quinta-feira, 7 de maio de 2015

Warlock - O Demônio

Título no Brasil: Warlock - O Demônio
Título Original: Warlock
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: New World Pictures
Direção: Steve Miner
Roteiro: David Twohy
Elenco: Julian Sands, Lori Singer, Richard E. Grant, Mary Woronov, Kevin O'Brien, Richard Kuss

Sinopse:
Warlock é um demônio que desce até a Terra em busca de um livro misterioso que traria em suas páginas o verdadeiro nome de Deus. Em posse dessa informação esse ser espiritual poderia dominar todo o universo.

Comentários:
Assisti a esse "Warlock - O Demônio" nos tempos do VHS, das locadoras de vídeo. Achei bem mais ou menos para falar a verdade. Por aqui, no Brasil, o filme foi distribuido pelo selo Paris Filmes e até chegou a ser bem famosinho entre os ratos de videolocadoras, mas mesmo assim não há como negar que é um filme de fraco para ruim. Para a época estava até de bom tamanho, mas visto hoje em dia tudo soa datado, desde os efeitos especiais, passando pelos figurinos, chegando até mesmo no Julian Sands, com sua canastrice loira à toda prova. O personagem voltaria ainda em uma continuação que quase ninguém assistiu - nem esse que vos escreve - que definitivamente não iria pagar para ver um Warlock 2. Ver o primeiro já estava de bom tamanho.

Pablo Aluísio.

A Inocência do Primeiro Amor

Título no Brasil: A Inocência do Primeiro Amor
Título Original: Lucas
Ano de Produção: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Twentieth Century Fox
Direção: David Seltzer
Roteiro: David Seltzer
Elenco: Corey Haim, Winona Ryder, Charlie Sheen, Courtney Thorne-Smith, Kerri Green, Tom Hodges

Sinopse:
Um adolescente de quatorze anos socialmente inepto experimenta um coração partido pela primeira vez quando seus dois melhores amigos - Cappie, uma figura de irmão mais velho, e Maggie, a nova garota por quem ele está apaixonado - se apaixonam.

Comentários:
Vamos colocar nos seguintes termos: esse filme romântico, visando atingir mais o público adolescente, foi uma espécie de "clássico" da Sessão da Tarde nas décadas de 1980 e 1990. É um bom filme, bem sentimental, mas numa base de nostalgia. Afinal praticamente todas as pessoas do mundo já tiveram um amor adolescente na vida - e muito provavelmente também quebraram a cara em algum momento. E o primeiro coração partido, meus caros, ninguém esquece! O elenco tem uma boa amostra dos ídolos jovens do cinema nos anos 80, aqui bem jovens. Dos que mais chamam a atenção temos Winona Ryder (muito, muito jovem mesmo!) e Charlie Sheen (prestes a estourar com Platoon). Então é isso, um filme sentimental que vai mexer com suas lembranças do passado.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 6 de maio de 2015

Prêt-à-Porter

Título no Brasil: Prêt-à-Porter
Título Original: Prêt-à-Porter
Ano de Produção: 1994
País: Estados Unidos
Estúdio: Etalon Film, Miramax
Direção: Robert Altman
Roteiro: Robert Altman, Barbara Shulgasser
Elenco: Sophia Loren, Julia Roberts, Marcello Mastroianni, Kim Basinger, Stephen Rea, Forest Whitaker, Tim Robbins, Lauren Bacall, Danny Aiello, Cher, Harry Belafonte

Sinopse:
Uma crônica da vida interconectada de um grupo de pessoas na preparação para a Paris Fashion Week. Filme indicado ao Golden Globes nas categorias de Melhor Filme - Comédia ou Musical e Melhor Atriz Coadjuvante (Sophia Loren).

Comentários:
O cineasta Robert Altman, falecido em 2006, pautou toda a sua carreira na realização de filmes mais independentes, que tivessem como foco principal um tipo de cinema mais cultural e inovador. Na fase final de sua carreira acabou caindo também nas graças dos grandes estúdios e das grandes estrelas que não perdiam a chance de aparecer em um de seus filmes. Assim o que temos nesse último momento de sua carreira são produções com roteiros ao estilo mosaico (vários personagens que vão se encontrando ao longo do enredo) e com elencos imensos. Algumas vezes funcionava, mas sinceramente falando em outras ocasiões a coisa toda ficava dispersa demais, sem foco, geralmente tudo se desenvolvendo ao mero acaso. "Prêt-à-Porter" vai bem por esse caminho. Não há exatamente uma história coesa para contar e nem tampouco algum personagem que possa ser considerado o principal, o eixo da trama. Na verdade a impressão que fica ao espectador é a que ele está vendo um documentário sobre o mundo fashion e não um filme convencional. Para quem gosta de moda há o interesse pelos desfiles e pelas roupas, pelo clima dos bastidores também. Já para quem vai atrás apenas de cinema o gostinho pode ser de decepção. Eu nunca me arrependi de ter visto um filme assinado por Robert Altman, porém devo admitir que em muitas ocasiões cheguei bem perto disso!  

Pablo Aluísio.

Cake: Uma Razão para Viver

Após sofrer um acidente de carro bastante sério, que inclusive vitimou seu próprio filho, um garotinho com apenas cinco anos de idade, Claire Bennett (Jennifer Aniston) precisa reencontrar o caminho de sua vida. Isso não será muito fácil. Ela sofreu vários ferimentos no acidente e por essa razão sua rotina diária é marcada por muitas dores em suas pernas e coluna. Para combater essa situação ela também recorre a um vasto cardápio de drogas. O uso excessivo de remédios acaba lhe causando estranhas alucinações, como a presença constante de uma conhecida de um grupo de apoio que resolveu se suicidar pulando de uma ponte em Los Angeles. Deprimida, sofrendo de intensas dores, alucinando com uma suicida e com a vida pessoal em frangalhos Claire só consegue encontrar algum tipo de apoio com sua empregada, a mexicana Silvana (Adriana Barraza). Para piorar ela começa também a nutrir uma estranha obsessão pela mulher que se matou, resolvendo ir visitar sua família, conhecendo seu marido e seu pequeno filho. Estaria de alguma forma tentando suprir o vazio familiar que sua vida se tornou após o acidente? Pois é, durante muitos anos eu reclamei da atriz Jennifer Aniston. Além de ter se tornado uma celebridade irritante, dessas que vivem em revistas de fofocas, ela ainda parecia presa eternamente na personagem Rachel Green de "Friends". Enfim, era o próprio modelo da superficialidade em Hollywood.

Depois de uma sucessão de comédias bobocas, meros passatempos descartáveis, eis que ela resolveu finalmente abraçar um projeto mais significativo e ousado. Despida de qualquer tipo de vaidade Aniston surge na tela como um bagaço, literalmente falando. Envelhecida, sem maquiagem e com o rosto inchado (que lhe dá uma aparência bem estranha) a atriz finalmente cresceu e saiu daquela fase de Peter Pan em que parecia encarcerada para sempre. Provavelmente seja o grande momento de sua carreira, ao ponto inclusive de ter sido considerada injustiçada pela Academia. Eu devo concordar. Para uma estrela como ela, a atriz finalmente deixou as bobeiras que vinha estrelando de lado para se entregar de corpo e alma a essa personagem. O roteiro não se propõe a explicar o que teria acontecido a Claire desde o começo. Inicialmente o texto apenas acompanha a rotina desgraçada dela e o público vai juntando as pequenas pistas do que teria lhe acontecido. Quando se torna obcecada pela jovem que se matou, ela própria começa a flertar com a ideia de também colocar um fim em seus problemas físicos, psicológicos e emocionais. O suicídio passa a ser visto então como algo válido para colocar um ponto final em seu sofrimento. Nesses momentos a melancolia parece tomar conta de todos os seus pensamentos. Um reflexo disso é que o filme em si acaba se tornando também uma obra muitas vezes pesada e de complicada assimilação. Curiosamente esse aspecto meio sombrio acaba se tornando também o grande mérito do filme em si. "Cake" certamente deixará muitos dos fãs de Jennifer Aniston assustados com sua proposta, mas ao mesmo tempo fará um bem imenso para sua carreira. Espero que ela a partir de agora siga por esse caminho.

Cake: Uma Razão para Viver (Cake, EUA, 2014) Direção: Daniel Barnz / Roteiro: Patrick Tobin / Elenco: Jennifer Aniston, Adriana Barraza, Anna Kendrick / Sinopse: A advogada Claire Bennett (Jennifer Aniston) precisa encontrar um novo sentido para sua vida após a morte do filho em um grave acidente de carro. Com sequelas da batida, que a impede de levar uma vida normal, Claire começa a pensar em fazer o mesmo que uma conhecida do grupo de apoio ao qual frequentava, que resolveu acabar com tudo ao se suicidar. Filme indicado ao Globo de Ouro a ao Screen Actors Guild Awards na categoria de Melhor Atriz (Jennifer Aniston).

