A Marca do Zorro

Título no Brasil: A Marca do Zorro
Título Original: Zorro
Ano de Produção: 1975
País: França, Itália
Estúdio: Les Productions Artistes Associés
Direção: Duccio Tessari
Roteiro: Giorgio Arlorio
Elenco: Alain Delon, Stanley Baker, Ottavia Piccolo

Sinopse:
Don Diego (Alain Delon) chega em uma nova província espanhola na Califórnia. O lugar está sob poder do tirano e corrupto Coronel Huerta. Para despitar ele se mostra perante todos como um sujeito fraco e que não representa ameaça, mas durante as noites se transforma no Zorro, um justiceirot implacável contra os crimes do Coronel.

Comentários:
Que tal ver o famoso galã francês Alain Delon como o Zorro? Pois foi justamente isso que aconteceu em meados dos anos 70. Com uma produção muito boa, bem acima da média, os produtores franceses cobriram o mais popular ator do país com a capa e a máscara do Zorro. O resultado ficou muito bom. Para muitos fãs do Zorro aliás esse é certamente um dos melhores filmes feitos sobre o personagem. Embora tenha sido intitulado como "A Marca do Zorro" essa não é uma refilmagem do clássico com Tyrone Power e nem tampouco uma adaptação literal do livro original que deu ínicio a saga do famoso mascarado. Na verdade o filme traz uma história própria, muito bem escrita, mostrando o Zorro lutando contra a corrupção e a tirania de uma caudilho local. Como toda produção europeia desse estilo o filme tem um acentuada dose de bom humor, mas que não chega a atrapalhar. Como diversão o filme funciona excepcionalmente bem e passa longe de decepcionar os fãs de longa data do Zorro. Um filme que realmente fez jus a esse famoso personagem da cultura pop, com ótimas cenas de luta de espadas, mostrando que Delon era também um bem treinado espadachim. Enfim, "A Marca do Zorro" é diversão garantida para todas as idades.

Pablo Aluísio.

Drácula - Bram Stoker

É mais do que interessante ler um livro como esse. Isso porque tendo sido escrito em 1897, em plena era vitoriana, ele captou para suas páginas grande parte da sensualidade da época. Sim, o livro "Drácula" é muito sensual, embora poucas pessoas parem para pensar sobre isso. O texto continua tão atual como se tivesse sido escrito hoje! O romance é tão moderno que não me admira em nada ter sido tão copiado e adaptado pelo cinema ao longo de todas essas décadas.

O enredo é clássico. Jonathan Harker é um jovem, ainda começando em sua carreira, que decide acertar de todas as maneiras. Para isso ele geralmente é enviado para serviços que ninguém mais quer em seu escritório, como ir na distante Romênia acertar os detalhes de compra e venda de um imóvel com um conde misterioso e recluso. O que ele nem desconfia é que o nobre é na verdade um ser da noite, um vampiro que vive nas sombras em busca de sangue humano para continuar vivo. O detalhe importante aqui é que Stoker criou um novo monstro, uma mistura de referências históricas, folclore e terror de sua época. Drácula tem um pouco de Jack, o Estripador, da condessa Elizabeth Báthory e de lendas do leste europeu envolvendo corpos sendo desenterrados com sangue escorrendo por suas bocas. Um toque de mestre que tornou sua criação imortal.

Como já escrevi o livro Drácula é muito sensual. Veja essa passagem escrita por Stoker onde ele recria o diário pessoal do personagem Harker. Após ser atacado por três vampiras em uma parte antiga do castelo de Drácula ele escreve: "Eu podia sentir o toque macio de dois dentes afiados, com tremores dos lábios, na pele muito sensível da minha garganta. Eu fechei meus olhos e num êxtase sensual esperei e esperei, com o meu coração batendo". É a descrição de um ataque de uma vampira mas também poderia servir para descrever o encontro de dois amantes no meio da noite. Nesse momento do livro Stoker demonstra que o horror pode ser tão sensual como uma cena de amor. O suspense não provém da picada do dente do vampiro mas sim de sua aproximação e da ansiedade que isso causa no personagem. 

