,  ainda eram leves, divertidas e realizadas para toda a família. Nada de palavrão, nem de situações ofensivas. Tudo era light e soft. Dentro do selo vários atores fizeram bastante sucesso como os dois protagonistas desse delicioso policial com várias pitadas de comédia. Estamos falando da dupla Emilio Estevez e Richard Dreyfuss. Esse tipo de roteiro que explorava a diferença de personalidade entre dois policiais já não era nenhuma novidade na época (basta lembrar de “Máquina Mortífera”) mas a boa química entre esses atores garantiram uma ótima diversão. Na deliciosa trama acompanhamos dois tiras, Chris (Richard Dreyfuss) e Bill (Emilio Estevez), que recebem a missão de vigiar a casa onde mora Maria (Madeleine Stowe), ex-namorada de um criminoso foragido da lei. A chamada tocaia é sempre uma operação de muita paciência e espera e aqui a dupla passa por vários apuros para transformar sua missão em um sucesso. Escondidos na casa em frente e armados com potentes equipamentos de espionagem eles esperam... esperam... e esperam um pouco mais. Tudo em nome da possibilidade de colocar as mãos no criminoso.

Como sempre acontece nesse tipo de filme temos no roteiro dois policiais com personalidades bem opostas. Bill (Estevez), o tira mais jovem, é quadrado, certinho e procura seguir todos os procedimentos e protocolos de sua corporação policial. Já o veterano Chris (Dreyfuss) é o extremo oposto disso. Fanfarrão e pouco avesso a seguir as normas ao pé da letra ele acaba fazendo o impensável ao se relacionar com a mulher que está vigiando. Isso obviamente vai contra todas as regras da polícia. O que poderia se tornar bem cansativo – assistir a uma dupla de policiais em tocaia – logo se torna uma ótima diversão justamente por causa das atitudes fora dos padrões de Chris. “Tocaia” é aquele tipo de filme que você não cria maiores expectativas mas acaba gostando muito por causa do roteiro bem escrito e das situações bem armadas e desenvolvidas. Os atores em cena também ajudam muito. Dreyfuss é ótimo para interpretar personagens assim, a do cara mais velho e nada responsável ou maduro. Idem para Estevez (filho de Martin Sheen e irmão de Charlie Sheen) que faz o tira nerd e careta. Do choque entre eles teremos as melhores cenas do filme. O resultado é dos mais simpáticos e agradáveis e isso tudo se reverteu na excelente bilheteria – que daria origem a uma continuação bem inferior e sem idéias novas. De qualquer forma se você quiser conhecer um policial divertido e bem humorado da década de 80 procure por “Tocaia”, uma produção que diverte bastante e mostra que nem só de “Um Tira da Pesada” vivia o gênero naqueles anos.

Tocaia (Stakeout, Estados Unidos, 1987) Direção: John Badham / Roteiro: Jim Kouf / Elenco: Richard Dreyfuss, Emílio Estevez, Madeleine Stowe, Aidan Quinn, Dan Lauria, Forest Whitaker, Earl Billings./ Sinopse: Dois policiais, um jovem e um veterano, ficam de tocaia na frente da casa de uma ex-namorada de um fugitivo perigoso procurado pelo FBI. O que começa como uma simples operação de rotina acaba virando um caos após um dos tiras decidir, de forma irresponsável, se envolver com a mulher que é justamente o foco de sua investigação.

Pablo Aluísio.

Doze Homens e Outro Segredo

Essa franquia de sucesso mais parece uma reunião de amigos em um fim de semana do que qualquer outra coisa. E pensar que tudo começou lá na década de 1960 quando Frank Sinatra mandou o estúdio escrever um roteiro que pudesse contar com todos os seus amigos do “bando de ratos”, a saber: Dean Martin, Sammy Davis Jr e todo o resto da trupe. O filme original também tinha esse ar descompromissado que foi repetido aqui nessa nova franquia. Só que sai Sinatra e entra George Clooney. Ator bem relacionado em Hollywood com vários amigos no meio ele conseguiu reunir um time de estrelas do primeiro escalão de Hollywood para rodar inicialmente o remake do filme de Sinatra. Só depois do grande sucesso daquela produção foi que o estúdio teve a oportuna idéia de realizar continuações, até porque em Hollywood o que faz sucesso vira franquia imediatamente. O dinheiro é que manda! O primeiro filme é bem realizado, com direção correta e bom roteiro mas em nenhum momento chega a ser surpreendente ou marcante. No final das contas apenas diverte – e era justamente essa a intenção de seus realizadores. Já essa seqüência para falar a verdade não traz mais nada de novo. A verdade pura e simples é que não tinham mais nenhuma estória para contar então realizaram uma espécie de remake do remake (por mais estranho que isso possa parecer!).