Pablo Aluísio.

terça-feira, 5 de maio de 2015

Carta Selvagem

Quando uma garota pede a ajuda de Nick Wild (Jason Statham) para encontrar o homem que a estuprou em um quarto de hotel de Las Vegas, ele imediatamente entra em campo para descobrir a verdadeira identidade do criminoso. Ao que tudo indica se trata de Danny DeMarco (Milo Ventimiglia), filho de um rico industrial, um típico filhinho de papai mal caráter que nas horas vagas gosta de aterrorizar jovens mulheres pela cidade. Inicialmente Nick não pretende se envolver muito no caso. Desde que deixou as forças armadas ele vive no limite do possível em Vegas, realizando "serviços", que vão desde pequenos golpes até trabalhos como segurança para pessoas ricas e visadas pelo crime organizado. Embora ele inicialmente não estivesse a fim de criar um nova rixa em sua vida as coisas logo saem do controle e Nick acaba virando alvo de uma gangue de criminosos comandados por DeMarco. Para piorar tudo, enquanto tenta se manter vivo, ele acaba tendo uma recaída em seu velho vício de jogatinas... Isso mesmo, por baixo do jeito durão de ser, Nick é na realidade um velho jogador inveterado que nunca conseguiu ficar por muito tempo longe de uma mesa de cartas!

Aqui está o novo filme do ator Jason Statham. Quem curte o gênero ação já sabe o que encontrará pela frente. Essa é aquele tipo de produção que é obviamente indicada para o público masculino que gosta do estilo de Jason, um verdadeiro astro da pancadaria. A boa notícia é que o filme é realmente bom, divertido e com ótimas cenas de lutas. Numa delas o ator destrói um bar inteiro localizado em um cassino quando acaba encurralado por bandidos. Essa sequência tem uma ótima coreografia, aliada a um momento bem complicado na vida do personagem quando ele tenta se recuperar do baque de perder numa mesa de Blackjack o equivalente a meio milhão de dólares! Imagine o stress... O mais interessante é que o quebra-pau ocorre ao som de Dean Martin cantando um de seus velhos clássicos! Nem preciso dizer que adorei o resultado dessa estranha mistura, usando o repertório de um dos grandes cantores da história! Outro destaque vem da presença de duas atrizes que estão particularmente bonitas em cena, Anne Heche (está mais bonita do que nunca, pelo visto o tempo e o casamento lhe fizeram bem) e Sofía Vergara (que está sempre disposta a vestir o estereótipo da "latina burra e gostosa" que o americano médio parece adorar). Então é isso, "Carta Selvagem" vale a pena pois é curtinho, eficiente e funciona muito bem como entretenimento de ação.

Carta Selvagem (Wild Card, Estados Unidos, 2015) Direção: Simon West / Roteiro: William Goldman / Elenco: Jason Statham, Milo Ventimiglia, Anne Heche, Sofía Vergara, Stanley Tucci, Jason Alexander, Michael Angarano, Dominik García-Lorido / Sinopse: Nick Wild (Jason Statham) é contratado por uma velha conhecida, Holly (Dominik García-Lorido), para descobrir a identidade de um homem que a teria estuprado em um hotel de Las Vegas. No caminho acaba se envolvendo em muitas confusões e se torna amigo de um jovem milionário, Cyrus Kinnick (Michael Angarano) que deseja aprender as manhas do velho veterano.

Pablo Aluísio.

O Detonador de Alta Voltagem

Título no Brasil: O Detonador de Alta Voltagem
Título Original: Live Wire
Ano de Produção: 1992
País: Estados Unidos
Estúdio: New Line Cinema
Direção: Christian Duguay
Roteiro: Bart Baker
Elenco: Pierce Brosnan, Ron Silver, Ben Crosn, Lisa Eilbacher, Tony Plana, Al Waxman

Sinopse:
Depois que um senador dos Estados Unidos é morto, um especialista em eliminação de bomba é trazido para investigar o explosivo mortal e tentar descobrir o plano dos terroristas.

Comentários:
Na década de 1990 o mundo do cinema recebeu de braços abertos o novo James Bond: Pierce Brosnan. Não tenho receios de dizer que em minha opinião ele foi um dos melhores astros da franquia, sem favor algum. Estrelou bons filmes e conquistou belas bilheterias na pele do agente secreto mais famoso da história do cinema. Foi justamente nessa época de sucesso de público e crítica que pintou no mercado esse péssimo "O Detonador de Alta Voltagem" (mais um nome sem noção para entrar na galeria dos mais obtusos títulos nacionais já criados por nossas distribuidoras). O enredo era banal, feito em uma época em que Brosnan ainda não tinha virado uma estrela e era apenas... bem, ele era apenas um ator desempregado atrás de qualquer coisa para trabalhar. Não adianta perder tempo com os méritos do filme ou a completa falta deles no quadro geral. Tudo gira em torno de terroristas, especialistas em explosão e coisas do gênero. Tudo funcionando como mero pretexto para cenas e mais cenas de ação gratuitas. Dizem que Brosnan chamou a atenção dos produtores de Bond por causa dessa fita B. Se isso é verdade mesmo pelo menos serviu para alguma coisa.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 4 de maio de 2015

De Bico Calado

Começo mais um texto reclamando de novo do péssimo título nacional. É incrível a falta de originalidade e criatividade dos tradutores das distribuidoras em nosso país. Bons filmes ganham nomes ridículos no Brasil. Deixando isso de lado vamos no concentrar na película em si. É uma produção inglesa, que usa do típico humor negro britânico. Muitas pessoas pensarão que se trata de mais uma comédia pastelão, não só pelo seu patético nome nacional mas também pela presença do ator e comediante Rowan Atkinson (o Mr. Bean) no elenco. Bom, esse é um daqueles casos em que realmente as aparências enganam. "Keeping Mum” tem um humor muito mais sofisticado do que se pensa. O enredo é tecido em cima da família do vigário anglicano Walter Goodfellow (Rowan Atkinson). Ele é um bom sujeito, apenas vive com a mente no mundo da lua e não consegue perceber o que está acontecendo com sua vida familiar. A filha é uma garota que troca de namorado (ou “ficante”, como queiram) toda semana. Para piorar sua esposa está apaixonada por um professor de golfe bonitão (interpretado pelo ator Patrick Swayze).

As coisas mudam quando chega a nova governante da casa. Ela é a senhora Grace Hawkins (Maggie Smith). No começo muito simpática, ela logo começa a intervir nos acontecimentos familiares, tentando colocar tudo nos eixos de uma forma nada comum. O que ninguém sabe é que Grace é uma ex-condenada da justiça britânica. Quando era jovem ela havia matado o seu marido infiel e sua amante e os colocado em um baú. Agora, cumprida sua sentença, ela volta para a sociedade, justamente para trabalhar na casa dos Goodfellows. O grande triunfo do filme é, além de seu roteiro bem escrito, a presença de um elenco muito bom com destaque para Rowan Atkinson (em um personagem divertido mas não humorístico) e a grande dama Maggie Smith. Quem acompanha a série “Downton Abbey” sabe sobre seu grande talento. Ela domina todo o filme e seu personagem, mesmo sendo quem é, cativa muito o espectador. Sou fã confesso dessa veterana atriz e por essa razão indico esse filme, mais particularmente para os admiradores de seu trabalho. Enfim, fica a dica dessa boa produção inglesa que mostra muito bem que humor pode muito bem ser feito com classe e inteligência.

De Bico Calado (Keeping Mum, Inglaterra, 2005) Direção: Niall Johnson / Roteiro: Richard Russo, Niall Johnson / Elenco: Rowan Atkinson, Kristin Scott Thomas, Maggie Smith, Patrick Swayze / Sinopse: Vigário anglicano do interior da Inglaterra tenta conciliar sua missão religiosa com sua problemática família. Para ajudar na casa é contratada uma nova governante, a Sra Grace, que mudará a vida de todos.

Pablo Aluísio. 

Miss Simpatia

Eu realmente nunca entendi como a Sandra Bullock virou uma estrela de primeira grandeza, com cachês milionários e destaque no mundo do cinema. Para falar a verdade sempre considerei sua filmografia muito abaixo do razoável. Grande parte de seus filmes são realmente bem bobinhos, alguns até admito que são divertidos, mas nada para se ter o status que ela tem dentro da indústria. Não que eu tenha antipatia por ela, longe disso, mas realmente não há como negar que ela fez sua carreira estrelando uma bobagem atrás da outra. Um exemplo é esse “Miss Simpatia” que fez tanto sucesso que até virou franquia! Mas afinal qual é o segredo dessa moça? Assistindo essa comédia descobrimos algumas pistas. A Bullock nunca fez o gênero das grandes musas do cinema, ela na verdade rema em outra maré. Seu jeito de garota despojada, quase moleca, sem nenhuma sofisticação é o seu grande charme em relação ao público. Muitas mulheres se identificam com ela por essa razão.
   
“Miss Simpatia” aliás investe justamente nisso, no choque que surge entre uma garota durona e o mundo fútil e artificial dos concursos de misses! É a tal coisa, choques de realidades geralmente são divertidos e engraçados e o roteiro do filme foi todo escrito aproveitando essa premissa. Sandra Bullock aqui interpreta uma policial rude e machona que acaba tendo que se disfarçar de miss para desvendar um crime ocorrido em um dos principais concursos de beleza dos EUA. O jeito sulista de Bullock então cai como uma luva para o enredo que explora exatamente a diferença existente entre o seu jeito de ser e as regras que norteiam a vida dessas dondocas e beldades. Não posso dizer que o filme é todo ruim porque há sim seqüências divertidas e engraçadas mas nada que justifique a grande bilheteria que essa comédia teve em seu lançamento. O público simplesmente adorou o jeito cafona e mal educada, além da risada de “porquinha” da personagem de Bullock! Agora uma coisa deve-se reconhecer: nada é mais engraçado no filme inteiro do que ver o eterno Capitão Kirk, o ator William Shatner, pagando mico como apresentador de concurso de misses! É realmente de rolar de rir... Por essa nem o Dr. Spock esperava...