Outro ponto interessante do texto de Stoker é que ele nunca poupa o leitor das cenas mais fortes, repletas de sangue. Isso ia de certa forma contra o bom gosto da era vitoriana, onde tudo era muito pudico, recatado e casto. Tornar algo assim tão explícito e visceral era algo completamente novo na literatura. Ele descreve tudo com riqueza de detalhes, inclusive no momento em que Lucy vai se transformando também em uma vampira: "Ela se contorcia dentro do caixão. Um grito de gelar o sangue veio então de seus lábios vermelhos abertos. O corpo tremia e tremia em selvagens contorções. Seus dentes agora afiados cortavam a carne de seus lábios. Sua boca surgia com uma espuma de carmesim". Como se pode perceber nenhum detalhe é deixado de lado.

Outro aspecto interessante do livro é que Stoker faz questão de desenvolver muito bem suas personagens femininas. Mina Murray é um exemplo perfeito disso. Ela tem força e personalidade marcante e sua presença é vital no desenvolvimento da trama. Ela não está lá apenas para ser atacada pelo conde, muito pelo contrário. Stoker lhe dá voz, atitudes e a coloca no centro de tudo, de forma privilegiada. Também é retratada como uma mulher inteligente e com muita desenvoltura se torna uma das principais narradoras dos acontecimentos.

De muitas maneiras Mina é a verdadeira heroína do enredo. Ela tem plena consciência que seus registros serão importantes e por isso compartilha todas as informações que pode sobre Drácula. O vampiro é praticamente seu objeto de estudo. Quando ela é mordida e começa a se tornar uma vampira seus textos se tornam uma valiosa contribuição para os que começam a caçar a criatura da noite. Essas informações se tornam valiosas pois permitem aos caçadores do vampiro anteceder seus movimentos, quando finalmente o encurralam no momento mais crucial do livro.

Nesse aspecto Mina é um belo contraste com sua amiga Lucy, que se caracteriza por sua falibilidade. Mina luta, combate, enquanto Lucy é a típica personagem feminina que está ali para ser atacada pelo vampiro. Lucy é o símbolo de uma vítima indefesa, a donzela em perigo, tão típica dos romances da era vitoriana. Mina é a nova mulher, ciente de si e de seu potencial, Lucy é a mocinha que cai nas garras do monstro cruel.

Assim Bram Stoker conseguiu trazer inovações em seu romance Drácula ao mesmo tempo em que mantinha um padrão que não assustasse demais seus leitores. Foi inovador e conservador com raro brilhantismo. O escritor nunca quis dar continuidade para seu livro, que para ele era uma obra pronta e acabada, bem fechada em seus objetivos. O que ele não anteviu é que na realidade havia criado toda uma nova mitologia de terror, todo um universo que iria se expandir infinitamente nos anos que viriam. Seu texto é muito rico porque consegue atrair tanto os leitores modernos de hoje, como seus contemporâneos quando o livro foi lançado. Por sua qualidades intemporais e atemporais, Drácula vai permanecer pelos séculos que virão como um clássico do horror eterno.

Pablo Aluísio. 

Tex

Esse é um dos personagens de quadrinhos mais longevos que se conhece. No Brasil Tex é publicado desde os anos 50, sem interrupções. Mesmo com a mudança de editoras ao longo dos anos a publicação segue em frente, estando atualmente acima do número 500! O interessante é que apesar de suas histórias se passarem no oeste americano, em pleno avanço dos colonizadores rumo ao desconhecido e sendo Tex um autêntico Texas ranger, esses quadrinhos não nasceram nos Estados Unidos, mas sim na Itália!

De fato o personagem foi criado pela dupla formada por   Giovanni Luigi Bonelli e Aurelio Gallepini. Eles aproveitaram a moda dos chamados filmes italianos de western (Western Spaghetti) e lançaram as estórias do Tex nas bancas, em revistas em branco e preto, com enredos simples e uma arte realmente caprichada. O sucesso na Itália fez com que os quadrinhos fossem publicados em outros países, inclusive o Brasil, onde fez sucesso imediato. O preço promocional (atualmente uma revistinha custa menos de 10 reais) também ajudou no êxito de vendas.