Aqui Danny Ocean (George Clooney) resolve viver longe do mundo da criminalidade. Casado com Tess (Julia Roberts) ele só quer mesmo paz e tranqüilidade. As coisas começam a mudar quando o ex-marido de Tess, o almofadinha Terry Benedict (Andy Garcia), resolve recuperar todo o dinheiro que lhe foi roubado pelo grupo de Danny Ocean no primeiro filme. Ao mesmo tempo Ocean resolve se precaver e muda de idéia, resolvendo reunir novamente seus comparsas para aquele que seria o super roubo de sua carreira. O alvo dessa vez porém fica na Europa. Nesse ínterim a agente do FBI Isabel Lahiri (Catherine Zeta-Jones) começa o seu acerto de contas contra Rusty (Brad Pitt), um dos membros da equipe de Ocean. Seguem-se as costumeiras perseguições, cenas espetaculares e muita ação. Assim temos mais do mesmo. O roteiro se concentra nos preparativos do grande assalto enquanto os demais personagens apenas passeiam em cena. Um dos problemas dessa franquia é justamente esse, o excesso de personagens. Com tanta gente em cena ao mesmo tempo nenhum papel chega a ser bem desenvolvido, nem o de Ocean (Clooney). Júlia Roberts e Catherine Zeta-Jones não acrescentam em nada ao resultado final e mais parecem penetras no clube do Bolinha de Clooney. Os atores também não parecem levar nada à sério, em especial Brad Pitt que mais parece estar de férias na Europa. Se não é para ser levado à sério então porque o espectador vai se importar? Mesmo assim até que funciona como passatempo ligeiro, leve, mesmo que você esqueça tudo o que assistiu dois minutos depois do filme terminar.

Doze Homens e Outro Segredo (Ocean's Twelve, Estados Unidos, 2004) Direção: Steven Soderbergh / Roteiro: George Nolfi / Elenco: George Clooney, Andy Garcia, Brad Pitt, Julia Roberts, Matt Damon, Catherine Zeta Jones, Vincent Cassel, Don Tiffany / Sinopse: Mais uma vez o grupo liderado por Dany Ocean (George Clooney Resolve partir para um grande roubo, só que dessa vez na Europa.

Pablo Aluísio.

Agora e para Sempre

“Now Is Good” é um filme muito, muito triste. Isso não significa que seja ruim, pelo contrário. É uma produção muito interessante. A estória narra a luta de uma jovem inglesa que tenta levar sua vida em frente após ser diagnosticada com um agressivo câncer. Em plena adolescência ela tem que enfrentar toda essa situação de frente, com coragem e determinação. Ao mesmo tempo ela vai vivenciando as experiências típicas da idade, como o primeiro amor e os laços de amizade com sua principal amiga e confidente. Infelizmente tudo isso vem acompanhado da triste realidade de sua doença, que é terminal.  O problema se agravou porque ela, por livre e espontânea vontade, resolveu rejeitar o tratamento por quimioterapia pois a fazia passar muito mal. Assim ela prefere conscientemente viver menos mas privilegiando o pouco de qualidade de vida que ainda lhe resta. Pela sinopse já deu para perceber que estamos na presença de um daqueles dramas de tintas fortes. Não há outra definição pois tudo é muito triste e sofrido. O filme foi bem recebido em seu lançamento na Inglaterra (a produção é inglesa) e ganhou fartos elogios da imprensa britânica. De fato o tema da doença terminal da jovem é mostrado de forma muito delicada e sutil, sem apelações desnecessárias. Sabemos que ela não conseguirá superar sua doença mas isso não a impede de viver seus últimos momentos da melhor forma possível. Tentar ser feliz, acima de tudo. Para isso ela escreve uma lista das coisas que gostaria de fazer antes de morrer. Entre tantas coisas típicas de uma adolescente algumas dessas “tarefas” se sobressaem pela espiritualidade e bom humor e mostram que ela é de fato apenas uma adolescente com sonhos e anseios tão característicos nessa fase da vida.

Dakota Fanning  está muito bem no papel de Tessa, a jovem que sofre de leucemia e que por isso está com seus dias contados. Sua personagem é esperta, espirituosa e apesar da pouca idade procura levar a vida na normalidade. Para se ter uma idéia, uma das primeiras coisas que decide fazer após ser diagnosticada é largar a escola pois em suas próprias palavras “deve existir algum privilégio para doentes terminais”. Como se vê o humor negro britânico continua em alta! Seu partner em cena é um tanto quanto medíocre mas não compromete muito pois “Now is Good” pertence mesmo a Dakota. Esqueça aquela garotinha que você via em filmes de alguns anos atrás. Ela cresceu e mostra muito talento em cada momento que surge em cena. A direção também é extremamente correta, procurando abrir uma ponte de diálogo com os mais jovens.  Apesar do tema forte que pode entristecer alguns espectadores irei recomendar o filme e isso por algumas razões importantes. A primeira delas é conscientizar o público de que o drama mostrado na tela faz parte da vida de centenas de milhares de jovens que são diagnosticados com câncer todos os anos. Assim o filme expõe essa situação tão delicada – e da melhor forma possível, sem exageros melodramáticos e nem sensacionalismo. A segunda e mais importante razão é mostrar como nossa vida aqui nesse plano material é fugaz! Nunca se pode perder a consciência de que estamos de passagem nesse mundo. A vida muitas vezes se comporta como a areia que escorrega entre os dedos de nossas mãos. Por isso nunca a desperdice de forma leviana. Aprenda a cultivá-la da melhor forma possível. Saiba que a vida é um presente da natureza para você e se comporte como tal. Como a própria personagem principal do filme explica, a vida é feita de momentos e alguns desses momentos são preciosos. Por isso saiba sempre dar valor a cada um deles, todos os dias. A morte, por mais devastadora que seja, serve também para nos lembrar de quão preciosa é o milagre da vida! Essa é sem dúvida a grande lição desse filme.