Miss Simpatia (Miss Congeniality, Estados Unidos, 2000) Direção: Donald Petrie / Roteiro: Marc Lawrence, Katie Ford / Elenco: Sandra Bullock, Michael Caine, Benjamin Bratt, William Shatner / Sinopse: Gracie Hart (Sandra Bullock) é uma policial que precisa se infiltrar em um fútil e frívolo concurso de miss para solucionar um caso dos mais complicados.

Pablo Aluísio.

domingo, 3 de maio de 2015

Não Me Mande Flores

George (Rock Hudson) é um sujeito completamente hipocondríaco. Casado com a simpática Judy (Doris Day) ele vive criando doenças novas que só existem em sua cabeça. As coisas pioram quando visita seu médico particular e acaba se confundindo com um exame de outro paciente. Convencido que está com os dias contados e que tem poucas semanas de vida, George ao lado de seu vizinho e amigo Arnold (Tony Randall) decidem arranjar um novo marido para a esposa para que ela não passe pelo trauma de sua morte sozinha. “Não me Manda Flores” foi o terceiro e último filme da dupla Rock Hudson / Doris Day. Eles emplacaram grandes sucessos nos anteriores “Confidências à Meia Noite” e “Volta Meu Amor” e assim era natural que voltassem a atuar juntos. O filme é baseado numa peça de teatro escrita por Norman Barasch e Carroll Moore. O ritmo é ágil, hilariante e o roteiro muito bem escrito. Obviamente como a estória foi criada para ser encenado no teatro o filme se concentra bastante dentro da própria residência do casal, em três atos bem delimitados, com poucos cenários.

Rock e Doris tinham uma química perfeita, eram grandes amigos. Esse tipo especial de entrosamento emtre eles acabou passando para a tela. Curiosamente aqui Doris e Rock, pela primeira e única vez, contracenam como marido e mulher. Doris é a esposa perfeita da década de 60. Agüenta as esquisitices do marido e é em essência uma dona de casa que chega ao ponto de se espantar quando o marido lhe sugere que termine seus estudos para arranjar um emprego! Já o personagem de Rock é também um maridão típico daqueles anos, que vai todos os dias ao trabalho com o jornal da manhã debaixo do braço. O único diferencial é seu hipocondrismo sem limites. Tony Randall, interpretando o vizinho e amigo de George, passa o tempo todo embriagado, lamentando a morte precoce do colega, o que rende ótimas cenas de humor. “Não me Mande Flores” foi dirigido por Norman Jewison em começo de carreira. É curioso ver seu nome nos créditos pois Jewison criaria toda uma filmografia de filmes fortes nos anos seguintes, com temáticas instigantes e polêmicas, algo que destoa completamente dessa comédia romântica divertida e amena. De qualquer modo não há como negar que seu trabalho é muito bom, com ótimo timing entre as cenas, nunca deixando desandar para o chato ou tedioso. Só a lamentar o fato de que nunca mais Doris e Rock contracenariam juntos no cinema. De fato essa foi a despedida deles das telas. Melhor assim, se despediram com um bom filme que fechou com chave de ouro a trilogia que o casal rodou junto. “Não Me Mande Flores” foi um excelente final para essa carismática dupla que marcou época.

Não me Mande Flores (Send Me No Flowers, Estados Unidos, 1964) Direção: Norman Jewison / Roteiro: Julius J. Epstein, baseado na peça teatral "Send Me No Flowers: A Comedy in Three Acts" de autoria de Norman Barasch e Carroll Moore / Elenco: Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall / Sinopse: George (Rock Hudson) é um hipocondríaco incurável que se convence que tem poucos dias de vida. Pensando no melhor para sua esposa que ficará viúva ele resolve procurar um futuro marido ideal para ela!

Pablo Aluísio.

Os Primeiros Homens na Lua

A recente morte do mestre em efeitos especiais Ray Harryhausen, me fez recordar desse filme muito charmoso e nostálgico que foi um campeão de reprises na Sessão da Tarde das décadas de 70 e 80. O enredo era baseado nas estórias de outro ícone da fantasia e ficção, o mitológico H.G. Wells, que em 1901 imaginou em seu livro “The First Men in the Moon” a chegada do homem na Lua. Wells é considerado um dos pais do gênero science fiction. Nesse e em outros livros o autor demonstrou ter uma imaginação sem limites aliada a uma inventividade fora do comum. Claro que do ponto de vista atual muitos de seus textos soam ingênuos mas basta parar para entender o contexto histórico em que foram escritos para entender sua importância. Outro dado relevante: esse filme foi realizado apenas cinco anos antes do homem finalmente pisar na lua (algo que era considerado impossível na época). A produção foi assinada pelo próprio Ray Harryhausen que caprichou nos cenários e nos efeitos, usando inclusive sua marca registrada, a técnica de slow motion, com captura de movimentos quadro a quadro. Essa técnica traz nos dias atuais um sabor nostálgico simplesmente irresistível. O elenco era praticamente desconhecido do grande público o que não é de se admirar já que o foco do filme era realmente o universo fantástico de H.G. Wells.

Na estória acompanhamos a chegada da primeira expedição de astronautas terrenos na Lua. Uma equipe formada por diversas nacionalidades chega no solo lunar e lá encontra, para surpresa de todos, uma bandeira da Inglaterra e uma carta de posse em nome da Rainha Vitória datada de 1899. Claro que a descoberta deixa todos boquiabertos. Assim que a notícia se espalha o governo britânico sai em busca de respostas e acaba as encontrando em um idoso que se encontra há muitos anos morando em um asilo de Londres. Ele afirma ter ido à lua com a ajuda de um cientista maluco que morava perto de sua casa numa bucólica e bonita região do norte de Londres. O Dr. Joseph Cavor (Lionel Jeffries) havia criado uma substância que anulava a gravidade na terra. Com algo assim em mãos eles poderiam ir para qualquer lugar, inclusive na Lua, onde supostamente haveria uma riqueza mineral sem limites esperando por eles. Só que uma vez chegando lá eles encontram algo completamente diferente, uma civilização de seres parecidos com insetos. Revelar mais seria desnecessário. Lida assim a sinopse pode soar absolutamente ridícula nos dias de hoje mas o espectador tem que ver tudo com os olhos voltados para a história, no momento em que o livro original foi escrito. Fazendo isso não há como não se encantar com tanta imaginação e fantasia. Um realismo fantástico simplesmente adorável. Se você gosta do mundo sci-fi não deixa de ver esse que certamente foi um das produções mais influentes da história do cinema e da literatura.

Os Primeiros Homens na Lua (First Men in the Moon, Inglaterra, 1964) Direção: Nathan Juran / Roteiro: Nigel Kneale, Jan Read / Elenco: Edward Judd, Martha Hyer, Lionel Jeffries / Sinopse: Cientista consegue inventar uma substância que anula os efeitos da gravidade, tornando possível a viagem pelo universo. Sua primeira parada é a Lua onde encontra uma civilização de seres parecidos com os insetos da Terra.

Pablo Aluísio.

sábado, 2 de maio de 2015

Assim Caminha a Humanidade

"Giant" entrou para a história do cinema por vários motivos. O mais lembrado deles é o fato de ter sido o último filme de James Dean. Poucos dias após o fim das filmagens o ator resolveu participar de uma corrida e na viagem até lá morreu em um trágico acidente com apenas 24 anos. Outro ponto a se destacar é que esse é considerado até hoje o melhor filme de George Stevens. Diretor habilidoso, conseguia ótimos resultados por causa de um método inovador de trabalho. Ele utilizava várias câmeras, todas em ângulos diferentes e depois passava meses trancado no estúdio assistindo a cada registro, a cada tomada de cena. Só depois de montar o filme em sua própria mente é que ele finalmente dava o corte final em suas obras. Por essa razão "Assim Caminha a Humanidade" é uma verdadeira obra prima, uma ode ao Texas que até hoje impressiona por sua força e atemporalidade. Por fim, e não menos relevante, "Giant" é sempre lembrado pelas ótimas atuações do casal Rock Hudson e Elizabeth Taylor. Rock aliás considerado até aquele momento um mero galã de Hollywood conseguiu sua primeira e única indicação ao Oscar. O reconhecimento da Academia foi mais do que merecido pois o trabalho de Rock é realmente primoroso, onde ele interpreta um personagem em vários momentos de sua vida, desde a juventude até sua velhice. Permeando tudo temos os vastos campos do Texas. A própria imagem da casa de fazenda ao longe, sem nada por perto reflete bem a grandeza daquela região, onde grandes fortunas foram feitas praticamente da noite para o dia. O Ouro negro, como era chamado o Petróleo, fez a riqueza de muitas famílias texanas. E é justamente sobre isso que seu enredo enfoca.