No Brasil também tivemos o sucesso dos chamados bolsos de livros (bolsilivros) que tinham praticamente o mesmo preço de capa dos quadrinhos de Tex, mas ao contrário desse, não era baseado na nona arte, mas sim em pura literatura, em um tipo de publicação que foi também muito popular no Brasil. Hoje em dia o jovem fã de faroestes pode-se perguntar se valeria a pena começar a ler Tex, já que suas publicações estão mais do que avançadas (afinal já foram lançadas mais de 500 edições só no Brasil). Não há problemas. As estórias de Tex não seguem uma cronologia fixa e geralmente seus arcos narrativos são fechados, sem a preocupação da continuidade (que atinge praticamente todos os super-heróis da DC e Marvel).

Há recentes publicações no Brasil de bonitos encadernados, com enredos compilados, facilitando bastante a vida dos que desejam acompanhar as aventuras do ranger dos quadrinhos. Esses encadernados são obviamente bem mais caros do que as tradicionais revistas mensais, porém valem a pena pela praticidade e também pela beleza pois ficam extremamente bonitos dentro de uma coleção de quadrinhos. Assim deixamos a dica para você também começar a acompanhar Tex e suas histórias, uma tradição que se mantém e firme e forte, apesar de todos esses anos passados.

Pablo Aluísio.

Ed Gein

Quem foi Ed Gein? Ele foi um dos assassinos em série mais infames da história dos Estados Unidos. E deu origem na cultura pop a diversos personagens de filmes de terror como "psicose" e o "Massacre da Serra Elétrica". Até mesmo em revistas em quadrinhos ele foi usado. Era algo bizarro. O homem real porém tinha um jeito menos espalhafatoso. Ele era considerado estranho na cidade onde vivia, mas ninguém poderia supor que ele fosse um serial killer tão insano.

Ed Gein foi criado numa fazenda isolada na pequena cidade onde ele nasceu. Meio-oeste americano, lugar de gente desconfiada e arredia. Sua mãe era uma fanática religiosa. Sempre colocando o jovem Ed embaixo de suas asas, falando de forma ininterrupta sobre pecado, culpa e inferno.

Quando ela morreu, alguns anos depois, Ed Gein ficou completamente sozinho no mundo. Ele já aparentava ter sinais de doença mental, porém enquanto a mãe era viva ele se mantinha na linha. Após a morte dele não houve mais limites ou barreiras. Ele então começou a apresentar atitudes de gente maluca. Desenterrava corpos de mulheres no cemitério local, durante as madrugadas, e levava para casa, para sua coleção de pedaços de corpos humanos. Gein passava dias desmembrando esses corpos, arrancando pedaços para usar numa espécie de artesanato da morte!

Sem distinguir entre realidade e loucura ele logo começou a matar. Matou uma senhora que trabalhava em um pequeno comércio de sua cidade. A esquartejou e depois a pendurou como se fosse uma carcaça de gado em um frigorífico. A sua fama de louco atroz aconteceu quando a política chegou em sua fazenda e encontrou um show de horrores. Abajures feitos de pele humana, corpos em pedaços por todas as partes, rostos de suas vítimas costurados como se fossem uma máscara e utensílios de uso doméstico que eram na verdade crânios de suas vítimas. Ed Gein foi levado e ficou preso até o fim de seus dias. E deixou um legado de horror que foi depois capturado pela cultura do cinema, da literatura e dos livros de pulp fiction.

Pablo Aluísio.

O Cinema de Steven Spielberg

A primeira boa oportunidade que apareceu para Spielberg no começo de sua carreira foi ser escolhido pelos estúdios Universal para dirigir "Encurralado". Era um telefilme, mas ao mesmo tempo era uma chance de trazer algo novo, que chamasse a atenção de público e crítica. Até esse momento Spielberg havia se dado bem dirigindo episódios de séries populares de TV como "Galeria do Terror" e "Columbo". Era necessário agora impressionar positivamente os executivos da Universal, para quem sabe, ter a possibilidade de dirigir seu primeiro filme para o cinema. Spielberg não queria passar o resto de sua carreira na telinha da TV, ele tinha planos mais ambiciosos para sua vida profissional.