Agora e para Sempre (Now Is Good, Inglaterra, 2012) Direção: Ol Parker / Roteiro: Ol Parker baseado no livro "Before I Die" de  Jenny Downham / Elenco: Dakota Fanning, Kaya Scodelario, Rose Leslie / Sinopse: Jovem adolescente é diagnosticada com leucemia, um agressivo tipo de câncer. Em estado avançado e com pouco tempo de vida ela tenta levar sua juventude com normalidade. Conhece e se apaixona por seu vizinho, um rapaz de bom coração. Agora sua luta será para viver bem o pouco tempo de vida que lhe resta.

Pablo Aluísio.

Brinquedo Assassino

Depois do sucesso de “A Hora do Espanto” o diretor e roteirista Tom Holland rodou uma comédia muito fraca estrelada por Whoopi Goldberg. Mal recebida por público e crítica, Holland caiu na real e viu que não tinha jeito para o gênero. A solução para voltar ao sucesso era retornar ao terror, onde ele tinha alcançado seu maior sucesso de bilheteria. Foi assim que na segunda metade da década de 80 ele começou a participar de um projeto que era bem curioso: um filme de terror estrelado por um... boneco! Isso mesmo. Até que não era uma novidade completa o tema de bonecos diabólicos mas aqui Holland e o roteirista e amigo Don Mancini escreveram a estória de um boneco de brinquedo que serviria de “corpo provisório” para a alma de um perigoso assassino e psicopata. Enquanto ele não conseguia se transferir para o corpo de um ser humano tinha que se virar para sobreviver e não ser descoberto. O tal boneco acabou sendo nomeado por eles como “Chucky”! Mal sabiam Holland e Mancini que estavam criando um dos personagens mais famosos e carismáticos da história dos filmes de terror! Chucky tinha a aparência de um brinquedo fofo, feito para as crianças. Seu design era especialmente cativante. Fazer daquele personagem um monstro se tornou um desafio e tanto para os animadores, técnicos e toda a equipe especializada em efeitos especiais do filme mas eles, após muitos testes, conseguiram. Usando de Animatronics (os efeitos digitais ainda eram algo muito experimental), os realizadores de “Brinquedo Assassino” conseguiram transformar um enredo que mais parecida vindo de filmes trashs numa produção convincente e de certo modo até mesmo muito original.

Em uma produção como essa o elenco era de certa forma até mesmo secundário mas Holland resolveu trazer novamente Chris Sarandon com quem havia trabalhado em “A Hora do Espanto”. Esse foi o único capricho que se deu ao luxo de cometer pois todo o restante do orçamento de meros nove milhões de dólares foram direcionados para os efeitos especiais. Quando lançado Chucky fez sucesso imediato – a ponto de virar uma linha de brinquedos reais, muito popular durante o Halloween. Infelizmente Tom Holland cometeu uma falha em seu contrato e acabou perdendo os direitos desse personagem para o estúdio que não se fez de rogado lançando várias continuações ao longo dos anos, uma cada vez mais absurda do que a outra! Assim ao longo dos anos “Brinquedo Assassino” acabou virando uma franquia de humor pastelão, galhofeiro, desvirtuando completamente a idéia original de seus criadores que queriam criar um filme de terror em essência. De qualquer modo fica esse primeiro filme – que deveria ser o único – como exemplo de que no universo dos filmes de terror uma boa idéia sempre pode gerar excelentes frutos.

Brinquedo Assassino (Child's Play, Estados Unidos, 1988) Direção: Tom Holland / Roteiro: Don Mancini e Tom Holland / Elenco: Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent / Sinopse: Após participar de um culto de magia negra a alma de um assassino psicopata vai parar no corpo de plástico de um boneco, um brinquedo típico da década de 80 chamado candidamente e carinhosamente de Chucky! Agora o espírito terá que lutar para possuir um corpo real de um ser humano antes que seu tempo na terra se esgote.

Pablo Aluísio. 

Na Estrada

Jack Kerouac (1922 -1969) não era um escritor comum. Após fracassar com seu primeiro livro, “The Town and The City”, dito por alguns como convencional demais, até conservador, ele resolveu chutar o balde e partiu para o extremo oposto disso. O que era “certinho” e “quadrado” virou puro caos nas linhas de sua nova obra, “On The Road”. Numa linguagem alucinada o livro se destacava por fugir das amarras da literatura da época. O texto simplesmente fluía sem muita ordem ou sentido. Tudo era literalmente jogado pelo autor em suas páginas e o leitor é que deveria colocar uma certa ordem naquela narrativa um tanto desconexa, baseada muito mais em sensações do que em organização e sentido. O livro marcou época dentro da literatura americana justamente por se livrar das amarras que impediam a plenitude criativa dos autores. O enredo, se é que se podia definir assim, mostrava flashes de um grupo de amigos que simplesmente cruzavam o interior dos Estados Unidos em busca de aventuras e autoconhecimento. Desde o início o cinema quis adaptar para as telas esse texto de Kerouac mas sua narrativa dispersa e sem foco tornava tudo muito complicado. Até mesmo o mito Marlon Brando quis interpretar a estória em um filme mas seus planos foram por água abaixo após um dos mais famosos roteiristas da época lhe explicar que o livro era simplesmente “inadaptável”.