Em sua autobiografia Rock Hudson relembra como foi tratado por George Stevens. O diretor lhe colocou a par de todos os aspectos da produção e chegou a dizer a ele que escolhesse a cor da casa de seu personagem no filme. Nunca um diretor havia feito algo assim com ele. Isso demonstrava o modo de trabalhar de Stevens, ele queria que todos se sentissem parte do processo de realização do filme. Hudson afirmou em seu livro que nunca vira nada igual antes. Se o diretor queria aproximação completa entre ele e o elenco o mesmo não se podia dizer dos dois atores principais. Desde o começo Rock Hudson e James Dean não se deram bem. Dean vinha de Nova Iorque e procurava ir fundo em suas interpretações. Hudson foi formado na Universal, dentro do Star System, e estava pouco preocupado com maneirismos do Actors Studio. Assim travou-se uma verdadeira batalha nas cenas, dois atores com formação completamente diferente que não se gostavam muito pessoalmente. Dean achava Rock um mero galã e um "poste" - apelido que usou por causa da grande altura do ator. Como ele era baixinho, Dean acabou sentindo-se intimidado por Rock. Já Hudson achava Dean esquisito, complicado de se lidar. Curiosamente apesar de ambos não se darem bem, os dois se tornaram grandes amigos da estrela Elizabeth Taylor. Para Dean, Liz era como uma irmã que nunca teve. Amorosa e simpática procurava entender o rebelde ator mesmo quando ele nitidamente se comportava mal com os outros. Já em relação a Rock ela se comportava como uma amiga de farras. Ambos tomaram grandes porres juntos e inventaram o Martini de chocolate, uma combinação explosiva que exigia um intestino de aço de quem ousasse beber aquela mistureba toda. Elizabeth Taylor virou amiga até os últimos dias de vida de Rock Hudson e quando esse morreu de AIDS em 1985 ela fundou uma instituição de apoio a pesquisas para combater a doença.

A edição do filme foi complicada e demorada. Havia muito material gravado, por diversas câmeras e assim George Stevens passou longos meses montando tudo aquilo. Quando o filme finalmente ficou pronto e foi lançado James Dean já havia morrido há mais de um ano. Como tinha se tornado um mito eterno da sétima arte com sua morte suas jovens fãs correram para os cinemas para conferir o último trabalho do encucado ator. O que viram foi uma produção completamente diferente de "Juventude Transviada". Enquanto aquele era uma crônica sobre a juventude e seus problemas, "Giant" era monumental, de enorme duração e com ares de cinema épico. A crítica se dividiu mas de forma em geral todos concordaram que estavam na presença de um dos maiores filmes já feitos por Hollywood. Um dos pontos mais criticados foi justamente a maquiagem realizada nos atores nas cenas em que eles surgem envelhecidos. Para Rock Hudson e Elizabeth Taylor as perucas grisalhas realmente não caíram bem. De fato apenas James Dean surge bem nessas cenas, o que não deixa de ser uma grande ironia pois ele nunca teria a chance de envelhecer como seu personagem, que aparece bêbado e caindo em um vexame público. Aliás muitas das falas de Dean ficaram ruins nesse momento final e o diretor George Stevens, sem opção, teve que contratar o ator Nick Adams para dublar certas partes do texto do ator falecido. Assim em conclusão podemos dizer que "Assim Caminha a Humanidade" não é apenas uma obra de cinema fenomenal mas também um marco histórico do cinema americano. Um filme tão grande quanto o Texas. Um momento maravilhoso do cinema americano que todos os cinéfilos devem assistir. 

Assim Caminha a Humanidade (Giant, Estados Unidos, 1956) Direção: George Stevens / Roteiro: Fred Guiol, Ivan Moffat baseados na obra de Edna Ferber / Elenco: Elizabeth Taylor, Rock Hudson, James Dean, Carroll Baker, Mercedes McCambridge, Jane Withers, Chill Wills, Sal Mineo, Dennis Hopper / Sinopse: "Assim Caminha a Humanidade" conta a estória do rico fazendeiro Bick Benedict (Rock Hudson) . Após cortejar e se casar com a mimada Leslie (Elizabeth Taylor) ele retorna para sua imensa casa de fazenda bem no meio do grandioso estado americano do Texas. Lá tem que lidar com todos os problemas de sua propriedade, inclusive seus empregados. Entre eles se destaca o estranho e taciturno Jett Rink (James Dean) que parece nutrir uma indisfarçável paixão pela esposa de seu patrão.

Pablo Aluísio.

O Homem de Alcatraz

Robert Stroud (Burt Lancaster) é um prisioneiro condenado à morte pelo assassinato de um barman numa briga de bar no Alaska. Tentando livrar seu filho da morte por enforcamento sua mãe resolve apelar para a esposa do presidente americano Woodron Wilson que, comovida pela luta da pobre senhora por seu filho, resolve permutar a pena de morte de Stroud para prisão perpétua em segregação (ou seja ele não poderia interagir com outros presos, ficando a maior parte do tempo solitário e isolado). Livre da morte ele então parte para cumprir sua pena de prisão em uma penitenciária federal. Certa tarde no pátio prisional ele acaba resgatando um pequeno pardal machucado e o leva para sua cela. Lá tenta ajudar o pequeno animal. O que começa com um simples ato de solidariedade acaba virando um assunto de enorme interesse para Stroud que a partir daí começa a estudar e ler livros sobre o tema, se tornando, mesmo dentro da prisão, uma das maiores autoridades científicas sobre patologias de aves. Dez anos depois é finalmente transferido para a terrível prisão de Alcatraz onde acaba se tornando um de seus prisioneiros mais famosos. A história de Stroud parece ficção mas não é, foi inspirada na vida do chamado “Birdman of Alcatraz”, um prisioneiro que sozinho aprendeu sobre ciências dentro de sua cela, lendo livros, artigos e tratados sobre diversos assuntos, entre eles veterinária, química, anatomia, fisiologia, histologia e até mesmo medicina! De fato ainda em vida Stroud foi analisado por especialistas e se constatou que ele tinha um QI de gênio, algo absolutamente fora do normal.

O filme “O Homem de Alcatraz” foi realizado um ano antes de sua morte em 1963 (infelizmente ele nunca chegou a assistir sua própria história no cinema) Apesar de todo o reconhecimento que teve por seus livros, ensaios e artigos publicados, Stroud jamais conseguiu aquilo que mais desejava na vida: recuperar sua liberdade. Morreu doente e abandonado, na prisão, após escrever um livro sobre o sistema penitenciário americano. Esse livro causou sensação em seu lançamento pois Stroud na época chamou atenção da administração Kennedy para o problema nas prisões do país. O próprio presidente Kennedy via nele um exemplo claro de que o sistema penal em vigor era falho e não propenso a dar uma segunda chance a ninguém, nem mesmo a um gênio como Stroud. Após o filme ter sido lançado vários livros sobre o prisioneiro foram lançados trazendo mais luz sobre sua vida pessoal. Algumas dessas biografias mostraram que há uma certa distância entre o que vemos no filme e o que aconteceu realmente. Por exemplo, não restam dúvidas que Stroud tinha um QI de gênio mas no mesmo exame em Alcatraz se constatou também que ele tinha uma personalidade psicopata (algo omitido no roteiro). Era violento e perigoso e muitos que o conheceram pessoalmente e assistiram ao filme depois não concordaram com a caracterização de Burt Lancaster, mostrando um sujeito doce e suave. De qualquer forma, mesmo com essas diferenças, não há como negar que “O Homem de Alcatraz” é uma excelente obra, digna de todo o status que tem (considerado um dos cem melhores filmes da história do cinema americano pelo American Film Institute). Historicamente ele pode até não ser muito fiel aos fatos reais mas não há como negar que do ponto de vista meramente artístico é uma obra prima digna de aplausos. Além disso levanta muitos temas pertinentes para discussão, colocando em debate o real propósito das prisões. Será que o sistema prisional realmente reabilita algum criminoso? Ou tudo não passa de meras teorias acadêmicas vazias? Assista ao filme e tire suas próprias conclusões.

O Homem de Alcatraz (Birdman of Alcatraz, Estados Unidos, 1962) Direção: John Frankenheimer / Roteiro: Guy Trosper baseado no livro de Thomas E. Gaddis / Elenco: Burt Lancaster, Karl Malden, Thelma Ritter / Sinopse: O filme conta a história de Robert Stroud (Burt Lancaster), um prisioneiro federal americano que se ficou famoso ao se tornar de forma autodidata dentro da prisão uma autoridade sobre assuntos científicos.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 1 de maio de 2015

De Volta Para o Futuro 2

Depois do enorme sucesso de bilheteria do primeiro filme Spielberg resolveu que o filme deveria ter não uma continuação, mas duas, que foram rodadas simultaneamente. Robert Zemeckis se empenhou em não decepcionar os fãs. O problema é que o filme original parecia fechar em si muito bem. O roteiro era redondinho, muito criativo e bem bolado. Mexer em algo assim seria no mínimo imprudente. A verdade é que mesmo com toda a dedicação de Zemeckis e sua trupe de roteiristas o roteiro final desse filme saiu realmente truncado. Marty McFly (Michael J. Fox) voltava novamente ao passado, encontrava seu outro “eu” (que surgia aparecendo em cenas do primeiro filme) e tentava mudar o rumo de seus filhos – no futuro! Bem confuso pra falar a verdade. Segundo Zemeckis eles próprios, os que estavam escrevendo o enredo do filme, se enrolaram e tiveram que se guiar através de uma série de storyboards. Se foi confuso assim para eles, imagine para o público!
   
Mesmo assim o filme fez outro grande sucesso. A crítica de um modo em geral elogiou, embora com certas reservas. Michael J. Fox já não era o ator com cara de jovem adolescente como antes – mas isso foi consertado com um pouco de maquiagem, luzes, ângulos mais adequados. Na época ele era um ídolo juvenil dos mais requisitados. Aparecia em revistas de adolescentes e causava um tumulto por onde passava, tamanha a sua popularidade. Não era para menos. Além de estrelar essa franquia milionária e de sucesso ainda se destacava na TV na boa sitcom “Caras e Caretas” (que chegou a ser exibida na Rede Globo nas tardes, durante a chamada “Sessão Comédia”). “De Volta Para o Futuro 2” é isso, uma produção que apesar dos pesares consegue manter o bom nível do filme original. Tudo muito criativo, bem realizado (os efeitos especiais não envelheceram) e claro muita pipoca. Provavelmente a franquia seja a mais perfeita já realizado pelo produtor Steven Spielberg. Uma delícia pop.