Com roteiro escrito por Richard Matheson e um bom elenco que contava com os atores Dennis Weaver, Jacqueline Scott e Eddie Firestone, a trama de "Encurralado" (Duel, 1971) não parecia grande coisa. Um técnico em computação que de repente se via em uma situação limite ao ser perseguido por um enorme caminhão pelas estradas. Basicamente tudo se resumia em ser um thriller de ação. Para Spielberg porém esse enredo trazia muitas possibilidades, principalmente em usar takes e enquadramentos fora do comum. Assim ele foi para a estrada com sua equipe técnica e realizou um ótimo filme - sem exagero algum! É a tal coisa, se Spielberg queria chamar a atenção com seu primeiro filme, ele conseguiu. A crítica adorou, a tal ponto que Spielberg conseguiu uma indicação ao prêmio de Melhor Telefilme do ano no conceituado Globo de Ouro. Era uma estreia acima da média. Chegou inclusive a ser exibido nos cinemas brasileiros na época. 

Depois desse primeiro telefilme Steven Spielberg tinha planos de tentar algo no cinema, finalmente, mas enquanto um bom roteiro não chegava em suas mãos ele aceitou o convite para dirigir "A Força Do Mal", outra produção a ser exibida na televisão. Era um filme de terror, usando elementos mais tradicionais, mostrando um jovem casal tendo que lidar com forças sobrenaturais na casa para onde se mudaram. Ecos de Poltergeist se viam em todo o desenrolar da história, mas obviamente era uma produção bem mais modesta, com pouca semelhança do famoso filme de terror que iria ser produzido pelo próprio Spielberg dez anos depois.

Ainda houve mais um telefilme no ano seguinte chamado "Savage". Esse último telefilme de Spielberg já tinha traços maiores de inovação. A trama era baseada na estória de um repórter investigativo que descobria a existência de fotos comprometedoras de um juiz que acabara de ser indicado para a suprema corte do país. No elenco estava o grande ator Martin Landau, em mais um boa interpretação. Foi uma boa experiência, mas Spielberg queria deixar o espaço reduzido da TV, para dirigir seu primeiro filme no cinema. Algo que em breve iria finalmente acontecer.

Pablo Aluísio.

Al Pacino e Michelle Pfeiffer

Fazer "O Poderoso Chefão III" foi realmente marcante, mas Pacino ficou bem chateado com as críticas negativas. O curioso é que as críticas não atingiram o seu trabalho como ator no filme, mas sim outros aspectos da produção, como seu roteiro e alguns coadjuvantes que ficaram devendo. Mesmo assim o ator ficou bem contrariado.

Ele esperava que o terceiro filme dessa franquia marcasse a história do cinema como os dois filmes anteriores. Só que isso não aconteceu. O filme também foi menosprezado pela Academia. Quem estava esperando uma chuva de premiações no Oscar ficou realmente a ver navios. Nada aconteceu como era previsto.

Por isso o ator decidiu por um filme bem leve depois da experiência de fazer "O Poderoso Chefão III". A nova produção se chamava "Frankie & Johnny" e era sobre um romance envolvendo um cozinheiro e uma garçonete de uma lanchonete daquelas bem populares nos Estados Unidos. Gente comum retratada no cinema.

Para contracenar ao seu lado o estúdio contratou a linda Michelle Pfeiffer. Todos ainda tinham na cabeça sua performance como a Mulher-Gato, lançado nesse mesmo ano. O sucesso do filme do Batman, acabou, quem diria, levantando e muito a bilheteria desse filme despretensioso, um mero romance sobre duas pessoas do dia a dia. Pacino ficou duplamente feliz com o resultado do filme. E adorou trabalhar novamente ao lado de Michelle Pfeiffer. Afinal eles já tinham feito uma ótima parceria no começo dos anos 80 no filme "Scarface" de Brian De Palma.

Pablo Aluísio.

Nicole Kidman - Primeiros Filmes

Terror a Bordo (1989) 
O primeiro filme com Nicole Kidman a ter sucesso internacional foi essa produção australiana chamada "Terror a Bordo". Era um suspense dirigido pelo cineasta veterano Phillip Noyce. O roteiro contava a estória de suspense e terror passada em um veleiro, no meio do oceano. O filme chamou a atenção da crítica internacional, ganhou status de cult movie e abriu as portas de Hollywood para a atriz.