Assim chegamos nessa produção dirigida pelo cineasta brasileiro Walter Salles. Como quase sempre acontece quando um livro famoso vira filme houve muitas reações acaloradas sobre o resultado final da obra cinematográfica. Aqui a crítica (principalmente a brasileira) resolveu expor os problemas do filme de forma muito exagerada. Reclamaram de praticamente tudo, do elenco, da edição, do roteiro (simplista para alguns), da direção e da falta de uma melhor abordagem em torno do tema. Superficial para alguns, maçante para outros, sobraram reações negativas a esse “Na Estrada”. Bobagem. Jamais alguém vai conseguir transpor um texto como esse com extrema fidelidade. A linguagem literária é bem diferente da linguagem cinematográfica. Um evento banal pode ser descrito de forma maravilhosa em um texto, com palavras que tocam profundamente o leitor. No cinema essa mesma passagem pode soar completamente sem importância dentro do que se mostra na tela. São linguagens totalmente diferentes. A primeira funda suas raízes no sensorial e a segunda no visual. Por essa razão não vejo qualquer motivo justificado para falarem tão mal do filme. Eu particularmente gostei do resultado. Obviamente não é perfeito mas é bem realizado. Certamente vai despertar a curiosidade dos mais jovens sobre a obra do autor Jack Kerouac – e isso já justifica a existência da produção. Claro que o filme tem eventuais problemas, mas dentro dos limites que uma adaptação como uma obra dessas impõe o resultado se mostra bem satisfatório e competente. Por isso pegue a estrada com Kerouac e se divirta – nas telas e no livro.

Na Estrada (On The Road, Estados Unidos, 2011) Direção: Walter Salles / Roteiro: Jose Rivera, baseado na obra de Jack Kerouac / Elenco: Kristen Stewart, Amy Adams, Viggo Mortensen, Kirsten Dunst, Garrett Hedlund, Alice Braga, Sam Riley, Elisabeth Moss, Steve Buscemi, Terrence Howard, Tom Sturridge, / Sinopse: Dois amigos de Nova Iorque e a namorada de um deles resolvem cruzar os Estados Unidos praticamente de costa a costa. No caminho conhecem os mais diversos tipos de pessoas e lugares numa aventura on the road em busca de autoconhecimento e diversão escapista.

Pablo Aluísio.

Um Dia de Fúria

Hoje em dia Michael Douglas está com um pé na aposentadoria definitiva mas nas décadas de 80 e 90 ele saboreou uma excelente fase na carreira com muitos sucessos e êxitos de bilheteria. Um dos mais bem sucedidos foi esse “Um Dia de Fúria” que está completando agora exatos 20 anos de seu lançamento. O filme explora muito bem os limites de tolerância que cada um possui dentro da sociedade altamente estressante em que vivemos. No caso acompanhamos a rotina de William Foster (Michael Douglas) que durante um congestionamento infernal simplesmente chega ao seu limite. Irritado, não suportando mais uma rotina tão cheia de pressões e desapontamentos ele simplesmente se arma de um bastão de beisebol e uma arma de fogo e sai para a desforra completa, apelando para uma violência irracional e sem freios contra tudo e contra todos que ousam cruzar seu caminho. O curioso em “Dia de Fúria” é que apesar de ser um drama por definição algumas de suas cenas acabam deflagrando um humor involuntário quando o engomadinho Foster perde a compostura e parte para a porrada desenfreada, não poupando ninguém pela frente. Há cenas bem significativas nesse ponto como a da lanchonete quando ele novamente tem um acesso de fúria descontrolada.

“Um Dia de Fúria” é seguramente um dos melhores trabalhos do irregular Joel Schumacher que conseguiu ao longo da carreira mesclar grandes bombas com filmes acima de média. Não há outra definição melhor para Schumacher, ele é realmente um cineasta complicado, onde não sabemos de antemão se vamos assistir alguma pequena obra prima ou um grande abacaxi. Aqui felizmente temos um de seus melhores trabalhos na carreira. Michael Douglas está perfeito no papel e conta com um outro grande ator para contracenar com ele, o veterano Robert Duvall. Ele interpreta o detetive Prendergast que sai em perseguição ao descontrolado personagem de Michael Douglas. O curioso é que ele parece entender bem lá no fundo os motivos que desencadearam a violência sem fim em William Foster. Prendergast se mostra inclusive solidário com o insano Foster na cena final, embora ciente da situação extrema em que se encontra. Assim se você ainda não assistiu procure ver, é um interessante filme de ação com subtexto sobre os limites de tolerância de cada um.