De Volta Para o Futuro 2 (Back to the Future Part II, Estados Unidos, 1989) Direção: Robert Zemeckis / Roteiro: Robert Zemeckis, Bob Gale / Elenco: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson / Sinopse: Marty McFly (Michael J. Fox) vai até o futuro quando encontra diversos problemas com sua família (e com ele próprio). Para consertar isso ele tem que novamente voltar ao passado, em 1955, para dar alguns ajustes no destino.

Pablo Aluísio.

De Volta Para o Futuro 3

Robert Zemeckis sempre foi um grande fã de westerns. Assim que apareceu a oportunidade o diretor resolveu que queria radicalizar ainda mais a franquia de sucesso que dirigia. E foi assim que decidiu levar a trama de “De Volta Para o Futuro” para o velho oeste. Essa foi a terceira e última aventura de Marty McFly (Michael J. Fox) e o Doutor Brown (Christopher Lloyd). Ao contrário do segundo filme da série esse aqui tinha um roteiro bem mais centrado, menos complicado, com a estória praticamente toda passada numa cidadezinha do velho oeste, sem tantas idas e vindas entre presente, passado e futuro, como acontecia no filme anterior. De certa forma “De Volta Para o Futuro 3” é uma mera desculpa para Zemeckis brincar com o velho e bom faroeste, suas mitologias clássicas e seus personagens marcantes. As referencias ao gênero pulam o tempo todo na frente do espectador. Numa das mais divertidas o personagem de Michael J. Fox ao ser perguntado sobre qual seria o seu nome responde... Clint Eastwood! Muito divertido realmente.

No final do segundo filme já tínhamos o gancho para essa aventura. Marty recebia bem no meio de um temporal uma carta misteriosa, escrita no século XIX, por Doc Brown. Nela ele explicava que estava vivendo feliz no velho oeste pois havia se apaixonado por uma mulher daquela época. O problema é McFly descobre um terrível acontecimento no passado na vida do Dr Brown e decide ir até lá para evitar o trágico fato! Ao voltar ao passado ele encontra seus antepassados (Seamus McFly), índios, cowboys, pistoleiros e tudo o mais que se tem direito em se tratando de filmes de faroeste. A seqüência final com a locomotiva no despenhadeiro é excelente, tudo combinando com o clima de leve diversão pop que marcou toda a franquia. O filme foi rodado junto com “De Volta Para o Futuro 2” mas só chegou nas telas um ano depois, em 1990. Seu sucesso foi bem mais modesto do que dos filmes anteriores, mas mesmo assim fechou com chave de ouro essa série de filmes tão simpáticos, que realmente marcaram época. Mais um triunfo na carreira de Steven Spielberg, que produziu os filmes, tendo na direção seu amigo Robert Zemeckis.

De Volta Para o Futuro 3 (Back to the Future Part III, Estados Unidos, 1990) Direção: Robert Zemeckis / Roteiro: Robert Zemeckis, Bob Gale / Elenco: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Mary Steenburgen / Sinopse: Para evitar um terrível acontecimento Marty McFly (Michael J. Fox) decide voltar ao passado, no velho oeste americano, onde se encontra seu amigo, o Dr. Brown (Christopher Lloyd).

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 30 de abril de 2015

Livre

Lindo filme! Pelo que já havia lido antes sabia que iria ser uma produção interessante, mas acabou me surpreendendo mais do que o esperado. A história começa sem muitas explicações para o espectador. A personagem Cheryl, interpretada pela atriz Reese Witherspoon, está em um penhasco. Após uma longa e penosa subida até lá, seus pés estão praticamente destruídos pelo esforço. O sangue jorra por suas meias. Em um lance de azar uma de suas botas acaba caindo penhasco abaixo. Ela obviamente perde a pouca paciência que lhe sobrara, tendo um ataque de raiva! Depois dessa cena inicial vamos finalmente entendendo o que ela está fazendo lá e quais são suas reais motivações. Nada é jogado inteiramente ao público, tudo vai surgindo paulatinamente, sem pressa, como se estivéssemos dentro de sua mente, compartilhando seus pensamentos. Através de suas lembranças vamos então conhecendo parte de sua história, suas perdas, suas dores emocionais, seus problemas pessoais. Por ser tão refinada a maneira como esse enredo é contado posso dizer que esse foi até agora o melhor roteiro que me deparei nesse ano. Muito bem escrito, apelando muito mais para o sentimento, para as sensações, do que para aquela velha fórmula convencional de se contar uma história no cinema. A vida definitivamente é dura e para sobrevivermos temos também que sermos durões, como bem observa um dos personagens em determinado momento do filme. Cheryl aliás vai encontrando diversos tipos ao longo de sua caminhada. Algumas boas pessoas, outras perigosas, mas sempre com uma surpresa em cada local em que se encontra. Ela quer chegar ao destino inteira, satisfeita consigo mesmo e o mais importante de tudo: superando seus diversos traumas.

A jornada assim não se resume a uma garota tentando vencer os desafios de atravessar a pé o deserto de Mojave - uma das regiões mais secas e hostis dos Estados Unidos - mas principalmente encontrar-se, conhecer a si mesmo em um nível mais profundo. Diante dessa proposta o resultado final se mostra muito marcante, muito sensível e também bastante inspirador. Reese Witherspoon recebeu diversas indicações por sua atuação em vários festivais de cinema mundo afora. Todas merecidas. A atriz supera finalmente comédias do tipo "Legalmente Loira" e derivados, para finalmente adentrar em um tipo de cinema com mais conteúdo, que tenha algo realmente importante a dizer. Por falar nisso Witherspoon merece não apenas os elogios por sua atuação, mas também pela coragem, pois ela própria se empenhou bastante na realização do filme, inclusive exercendo a função de produtora. Na verdade foi Reese quem comprou os direitos autorais do livro escrito por Cheryl Strayed chamado "Wild: From Lost to Found on the Pacific Crest Trail". Sim, tudo o que você verá no filme foi baseado em uma história real e isso adiciona ainda mais méritos para a produção como um todo. Uma jornada de superação, cuja maior lição é aquela que nos ensina que devemos seguir sempre em frente, não importando os desafios, não procurando apagar completamente o passado de nossas vidas, pois ele também faz parte do que somos, mas sim entendendo e procurando aprender com ele. Afinal de contas a vida é justamente isso, uma longa caminhada rumo ao desconhecido. A forma como você chegará lá é que irá definir se você foi ou não uma pessoa realmente feliz.

Livre (Wild, Estados Unidos, 2014) Direção: Jean-Marc Vallée / Roteiro: Nick Hornby, baseado no livro escrito por Cheryl Strayed / Elenco: Reese Witherspoon, Laura Dern, Gaby Hoffmann / Sinopse: Após a morte de sua mãe e do fim de seu casamento de sete anos, Cheryl Strayed (Reese Witherspoon) resolve fazer a trilha de Pacific Crest, onde pretende avaliar os rumos de sua vida, seus problemas sentimentais e partir em direção a sua paz interior. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Reese Witherspoon) e Melhor Atriz Coadjuvante (Laura Dern). Indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz - Drama (Reese Witherspoon). Também indicado ao BAFTA Awards e ao Screen Actors Guild Awards na mesma categoria. 

Pablo Aluísio.

terça-feira, 28 de abril de 2015

Força Sinistra

Uma raça de vampiros do espaço chega a Londres e infecta a população, iniciando uma descida apocalíptica ao caos. Roteiro baseado no romance de ficção e terror chamada "Space Vampires". Eis a sinopse, típica de filmes mais antigos, dos anos 50, por exemplo, mas que é justamente a trama desse filme dos anos 80, para surpresa de muitos.Eu era um jovem adolescente quando esse filme chegou nas telas de cinema na cidade onde vivia. É uma mistura de ficção e terror em uma produção inglesa (em sua maioria) que chamou a atenção da crítica. ]

Em termos de público o filme não fez muito sucesso, mas acabou ficando bem conhecido. O elenco, além dos efeitos especiais, formava o ponto de atração. Patrick Stewart, que depois iria virar o Capitão Picard na nova série de "Star Trek" trabalhou no filme. E nunca é demais citar também a presença da bela Mathilda May que passa o filme inteiro praticamente nua, interpretando uma das vampiras do espaço. A galera da época, claro, não reclamou daquela linda mulher nua desfilando pela tela!

Força Sinistra (Lifeforce, Estados Unidos, 1985) Estúdio: Cannon Films / Direção: Tobe Hooper / Roteiro: Colin Wilson / Elenco: Steve Railsback, Mathilda May, Peter Firth, Patrick Stewart, Michael Gothard, Nicholas Ball / Sinopse: Estranhos seres, vindos do espaço sideral, vampirizam suas vítimas, sucando suas energias vitais.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 27 de abril de 2015

Leviathan

Esse filme foi criticado na época de seu lançamento original porque os críticos de cinema acharam que ele era parecido demais com "Alien, o Oitavo Passageiro". Dirigido pelo George P. Cosmatos, que vinha de um filme da franquia "Rambo", esse filme realmente não conseguia esconder suas semelhanças com o filme de Ridley Scott, até porque depois de Aliens tudo parecia mesmo derivado dele. Bastava ter uma criatura vinda do espaço ou de natureza desconhecida, para gerar essa comparação. Lembrando que Leviatã é o nome de um dos sete monarcas do inferno, um nome que também foi utilizado na antiguidade para um conhecido monstro do mar da mitologia grega. Os marinheiros morriam de medo de morrer em seus ataques quando os navios partiam dos portos.