Dias de Trovão (1990)
O primeiro filme de repercussão internacional que a atriz participou foi esse "Dias de Trovão". Foi a primeira grande produção da carreira da atriz que contracenava com o astro e ídolo Tom Cruise. O romance dos personagens acabou passando para fora das telas e Nicole e Cruise começaram a namorar, em um dos romances mais badalados dos anos 90. Romance esse que iria virar casamento que infelizmente não iria terminar muito bem, anos depois. "Dias de Trovão" foi dirigido por Tony Scott que em suas próprias palavras quis realizar um "Ases Indomáveis com carros de corrida"

Flertando - Aprendendo a Viver (1990)
Depois do blockbuster "Dias de Trovão", ao lado do namorado Tom Cruise, Nicole resolveu alisar seus cabelos que chamavam a atenção por causa de seus longos cachos ondulados, para atuar nesse pequeno filme independente chamado "Flirting", dirigido por John Duigan. O filme se passava todo em um ambiente escolar nada saudável. A produção australiana foi premiada em seu país, pelo Australian Film Institute, ganhando uma boa receptividade por parte da crítica internacional de um modo em geral.

Billy Bathgate: O Mundo a Seus Pés (1991)
Filme passado na era dos grandes gangsters americanos. Nicole Kidman interpretou uma personagem chamada Drew Preston, em um papel não muito significativo. Foi complicado para a atriz se sobressair em um elenco com tantos astros como Dustin Hoffman e Bruce Willis. Dirigido pelo cineasta Robert Benton, o filme não conseguiu fazer sucesso, ficando no meio do caminho. Com orçamento milionário o filme foi mal nas bilheterias. Uma das poucas coisas boas, segundo a crítica da época de lançamento da produção, era justamente a presença de Kidman, que com figurino de época ficou ainda mais bonita e glamorosa.

Pablo Aluísio.

Tobe Hooper

O cinema de terror perdeu um de seus mestres, o diretor Tobe Hooper. Tive o prazer de assistir muitos filmes de Hooper no cinema, como tinha que ser. Ele foi um criador de películas de horror em um tempo onde o politicamente correto não interferia na criatividade dos cineastas, onde tudo era possível e não havia muitos limites. Assim Hooper teve a chance de dirigir e produzir um autêntico cinema podreira de qualidade. No total dirigiu 37 filmes! Uma marca e tanto em termos de produtividade.

O primeiro grande sucesso de sua filmografia foi "O Massacre de Serra Elétrica" de 1974. Como se diz hoje em dia esse é um filme terror de raiz! O diretor aproveitou um caso real (acredite, o roteiro é baseado em acontecimentos reais ocorridos no Texas) e criou essa sangrenta fita, onde psicopatas cruéis matavam suas vítimas com requintes de crueldade. O filme, feito com orçamento mínimo, se tornou um cult movie e colocou Hooper no radar dos fãs de horror. Depois disso o diretor começou uma fase áurea, tudo culminando com o sucesso de "Poltergeist" de 1982. O diretor foi escolhido a dedo por Steven Spielberg, que produziu a fita. Nas palavras de Spielberg ninguém mais poderia dirigir aquela história tão bem como Hooper.

Na década de 80 Hooper colecionou filmes mais do que interessantes. Produções B de terror que com o tempo se tornaram pequenas obras primas do gênero. Em "Pague Para Entrar, Reze Para Sair" o diretor usou um parque de diversões, esse lugar tão infantojuvenil, para explorar o máximo em termos de sangues e tripas. Já em "Força Sinistra" Hooper levou o terror para o espaço. Misturando filmes de terror com Sci-Fi ele criou uma espécie de alienígena que sugava a força vital dos seres que encontrava pela frente. Um tipo de "vampiros espaciais" como bem definiu Hooper. Nem é preciso dizer que a fita caiu no gosto dos fãs de filmes trash (mas aqui feitos com bons orçamentos).

Hooper repetiu a dose em "Invasores de Marte", mais um filme que misturava os dois gêneros mais populares entre os adolescentes dos anos 80. Essa aliás era uma característica interessante da obra do diretor. Ele sempre procurava misturar o gênero terror com outros gêneros cinematográficos. Assim levou humor ao horror em "O Massacre da Serra Elétrica 2", onde no meio da matança desenvolveu momentos de puro humor negro como poucas vezes visto no cinema da época. O diretor também trabalhou na TV, em séries como "Histórias Maravilhosas" ao lado de Spielberg novamente. O diretor continuava na ativa, intercalando seus trabalhos de direção com produção, sempre no estilo que o consagrou: o terror. Para quem levou sustos no cinema com suas obras (ora divertidas, ora assustadoras) fica assim a sensação de vazio de um mestre que nos deixou. Descanse em paz, Tobe Hooper.