Um Dia de Fúria (Falling Down, Estados Unidos, 1993) Direção: Joel Schumacher / Roteiro: Ebbe Roe Smith / Elenco: Michael Douglas, Robert Duvall, Barbara Hershey, Frederic Forrest / Sinopse: Durante um engarrafamento infernal um homem comum alcança seu limite de tolerância e literalmente sai na porrada com quem lhe cruza o caminho. Descontrolado ele passa a ser perseguido por um veterano policial que sai em seu encalço.

Pablo Aluísio.

A Sombra e a Escuridão

Hollywood tem longa tradição em filmes ambientados na África Selvagem. Esse “A Sombra e a Escuridão” é mais um nessa longa e tradicional linha de produções filmadas no continente africano. O roteiro foi baseado em fatos reais. No final do século XIX uma empresa britânica passou por vários problemas ocasionados pelas mortes cometidas por dois leões da região, durante a construção de uma importante ferrovia que cortava a África Oriental, no Quênia, em Tsavo. Particularmente sanguinários as duas feras mataram juntas, segundo estimativas, mais de 140 homens ao longo de vários meses durante a construção da ferrovia. O número de mortes foi tão elevado que chegou-se ao ponto de ninguém mais querer trabalhar np local. Leões são carnívoros por natureza mas ataques a seres humanos nessa proporção era completamente único. O que levou esses animais a esse tipo de massacre? Existem muitas teorias sendo as mais prováveis a falta de presas naturais ocasionadas pelo avanço da civilização ou uma mutação genética que os tornaram máquinas assassinas singulares. Após suas mortes foram pesquisados e levados até os EUA para novos estudos. Os verdadeiros leões foram então empalhados e estão expostos em Chicago no famoso Museu de história natural, o Chicago Field Museum. Como eram animais únicos eles eram considerados pelos trabalhadores nativos como encarnações de demônios da floresta e por isso eram chamados de Fantasma e Escuridão respectivamente – nomes que fazem parte do título original do filme.

O roteiro foi escrito justamente em cima dessa história quando a empresa inglesa resolveu contratar caçadores profissionais para matar os felinos. Quem matou os leões na história verídica foi o Coronel Inglês John Henry Patterson, um famoso aventureiro. No filme a sua função acabou sendo dividida entre dois personagens principais, o grande caçador branco  Charles Remington (Michael Douglas) e o próprio Coronel Patterson aqui interpretado por Val Kilmer. Michael Douglas aliás adorou a experiência de filmar em regiões próximas onde tudo realmente aconteceu. Ao custo de pouco mais de 35 milhões de dólares uma grande equipe de filmagem adentrou a savana africana para obter as melhores tomadas de cena. Revisto hoje em dia “A Sombra e a Escuridão” chegamos na conclusão de que o filme resistiu bem ao tempo. Ainda é uma boa aventura, com roteiro bem escrito e situações que mantém o interesse. Val Kilmer talvez fosse jovem demais para interpretar o Coronel britânico mas isso em si não chega a prejudicar o resultado final. A produção é bonita, com linda fotografia, e não perde seu foco que em si é centralizada na caçada aos dois leões. Provavelmente vá incomodar um pouco os mais ecologistas mas temos que ter em mente o contexto histórico em que se passa a estória do filme. Em essência é um excelente filme de aventuras, bem ao estilo antigo. Vale a pena ser redescoberto.

A Sombra e a Escuridão (The Ghost and the Darkness, Estados Unidos, 1995) Direção: Stephen Hopkins / Roteiro: William Goldman / Elenco: Michael Douglas, Val Kilmer, Tom Wilkinson / Sinopse: Dois leões começam a atacar trabalhadores nativos durante a construção de uma grande estrada de ferro no coração do Quênia durante o século XIX. Para caçar e matar as feras a companhia ferroviária chama um experiente Coronel britânico que ao lado de um caçador veterano partem em busca dos felinos assassinos. 

Pablo Aluísio.

A Hora do Pesadelo

É a obra prima do diretor Wes Craven. Esqueça o horrendo (no mal sentido) remake que foi lançado há pouco, prefira mesmo o original, essa pequena obra de arte do horror dos anos 80. O roteiro não foge muito à formula dos filmes de terror daqueles anos, isso é inegável, mas a produção se destaca por trazer aquele que provavelmente seja o personagem mais famoso da galeria de assassinos do cinema americano: o famigerado  Freddy Krueger. Fruto de um estupro coletivo onde participaram alguns dos maiores criminosos que se tem notícia, o velho Freddy teve seu destino traçado ao ser queimado vivo por seus crimes bárbaros. Agora povoa os pesadelos de jovens inocentes que se atrevem a cruzar seu caminho diabólico. O personagem encontrou seu ator perfeito na pele do também bastante carismático  Robert Englund. Com rosto de poucos amigos ele se tornou um ícone tão forte dentro do universo do horror que se tornou facilmente reconhecível, mesmo sem a forte maquiagem de Freddy. Muitos atores sentem bastante receio de ficarem marcados para sempre por um único personagem mas Englund jamais viu problemas nisso. Em diversas convenções de que participou sempre deixou muito claro seu prazer de ter encarnado Krueger em tantos filmes que fez ao longo da carreira.