E olha que "Leviathan" até que não era tão ruim. Havia bons efeittos especiais (para a época, claro) e um roteiro que até tinha boas ideias, boas sacadas. O elenco também era bom. Tinha Peter Weller que havia interpretado "Robocop" no filme de sucesso e o falecido Richard Crenna, que todo cinéfilo conhecia de "Rambo" e outros filmes menores. Enfim, um bom filme Sci-fi dos anos 80, apesar de ter sido massacrado pela crítica da época. Não precisava tanto, vamos convir.

Leviathan (Leviathan, Estados Unidos, 1989) Direção: George P. Cosmatos / Roteiro: David Webb Peoples, Jeb Stuart / Elenco: Peter Weller, Richard Crenna, Amanda Pays / Sinopse: Explorando o casco de um cargueiro soviético naufragado, uma equipe de mineiradores de alto mar liderada pelo oceanógrafo Steven Beck fica cara a cara com uma criatura mutante e desconhecida até então.

Pablo Aluísio.

domingo, 26 de abril de 2015

Sexta-Feira 13

Ontem foi Sexta-Feira 13, então me lembrei desse primeiro filme de terror de uma longa franquia, com filmes que iam do interessante ao ruim, das boas ideias ao patético. Esse primeiro filme faz parte de uma onda que varreu o cinema americano a partir dos anos 70. Antes disso os filmes no máximo investiam em cenas com mais suspense, onde a violência nunca era explícita, mas apenas sugerida. Depois os filmes de terror foram ficando mais ousados, mostrando cenas de sangue e tripas, como foi dito na época. E segundo essa tendência de violência mais explícita surgiram filmes como esse "Sexta-Feira 13".

O curioso é que nesse primeiro filme o personagem do Jason iria ser bem coadjuvante na história. Ele, no máximo, surgia como uma sombra, uma lenda que aterrorizava jovens ao lado do fogueiras no meio da noite. Estava longe de aparecer como o assassino de facão na mão e máscara de hockey na cabeça. É um filme bem mais soft do que os que viriam depois. É um bom filme? Diria que para a época estava muito bem localizado. Hoje em dia provavelmente os fãs de terror vão achar tudo um tanto datado. Afinal de contas o tempo não perdoa, nem a saga do Jason sobrevive ao passar dos anos. 

Sexta-Feira 13 (Friday the 13th, Estados Unidos, 1980) Direção: Sean S. Cunningham / Roteiro: Victor Miller, Ron Kurz / Elenco: Betsy Palmer, Adrienne King, Kevin Bacon, Jeannine Taylor / Sinopse: Um campo de verão vira palco de mortes e desespero anos depois que havia sido fechado justamente por causa de uma tragédia ocorrida em seu interior.

Pablo Aluísio.

sábado, 25 de abril de 2015

Cherry 2000

Esse filme é claramente uma imitação mais pobre e sem orçamento de "Blade Runner". Em um futuro próximo (no caso do roteiro, o ano de 2017), os solitários terão a oportunidade de comprar companheiras, robôs na verdade, para se relacionarem. O modelo mais cobiçado é justamente o de Cherry 2000. Só que algo sai errado e essas bonecas robóticas se vingam dos seres humanos, causando caos e destruição. Deu para perceber bem o tamanho da bomba? Pois é, ainda assim o filme conseguiu ser lançado nos cinemas brasileiros na época! E olha que a crítica obviamente caiu matando em cima dos absurdos do roteiro e da precária produção.

Claro que a questão das replicantes é imitado de Blade Runner. Só que o que era sofisticado e noir no filme de Ridley Scott, aqui vira puro kitsch. Há uma tentativa também de usurpar cenas de Rambo. Como se vê é uma geléia geral de falta de ideias próprias e originalidade. A única coisa que se salva no final é a presença da própria Melanie Griffith. Jovem e bonita, nem a peruca laranja conseguiu destruir seu apelo sexual na tela. Nos anos 80 ela era uma beldade e tanto!

Cherry 2000 (Estados Unidos, 1987) Direção: Steve De Jarnatt / Roteiro: Lloyd Fonvielle, Michael Almereyda / Elenco: Melanie Griffith, David Andrews, Pamela Gidley / Sinopse: Em 2017, um empresário de sucesso viaja aos confins da terra para descobrir que a mulher perfeita está sempre debaixo de seu nariz. Ele contrata um rastreador renegado para encontrar uma duplicata exata de sua esposa andróide.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 24 de abril de 2015

RoboCop: O Policial do Futuro

Esse filme tive oportunidade de assistir no cinema. Ainda adolescente acabei assistindo a um dos maiores clássicos dos filmes de ação dos anos 80. O interessante é que jamais ouvira falar nesse personagem. Porém as críticas que vinham lá de fora eram as melhores possíveis. Não era apenas um filme de um policial construído com restos de um tira baleado e máquina de última geração. Havia muito mais, inclusive um fundo emocional muito bem escrito no roteiro. O lado humano do Robocop começava a lembrar de sua vida passada, quando era apenas o policial Murphy. E nem toda a tecnologia do mundo podia superar as emoções humanas.

Outro aspecto digno de nota é que o filme também foi considerado bem violento para a época. Realmente havia cenas fortes, como aquela do criminoso literalmente derretendo após cair um produto químico em seu corpo. Porém é bom frisar que tudo estava encaixado em um contexto muito bem construído, em um mundo onde as grandes corporações começavam a tomar conta, inclusive das forças policiais. Enfim, grande filme dos anos 80. Um dos melhores dessa safra.

RoboCop: O Policial do Futuro (Robocop, Estados Unidos, ) Direção: Paul Verhoeven / Roteiro:  Edward Neumeier, Michael Miner / Elenco: Peter Weller, Nancy Allen, Dan O'Herlihy / Sinopse: Em um futuro próximo o departamento de polícia de Detroit e uma empresa multinacional poderosa criam um novo tipo de policial, metade homem, metade máquina, para combater os criminosos da cidade.

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 23 de abril de 2015

Top Gun: Ases Indomáveis

Assisti no cinema. Pois é, na década de 1980 eu já era um cinéfilo, que ia toda semana para o cinema. Eu me lembro inclusive que na semana que esse filme chegou nas telas, outro filme do Chuck Norris chamado "Código do Silêncio" também estreou para bater de frente com Top Gun. Claro que não teve a menor chance. Outra coisa interessante é que eu não sabia direito quem era o Tom Cruise quando vi o filme pela primeira vez. Eu o conhecia, mas superficialmente mesmo. Ele não era um Big Star. Foi justamente esse filme que fez a transformação dele de jovem ator em potencial para grande astro do cinema americano. Depois do grande sucesso de bilheteria ele se tornou um dos dez mais mais bem pagos de Hollywood (posição aliás que nunca mais deixou na carreira, sempre frequentando esse ranking).

E verdade seja dita, "Top Gun: Ases Indomáveis" é um belo de um filme. Resistiu bem à passagem do tempo e até hoje pode ser assistido sem problemas. O roteiro é bem legal, cinema pop por excelência e tem boas cenas de combate aéreo. Inclusive esse foi um fato curioso porque o filme foi produzido em um tempo em que os Estados Unidos estava em paz, sem nenhum conflito internacional. A Guerra do Vietnã havia acabado e tudo mais. Então inventaram um "incidente internacional" com a URSS, para criar um certo clima. Forçado, claro, mas ainda assim funcional para o filme. Enfim, "Top Gun" é seguramente Top 10 dos anos 80.

Top Gun: Ases Indomáveis (Top Gun, Estados Unidos, 1986) Direção:Tony Scott / Roteiro: Jack Epps Jr, Ehud Yonay / Elenco: Tom Cruise, Kelly McGillis, Val Kilmer, Meg Ryan, Tim Robbins / Sinopse: O filme conta a história de Maverick (Cruise), um arrojado e ousado piloto de caça da USAF. E agora, além de enfrentar problemas disciplinares com seus superiores, ele terá que também enfrentar seu primeiro grande desafio pilotando um avião de guerra F-15.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 22 de abril de 2015

Adeus, Lenin!

Em 1989 o bloco comunista liderado pela União Soviética (URSS) ruiu. E o velho muro de Berlim, símbolo máximo daqueles tempos sombrios de guerra fria, também veio abaixo. Agora imagine uma senhora em coma, socialista de carteirinha, que voltasse para sua vida normal. Antes dela descobrir tudo, seu filho decide esconder as mudanças da mãe, afinal ela ainda está com saúde bem frágil. E aí surgem as dúvidas, como dar essa notícia e ela? Como explicar que o socialismo, que ela tanto ama, já não existe mais em sua nação?

A história do filme se passa no ano de 1990, ou seja, um ano após o fim do bloco oriental socialista. A mãe do protagonista do filme amava a Alemanha Oriental e quando ela acorda do coma, esse país já não mais existe. A Alemanha é unificada, Alemanha Ocidental e Oriental deixam de existir. Um filme bem interessante mostrando o ponto de vista de uma parcela da população daquelas nações. No geral eu recomendo ainda mais para quem gosta de história e quer entender melhor as transformações pelas quais passaram os países do Leste europeu durante aquela fase de transição política.

Adeus, Lenin! (Good Bye Lenin!, Alemanha, 2003) Direção: Wolfgang Becker / Roteiro: Bernd Lichtenberg, Wolfgang Becker / Elenco: Daniel Brühl, Katrin Saß, Chulpan Khamatova / Sinopse: Um jovem tenta proteger sua mãe socialista depois que ela sai de coma. Sua amada Alemanha Oriental já não existe mais!

Pablo Aluísio.

Dias de Trovão

Tom Cruise namorava a maravilhosa Nicole Kidman quando fez esse filme. Era o casal sensação de Hollywood nos anos 90. Ele, o ator mais bem pago da indústria cinematográfica americana. Ela, a jovem australiana que havia virado a grande estrela estrangeira de sua idade. E o filme? Era basicamente uma versão sobre duas rodas de outro sucesso do Cruise, o filme "Ases Indomáveis". Eu me lembro que a critica não gostou muito. Choveram críticas sobre a suposta superficialidade do roteiro. Mas quer saber de uma coisa? Eu acho que era um exagero. O filme era uma típica produção de verão. Diversão pura - e nesse quesito funcionava bem.

O diretor Tony Scott era um craque nesse tipo de filme. É muito lamentável que depois de tantos sucessos no cinema ele tenha se suicidado. Que triste! De qualquer maneira fica o registro desse filme dos anos 90 que, se minha memória não me trai, vi no cinema, nas saudosas sessões de cinema que eu era habituado a assistir naquela época. Saudades de um tempo em que ir ao cinema não era perigo de vida! De uma forma ou outra deixo a dica para quem ninguém viu. Detalhe para os carros velozes e os figurinos chamativos, principalmente dos pilotos em suas máquinas.

Dias de Trovão (Days of Thunder, Estados Unidos, 1990) Direção: Tony Scott / Roteiro: Robert Towne, Tom Cruise / Elenco: Tom Cruise, Nicole Kidman, Robert Duvall / Sinopse: O astro internacional de cinema Tom Cruise interpreta o jovem, competitivo e ambicioso piloto de corridas que não vê limites para seus planos de se tornar um grande campeão das pistas ao mesmo tempo em que tenta conquistar uma linda mulher que pode ser o amor de sua vida!

Pablo Aluísio.

terça-feira, 21 de abril de 2015

Quem Não Cola Não Sai da Escola

Que título nacional ruim hein? Mais uma pérola de nossos queridos tradutores nacionais. E pensar que o filme em inglês originalmente se denomina " Cheats". Só isso, será que era tão complicado traduzir uma palavrinha em inglês assim? Pelo Amor de Deus! Mas vamos ao filme em si, sem maiores delongas... Do que se trata? O enredo acompanha a vida de um pequeno grupo de amigos, estudantes do ensino médio (nos Estados Unidos essa fase da vida escolar é chamada de High School).

Pois bem, eles estão chegando no último ano do colegial. Agora é hora de pensar em entrar em uma universidade, mas a diretora da escola está pensando em se vingar deles, após anos e anos de gracinhas e espertezas desses carinhas muito folgados. Eu sempre costumo dizer que os melhores anos do cinema nesse tipo de filme foram os anos 80. Se tivesse sido filmado naquela época quem sabe teríamos uma pequena obra prima em mãos. Como isso não aconteceu, claro, temos apenas um filme legalzinho que até funciona como um passatempo ligeiro. Não espere por nada muito além disso.

Quem Não Cola Não Sai da Escola (Cheats, Estados Unidos, 2002) Direção: Andrew Gurland / Roteiro: Andrew Gurland / Elenco: Frevor Fehrman, Matthew Lawrence, Elden Henson / Sinopse: Grupo de alunos espertinhos do ensino médio passam por apuros no seu último ano de colegial.

Pablo Aluísio.

A Primeira Transa de Jonathan

Nos anos 80 surgiram alguns filmes adolescentes mais picantes, com cenas mais ousadas, embora os roteiros continuassem a seguir aquela fórmula sobre os dramas de ser um jovem, tais como conquistar a garota dos sonhos, passar nos testes da escola, ser popular entre os amigos e, como não poderia deixar de ser, ter as primeiras experiências sexuais. Esse "A Primeira Transa de Jonathan" faz parte dessa leva de filmes. Esse eu não assisti no cinema e nem em vídeo VHS. Só vim a conhecer o filme mesmo pela TV, onde foi exibido pela Rede Globo. Foi através desse canal aberto que pela primeira vez assisti ao filme, ainda nos anos 80.

A história é sobre um adolescente que vive nos anos 50. Ele não tem jeito com as mulheres e acaba conhecendo um cara mais velho, motoqueiro, que tem mais sucesso com as garotas. E esse acaba transformando o desastrado Jonathan em seu aprendiz. O filme hoje em dia ganha um certo sabor de nostalgia porque foi um dos primeiros a trazer a atriz Kelly Preston, falecido recentemente. Linda e jovem no filme, ela interpretava uma estudante que obviamente era inspirada em Marilyn Monroe. Tinha até ousadas cenas de nudez para a época. Os jovens que viram o filme nos anos 80 obviamente não reclamaram.

A Primeira Transa de Jonathan (Mischief, Estados Unidos, 1985) Direção: Mel Damski / Roteiro:  Noel Black / Elenco: Doug McKeon, Kelly Preston, Catherine Mary Stewart / Sinopse: Na década de 1950 um jovem sem jeito para as mulheres tenta conquistar a garota de seus sonhos com a ajuda de um amigo mais velho.

Pablo Aluísio.

segunda-feira, 20 de abril de 2015

Sem Medo de Viver

Max Klein (Jeff Bridges) é um arquiteto que muda completamente sua visão de vida após salvar várias pessoas de um trágico acidente de avião. A partir dessa experiência ele muda sua forma de entender sua própria existência e seus objetivos pessoais, tratando e olhando de outro modo seus relacionamentos, inclusive familiares. Temos aqui um bom drama existencial, sobre um homem que passa a ter um outro olhar sobre sua própria existência. O ritmo é bem lento e o roteiro procura trazer uma profundidade maior em seu conteúdo, tentando levar o espectador a uma reflexão interior.

O resultado é apenas parcialmente bem sucedido em suas pretensões. Aliás talvez o maior problema do filme seja sua própria pretensão, maior do que a própria qualidade da fita em si. Mesmo assim acabou agradando, levantando boas indicações em importantes festivais de cinema pelo mundo afora.

Sem Medo de Viver (Fearless, Estados Unidos, 1993) Direção: Peter Weir / Roteiro: Rafael Yglesias / Elenco: Jeff Bridges, Isabella Rossellini, Rosie Perez / Sinopse: Drama sobre um homem em um momento crucial de sua existência. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante (Rosie Perez). Também indicado ao Globo de Ouro na mesma categoria.

Pablo Aluísio.

domingo, 19 de abril de 2015

Cliente Morto Não Paga

A ideia central até que é bem bolada: pegar dezenas de cenas avulsas de filmes clássicos e depois tentar inserir imagens do ator e comediante Steve Martin interagindo com elas. Uma paródia ao estilo do cinema noir dos anos 40. No começo o espectador se diverte com a imaginação e a originalidade, mas conforme a trama vai avançando você começa a perceber que nada mais faz muito sentido, até cair no vazio completo. Nesse ponto o filme perde o pique e se torna logo enfadonho e cansativo.

O diretor Carl Reiner pode até ser parabenizado pelo que criou, mas a verdade é que o clima de anarquia que ele depois imprimiu ao filme deu a sensação de desleixo e bagunça. Steve Martin teve que contracenar com o nada, dentro de um estúdio, até porque essa é uma fita onde a edição é tudo - da primeira à última cena. Talvez nos dias de hoje, com o avanço da tecnologia, as coisas funcionassem melhor. Já no começo da década de 80 tudo ficou apenas restrito nas boas intenções de seus realizadores e nada mais.

Cliente Morto Não Paga (Dead Men Don't Wear Plaid, Estados Unidos, 1982) Direção: Carl Reiner / Roteiro: Carl Reiner, George Gipe / Elenco: Steve Martin, Rachel Ward, Alan Ladd, entre outros grandes nomes da era de ouro do cinema americano. / Sinopse: Um filme curioso, mesclando cenas de filmes antigos com atores da atualidade, interpretando detetives do passdo.

Pablo Aluísio.

Oscar

Não se sabe até hoje a razão, mas o fato é que no começo dos anos 90 Stallone colocou na cabeça que era um sujeito engraçado. Tentando mudar radicalmente de imagem ele resolveu estrelar duas comédias que ajudaram a sedimentar uma época bem ruim para o ator em termos de bilheteria e sucesso comercial. Ambos os filmes fracassaram (de forma justa, aliás) e mostraram de forma definitiva que não, Stallone realmente não tinha talento para filmes de humor. Nesse "Oscar" ainda temos uma boa produção, luxuosa até, fruto da confiança que os produtores ainda colocavam em seu nome por causa da sucessão de sucessos que emplacou nos anos 80.

Depois do fracasso comercial a estrela de Stallone começou a perder seu brilho. Para piorar, como se não bastassem as péssimas críticas e a bilheteria decepcionante, Stallone ainda teve que arcar com as vexatórias indicações ao Framboesa de Ouro nas categorias de Pior Ator (Stallone, pagando por seu ego cego), Pior Atriz Coadjuvente (sim, ela mesma, Marisa Tomei, saindo direto do prêmio máximo da academia para o vexame completo) e Pior Diretor (que pena, John Landis, pelo conjunto da obra nem merecia algo assim). Dessa maneira fica a recomendação: não assista ao filme, você não vai achar graça nenhuma e certamente ficará com a sensação de perder seu tempo.