Outro destaque do elenco nesse primeiro filme da longa franquia “A Hora do Pesadelo” é o ator Johnny Depp, na época ainda um jovem aspirante ao sucesso que topava qualquer coisa, até mesmo morrer logo nas primeiras cenas em um filme menor como esse (“A Hora do Pesadelo” foi realizado com orçamento restrito, até porque ninguém sabia se faria sucesso ou não). Wes Craven mostra aqui seu toque de Midas ao colocar todas as mortes de um jeito inventivo e diferente – algo que anos depois seria usado por outras franquias de sucesso como por exemplo “Jogos Mortais”. Com muito sangue de groselha, jovens bonitos prontos para morrer e um personagem pra lá de marcante, “A Hora do Pesadelo” só poderia ter se tornado o sucesso que foi. O psicopata dos pesadelos Freddy virou produto licenciado para bonequinhos, revistas, sabonetes e tudo mais que tinha direito. Ainda hoje é um dos mais lembrados em épocas festivas como Halloween. Enfim, “A Nightmare on Elm Street” é item obrigatório a todo fã de terror que se preze. Assista e depois sonhe com Krueger e... sobreviva se puder.

A Hora do Pesadelo (A Nightmare on Elm Street, Estados Unidos, 1984) Direção: Wes Craven / Roteiro: Wes Craven / Elenco: Heather Langenkamp, Johnny Depp, Robert Englund / Sinopse: Um grupo de jovens começam a ter terríveis pesadelos com um assassino que foi morto pelos moradores da cidade no passado após ele cometer terríveis crimes contra crianças. Freddy Krueger, o terrível maníaco agora resolve se vingar de seus algozes ao infernizar a noite dos descendentes daqueles que o mataram em Elm Street.

Pablo Aluísio.

Mad Max

Hoje em dia o cinema australiano passa por uma crise criativa mas na década de 70 ele passou por uma fase extremamente interessante do ponto de vista artístico. Atualmente os filmes australianos praticamente apenas imitam os clichês do cinema americano (com pontuais exceções) mas o quadro já foi o inverso. O maior exemplo foi esse “Mad Max”, filme de baixo orçamento rodado nos desertos australianos que acabou criando um sub-gênero próprio, o dos filmes de ação pós apocalíptico. George Miller, o diretor, teve uma idéia genial nesse aspecto. Ele resolveu levar toda uma equipe de cinema para as regiões mais distantes e secas do deserto australiano (um lugar que faz o sertão nordestino parecer um oásis) para rodar uma aventura on the road completamente futurista. O enredo não perderia muito tempo com firulas, partindo logo para a ação desenfreada! Liderando o elenco ele trouxe um desconhecido, um jovem boa pinta, sem qualquer experiência em filmes de ação que só possuía no currículo uma pequenina produção da Austrália sobre Surf chamado “Summer City” (que chegou a ser lançado em vídeo no Brasil). Ele não era australiano mas americano, criado naquele país desde muito jovem. Seu nome? Mel Gibson! O sucesso estrondoso de Mad Max acabou abrindo as portas de Hollywood para Gibson e o resto é história pois ele acabou se tornando um dos mais bem sucedidos astros da indústria americana. Hoje em inferno astral, Gibson naquela época era apenas um garoto promissor que daria muito, muito certo na carreira.

Por falar em sucesso, “Mad Max” é até hoje um dos filmes mais lucrativos da história do cinema. Ele custou apenas 800 mil dólares – uma mixaria em se tratando de filmes – e rendeu mais de 100 milhões de dólares quando ganhou o mercado americano e europeu. Os críticos ianques aliás adoraram todo o conceito por trás do filme. Era algo inovador, genial, que chegava até mesmo a lembrar o clima árido e selvagem dos grandes clássicos do western americano. A identificação foi imediata. Anos depois George Miller explicaria que a idéia de filmar em um mundo pós-apocalipse nasceu mesmo por necessidade e conveniência. Ele só conseguiria rodar um filme com orçamento tão barato se não tivesse que pagar pelas locações. Os custos deveriam ser os menores possíveis. Assim a idéia de filmar no deserto australiano veio bem a calhar. Como não havia nada naquela região esquecida por Deus ele teve a genial idéia de inserir no argumento do filme que aquilo seria justamente o mundo após o fim da civilização. Tudo seria subentendido e o roteiro não deveria perder tempo explicando muito o que tinha acontecido. Junte a isso alguns carrões envenenados, perseguições, tiros e pronto! Estava criado um conceito inovador que seria imitado até a exaustão nos anos seguintes (continua sendo imitado até hoje é bom frisar). É certo que existiram vários filmes sobre o mundo após o Apocalipse mas nenhum tinha sido tão original e inovador como “Mad Max” que praticamente criou sozinho o estilo que seria seguido por décadas! O mais importante aqui porém é o fato de termos um filme australiano sendo copiado pela cinema americano, justamente o que o diferencia dos dias atuais onde encontramos o extremo oposto disso. Bons tempos aqueles.

Mad Max (Mad Max, Austrália, 1979) Direção: George Miller / Roteiro: James McCausland, George Miller / Elenco: Mel Gibson, Joanne Samuel, Hugh Keays-Byrne / Sinopse: Policial conhecido como Mad Max vai a desforra contra uma gangue de bandidos no deserto australiano. Armado e furioso ele pretende impor seu conceito de justiça contra os criminosos que caça pelas estradas inóspitas. Espetacular sucesso comercial do cinema Australiano. Deu origem a duas continuações e centenas de filmes que seguiam a mesma linha de mundo pós-apocalíptico.
   
Pablo Aluísio.

Fortaleza Secreta

O cinema australiano é bem conhecido por sua originalidade. Basta lembrar de Mad Max ou até mesmo Razorback, filme que virou cult na década de 80. Assim era de supor que essa ficção com toques de terror fosse mais inovadora, seguindo a tradição do país dos coalas mas não é bem isso que acontece. A estória se passa numa instalação do governo situada bem no meio do deserto Australiano (um dos mais hostis do mundo). O que parece ter sido uma rebelião logo aciona as forças de segurança que são enviadas ao local. Chegando lá os militares começam a sofrer delírios, perdendo completamente a razão. Muitos deles visualizam monstros inexistentes ou então pensam estar em chamas, quando na verdade tudo não passa de alucinações. Em busca de respostas um dos comandantes acaba encontrando um grupo de cientistas entre o caos instalado nas instalações. Logo a situação é explicada. Trata-se de um centro de pesquisas que utiliza cobaias humanas para testes de energia psíquica. Há uma garota que acaba se tornando extremamente poderosa do ponto de vista mental, a ponto inclusive de causar inúmeras alucinações nos militares que estão dentro do centro.

Não há nada de muito original aqui. De certa forma o diretor, um novato, se rendeu aos velhos clichês do cinema americano. Os soldados, por exemplo, parecem ter saídos de Starship Troppers. São violentos, viscerais e explosivos. Para piorar não sabem ou não entendem o que combatem. O filme como é de baixo orçamento não tem como mostrar efeitos digitais de última geração, para compensar isso o roteiro mostra apenas em detalhes analógicos a guerra psicológica travada. Melhor assim já que um dos monstros que surgem em cena nada mais é do que um tipo de gorila espacial nada convincente. A produção também tenta pegar carona com franquias de sucesso da indústria americana sendo a mais óbvia referência a série de filmes Resident Evil - embora aqui não haja zumbis em cena. De maneira em geral o resultado é bem decepcionante mas não é de todo ruim, principalmente na reviravolta das cenas finais quando conseguimos saber mais sobre Eve (Amber Clayton) - a garota com poderes mentais acima da média. Para quem sente saudade de “Scanners – Sua Mente Pode Destruir” há também cenas de cabeças explodindo como no clássico de David Cronenberg. Em conclusão é isso: ficção B do cinema australiano que tenta copiar o estilo americano. Não consegue se sobressair e nem empolgar, se revelando mesmo uma ficção de rotina, rendida aos clichês do gênero.

Fortaleza Secreta (Crawlspace, Austrália, 2012) Direção: Justin Dix / Roteiro: Justin Dix, Eddie Baroo / Elenco: Eddie Baroo, Justin Batchelor, Nicholas Bell, Amber Clayton / Sinopse: Grupo de militares invade centro de pesquisas do governo onde encontram uma garota aparentemente normal mas que na realidade é fruto de uma experiência de engenharia genética que lhe trouxe grande poder de sua mente dos que estão ao seu redor. Não demora muito para que todos os membros da equipe comecem a sofrer alucinações e delírios em série.

Pablo Aluísio.

Todo Poderoso

Jim Carrey é o legítimo herdeiro do humor físico de Jerry Lewis. Cheio de caras e bocas é aquele tipo de comediante que não se preocupa em ser sutil ou contido, pelo contrário, o exagero faz parte essencial de seu trabalho. Hoje em dia é o nome mais popular da comédia americana. Esse “Todo Poderoso” passa longe daquelas produções que ele rodou nos últimos anos tentando provar que era um bom ator. Aqui a tônica é de escracho mesmo. O argumento é feito em cima de uma pergunta que provavelmente você já tenha feito a si mesmo em algum momento de sua vida: E se eu tivesse todos os poderes de Deus? Pois é, embora simplório esse argumento acaba divertindo bastante ainda mais quando esses poderes caem nas mãos de um sujeito completamente sem noção. O roteiro chega a brincar com várias passagens bíblicas mas como em essência é uma grande bobagem não chega ao extremo de ofender qualquer religião que seja.

Então Deus resolve premiar um mortal comum com seus poderes divinos. E é justamente isso o que acontece com Bruce Nolan (Jim Carrey), um jornalista de Nova Iorque que anda completamente descontente com os rumos de sua vida. Apesar de estar em um emprego muito interessante numa emissora de sucesso e namorar uma bela e jovem garota, a simpática Grace (Jennifer Aniston), ele se sendo frustrado, irritado, de mal com a vida. Em um dia particularmente complicado de sua vida ele perde a compostura e começa a dirigir impropérios a ninguém menos do que Deus e o desafia. Então eis que o Próprio surge em cena, interpretado pelo sempre ótimo Morgan Freeman (que parece estar se divertindo como nunca). Desafiado e cansado de sua posição de “Todo Poderoso” ele resolve passar todos os seus poderes supremos ao mortal e esquentado Bruce, que em pouco tempo descobre como é difícil a tarefa de literalmente tomar conta de toda a humanidade. Ele aprende facilmente que ser Deus não é nada fácil.  Bobinho o argumento? Claro que sim, até porque estamos na presença de mais uma comédia maluca de Jim Carrey. Mesmo assim vale a espiada por pelo menos uma vez. Desligue o cérebro e se divirta.