Oscar - Minha Filha Quer Casar (Oscar, Estados Unidos, 1991) Direção: John Landis / Roteiro: Claude Magnier, Michael Barrie / Elenco: Sylvester Stallone, Ornella Muti, Don Ameche, Maria Tomei / Sinopse: Comédia estrelada pelo herói de filmes de ação Sylvester Stallone.

Pablo Aluísio.

sábado, 18 de abril de 2015

Terra das Sombras

C. S. Lewis (1898 - 1963) entrou para a história como autor dos consagrados livros da série "The Chronicles of Narnia". Professor universitário, escritor, romancista, poeta, crítico literário, ensaísta, Lewis é um dos nomes mais celebrados da literatura britânica. Esse filme se propõe a contar parte de sua biografia, de seu conturbado romance com a poetisa americana Joy Gresham (interpretada pelo boa atriz Debra Winger). Eram pessoas refinadas, cultas e intelectuais que se completavam, mas que tinham que superar diversas barreiras para serem felizes. O roteiro enfoca um momento particularmente complicado de suas vidas quando Joy recebeu o diagnóstico que estava com câncer. Para piorar Lewis enfrentava problemas para conseguir a cidadania americana, o que lhe garantiria dar apoio completo à sua amada nesse momento crucial de sua vida.

Quem interpreta o famoso escritor é o ator Anthony Hopkins, que como sempre está muito lúcido e muito bem em seu papel. Ele traz um humanismo grandioso ao personagem que dá vida. Richard Attenborough, um mestre em filmes como esse, trata tudo com fina melancolia e muita sensibilidade, o que transforma o filme em um drama triste, mas ao mesmo tempo realmente tocante. Uma excelente obra cinematográfica, sem retoques.

Terra das Sombras (Shadowlands, Inglaterra, 1993) Direção: Richard Attenborough / Roteiro: William Nicholson / Elenco: Anthony Hopkins, Debra Winger, Julian Fellowes. / Sinopse O drama de um homem mais velho que vê sua esposa sucumbindo para uma grave doença terminal. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Debra Winger) e Melhor Roteiro Adaptado (William Nicholson). Filme vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Filme Britânico e Melhor Ator (Anthony Hopkins).

Pablo Aluísio.

Diên Biên Phú

Um drama passado no Vietnã, antes da intervenção americana naquele país. Na estória acompanhamos um jornalista americano que é enviado para aquela região como correspondente de guerra para informar aos leitores de seu país o que se passava lá. Havia uma guerra aberta entre os colonialistas franceses e o povo do Vietnã que lutava por sua independência. O foco história é justamente realizado em cima da terrível batalha de Diên Biên Phú, quando os franceses foram finalmente derrotados, abrindo campo assim para a desastrosa entrada dos Estados Unidos na região, que daria origem no futuro ao sangrento conflito da Guerra do Vietnã, onde milhares de pessoas perderiam suas vidas.

O roteiro desse filme é muito bom porque procura mostrar os eventos que deram origem a um dos mais desastrosos conflitos militares da história americana. O momento em que o ovo da serpente foi plantado naquele solo. Curiosamente a sensação é a de que os americanos não tinham a menor ideia do que se passava e pelo visto continuaram a não ter depois, quando a guerra finalmente eclodiu. Pior para os milhares de jovens americanos que foram enviados para aquelas selvas tropicais, sem nem ao menos saberem porque realmente estavam lá, morrendo e lutando por suas vidas. Filme indicado ao César Awards na categoria de Melhor Música (Georges Delerue).

Diên Biên Phú - A Última Batalha da Indochina (Diên Biên Phú, França, 1992) Direção: Pierre Schoendoerffer / Roteiro: Pierre Schoendoerffer / Elenco: Donald Pleasence, Patrick Catalifo, Jean-François Balmer / Sinopse: Um outro olhar sobre uma guerra travada no fim do mundo.

Pablo Aluísio.

sexta-feira, 17 de abril de 2015

O Enigma das Cartas

Esse é aquele tipo de filme que você provavelmente assistiu em sua vida, mas passados tantos anos já esqueceu! Novamente uma fita que vale pelo seu elenco. Acredite, Kathleen Turner foi uma das mulheres mais sensuais de Hollywood. Ok, o tempo não foi tão gentil com essa diva, mas naquela época ela realmente era de arrasar. Muito de sua carreira se deveu justamente ao seu Sex appeal. que era um pouco diferenciado das outras atrizes loiras dos anos 80. Na verdade ela sempre foi um pouco mais velha que suas concorrentes, mas conseguia fazer frente até mesmo a beldades bem mais jovens como Sharon Stone. A sensualidade não parece ter mesmo idade! Ao seu lado temos novamente o operário padrão de Hollywood, Tommy Lee Jones, que na época era considerado apenas um coadjuvante competente, pronto para encarar qualquer tipo de produção.

O enredo gira em torno de uma mãe, Ruth Matthews (Kathleen Turner), que precisa lidar sozinha com os problemas de autismo da filha, após a morte de seu marido. Ela tenta se comunicar com a jovem garota se utilizando do próprio universo muito particular de ser da menina, que costuma construir grandes castelos de cartas em seu quarto. Como se sabe as pessoas que sofrem de autismo acabam tendo grande dificuldade de interagir socialmente com as pessoas ao seu redor, sendo que muitos autistas acabam vivendo em um mundo muito particular, onde nem mesmo os próprios membros da família conseguem entrar. Em suma, um bom drama, especialmente indicado para quem tem algum membro da família passando por esse problema.

O Enigma das Cartas (House of Cards, Estados Unidos, 1993) Direção: Michael Lessac / Roteiro: Michael Lessac, Robert Litz / Elenco: Kathleen Turner, Tommy Lee Jones, Asha Menina / Sinopse: Thriller com fortes personagens femininos. Filme vencedor do WorldFest Houston na categoria de Melhor Atriz (Kathleen Turner).

Pablo Aluísio. 

Os Puxa-Sacos

Como sempre o título nacional é de amargar. Tudo bem, é uma comédia até bobinha, talvez nem merecesse qualquer resenha, mas de uma forma ou outra vale pelo menos a menção pelo elenco. O filme é estrelado pelo ator Michael J. Fox. Bom, se você foi cinéfilo na década de 80 sabe muito bem quem ele é, o adolescente que viajava no tempo na franquia inesquecível "De Volta Para o Futuro". Além disso ele por muitos anos participou de uma sitcom muito divertida e popular (até mesmo no Brasil) chamada "Caras e Caretas" que era exibida no final das tardes na Rede Globo naquela saudosa década.

Michael J. Fox é sempre uma atração a mais, porém o que vale mesmo a pena aqui é rever o veterano e ídolo da era de ouro do cinema americano Kirk Douglas em uma de suas últimas participações na tela grande. Douglas (que ainda está vivo, quase chegando aos 100 anos de idade que completará no ano que vem) é um daqueles mitos da história do cinema que vale qualquer sacrifício, até mesmo o de gastar algum dinheiro com uma comédia descartável como essa. Por causa da sua idade avançada ele não aparece muito no filme, mas quando surge mostra que ainda é um dos mais carismáticos astros que já passaram por Hollywood. Então, diante disso, esqueça o péssimo título nacional e arrisque conhecer. O Kirk vale o esforço.

Os Puxa-Sacos (Greedy, Estados Unidos, 1994) Direção: Jonathan Lynn / Roteiro: Lowell Ganz, Babaloo Mandel / Elenco: Michael J. Fox, Kirk Douglas, Nancy Travis / Sinopse: Comédia estrelada pelo carismático ator Michael J. Fox e o veterano da era de ouro do cinema, Kirk Douglas.  

Pablo Aluísio.

quinta-feira, 16 de abril de 2015

O Cliente

Um garoto acaba testemunhando um assassinato cometido por membros da máfia italiana. Isso coloca em perigo sua própria vida. Para ajudar em sua delicada situação, seu pai resolve pedir ajuda a uma inexperiente advogada, interpretada por Susan Sarandon. O diretor Joel Schumacher é conhecido pelos altos e baixos na carreira. De fato ele pode dirigir excelentes filmes e depois afundar tudo, assinando verdadeiras bombas cinematográficas. Aqui temos, por sorte, um proveniente de sua boa safra. "The Client" é baseado no livro do famoso autor de best sellers John Grisham, o que já garante no mínimo um bom drama de tribunal como background narrativo.

Some-se a isso a presença de atores talentosos como a engajada Susan Sarandon e o sempre competente Tommy Lee Jones e você certamente terá em mãos aquele tipo de película onde nem mesmo um diretor ruim conseguiria estragar. Não que Joel Schumacher mereça esse tipo de título, mas sim pelo fato que mesmo que ele estivesse em um momento ruim dificilmente estragaria o resultado final. Assim "O Cliente" é um bom drama jurídico, que explora o lado mais visceral desse mundo fascinante do direito.

O Cliente (The Client, Estados Unidos, 1994) Direção: Joel Schumacher / Roteiro: Akiva Goldsman / Elenco: Susan Sarandon, Tommy Lee Jones, Brad Renfro, William H. Macy / Sinopse: O filme mostra o tenso caso de um jovem que deverá testemunhar contra mafiosos. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Atriz (Susan Sarandon). Também indicado ao BAFTA Awards e ao Screen Actors Guild Awards na mesma categoria.

Pablo Aluísio.