Todo Poderoso (Bruce Almighty,  Estados Unidos, 2003) Direção: Tom Shadyac / Roteiro: Tom Shadyac, Steve Oedekerk, Mark O'Keefe / Elenco: Jim Carrey, Jennifer Aniston, Morgan Freeman, Lisa Ann Walter, Steve Carell. / Sinopse: Deus resolve investir um homem comum, mero mortal, com seus poderes divinos. Não tardará para que comece uma grande confusão pelo mundo.

Pablo Aluísio.

Invasão de Privacidade

Depois do grande sucesso comercial de “Instinto Selvagem” era natural que Sharon Stone, mais cedo ou mais tarde, voltasse a interpretar uma personagem parecida com a loira fatal do filme anterior. Também era mais do que esperado que os estúdios direcionassem seus futuros filmes para a sensualidade à flor da pele, marca registrada de seu maior sucesso nas telas. O fato é que “Instinto Selvagem” mudou o status de Sharon Stone em Hollywood. Ela deixou de ser apenas uma atriz bonita para se tornar uma estrela, com tudo de bom e ruim que isso possa significar. Inteligente e muito extrovertida ela conseguiu se manter na mídia, indo a programas de entrevistas, aparecendo em capas de revistas, alimentando fofocas sobre sua vida pessoal, sempre se promovendo da melhor forma possível. Dentro desse contexto o roteiro sensual e (novamente) pervertido de “Invasão de Privacidade” parecia cair como uma luva em suas pretensões de alcançar mais um grande sucesso de bilheteria em sua carreira. Por um cachê milionário ela finalmente aceitou realizar o filme. Tudo parecia se encaixar bem. O roteirista seria o mesmo Joe Eszterhas  de “Instinto Selvagem” e a trama baseada na novela de Ira Levin parecia ser suficientemente picante para atrair novamente um grande público aos cinemas. O diretor seria o premiado australiano Phillip Noyce que já havia causado bastante polêmica com seu visceral “Terror a Bordo”.

Sharon Stone sabia que para o filme se tornar um sucesso tão grande quanto o anterior ela deveria ir além nas cenas sensuais e de erotismo. De fato o enredo, focado bastante no lado mais voyeur dos homens serviria bem a esse propósito. No filme ela interpreta Carly Norris, uma mulher dona de si e do seu destino. Ela se muda para um novo apartamento em um dos endereços mais exclusivos de Nova Iorque. Na vida emocional acaba se envolvendo com dois homens ao mesmo tempo em um excitante jogo de poder e sedução. Tudo caminha bem até o momento em que começa a desconfiar que de alguma forma alguém anda espionando sua vida, até nos mínimos detalhes. O argumento assim abre um aspecto curioso, levando o espectador a uma posição de pleno voyeurismo, vendo a vida privada da personagem principal, se deliciando com cada momento de sua intimidade. Como se esperava um grande sucesso de bilheteria a Paramount investiu pesado em marketing e promoção. O resultado porém se mostrou muito fraco. A produção que custou 40 milhões de dólares conseguiu apurar apenas pouco mais de 100 milhões. Não foi um fracasso como se chegou a dizer na época mas foi um resultado bem abaixo do esperado. Um alto executivo do estúdio chegou a afirmar que a Paramount esperava por pelo menos uns 300 milhões de caixa. Passou bem longe disso.  Artisticamente falando “Invasão de Privacidade” também deixou a desejar. O filme de um modo geral confunde sensualidade com vulgaridade e termina por não se tornar eroticamente interessante. Além disso a conclusão é sensacionalista e de mal gosto. Assim o chamado filme da consagração de Sharon Stone não passou de uma decepção demonstrando mais uma vez que já não se fazem mais estrelas de cinema como antigamente.

Invasão de Privacidade (Sliver, Estados Unidos, 1993) Direção: Phillip Noyce / Roteiro: Joe Eszterhas baseado na novela de Ira Levin / Elenco: Sharon Stone, Tom Berenger, William Baldwin, Martin Landau, Colleen Camp, Polly Walker, C. C. H. Pounder, Nina Foch. / Sinopse: No filme Sharon Stone interpreta Carly Norris, uma mulher dona de si e seu destino. Ela se muda para um novo apartamento em um dos endereços mais exclusivos de Nova Iorque. Na vida emocional acaba se envolvendo com dois homens ao mesmo tempo em um excitante jogo de poder e sedução. Tudo caminha bem até o momento em que começa a desconfiar que de alguma forma alguém anda espionando sua vida, até nos mínimos detalhes.

Pablo Aluísio.