Pablo Aluísio.

The Beach Boys: Uma História de Sucesso

Mais um título nacional extremamente equivocado. O filme não é propriamente a história de sucesso da banda Beach Boys, mas sim do drama pessoal enfrentado pelo cantor e compositor Brian Wilson após ser diagnosticado como esquizofrênico e paranoico. Líder e mentor intelectual de um dos grupos de rock de maior sucesso dos anos 60 ele viu tudo desmoronar por causa de seus problemas psiquiátricos. Wilson é interpretado no filme por dois atores, que seguem em linhas narrativas diferentes, uma no passado, durante o apogeu do grupo nos anos 60 e outra mais à frente, nos anos 80, com Wilson lutando contra sua doença mental, em um estado bem mais avançado. Nos anos 60 ele é bem interpretado por Paul Dano. Aqui Wilson já é o líder dos Beach Boys. Ele começa a apresentar um comportamento anormal, que começa a alarmar os demais membros do grupo. Depois surta dentro do estúdio tentando criar um álbum completamente fora dos padrões comerciais, tentando superar os Beatles, o maior rival nas paradas dos Beach Boys.

John Cusack dá vida a Brian Wilson já completamente destruído pela esquizofrenia. Ele passa a ser dominado por um médico que acaba se revelando mais maluco do que ele. Um sujeito que o explora e o coloca sob um coquetel de drogas pesadas para tentar ficar com sua fortuna. Quem o salva da morte é uma ex-modelo, vendedora de carros, chamada Melinda Ledbetter (Elizabeth Banks). Wilson se apaixona por Melinda e ela tenta de todas as formas ajudá-lo a sair daquela prisão em que ele se encontra. O roteiro do filme se foca completamente em Brian Wilson, por isso se você estiver em busca de algo mais relacionado ao grupo The Beach Boys é melhor procurar por outro filme, algum documentário musical. Aqui só temos mesmo os dramas pessoais de Wilson, seus problemas de saúde, seus traumas, suas lutas contra o estigma da doença mental e outros dramas mais pesados. No final é um filme muito bom, mas também muito triste para quem nunca conheceu em maiores detalhes os problemas enfrentados por esse genial músico.

The Beach Boys: Uma História de Sucesso (Love & Mercy, Estados Unidos, 2014) Direção: Bill Pohlad / Roteiro: Oren Moverman, Michael A. Lerner / Elenco: John Cusack, Paul Dano, Elizabeth Banks, Paul Giamatti / Sinopse: O filme conta a história real do cantor e compositor Brian Wilson. Líder do famoso grupo de rock e surf music The Beach Boys. Ele acabou tendo que lutar contra a doença mental, no auge do sucesso, após ser diagnosticado como esquizofrênico e paranoico. Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Paul Dano) e Melhor Música Original ("One Kind of Love" de Brian Wilson e Scott Montgomery Bennett).

Pablo Aluísio.

Megan Leavey

Título no Brasil: Megan Leavey
Título Original: Megan Leavey
Ano de Produção: 2017
País: Estados Unidos
Estúdio: LD Entertainment
Direção: Gabriela Cowperthwaite
Roteiro: Pamela Gray, Annie Mumolo
Elenco: Kate Mara, Common, Ramon Rodriguez, Tom Felton, Will Patton, Bradley Whitford

Sinopse:
Cansada de sua vida banal e dos problemas familiares envolvendo sua mãe, a jovem Megan Leavey (Kate Mara) decide se alistar no Corpo de Fuzileiros Navais dos Estados Unidos. Após um período de treinamento pesado ela é enviada para o Iraque, onde passa a integrar um grupo especial designado para localizar bombas e explosivos, usando para isso cães especialmente treinados. Filme vencedor do Heartland Film Festival.

Comentários:
Filme especialmente indicado para quem curte filmes sobre os Marines americanos e criadores de cães treinados. O roteiro é baseado na história real da cabo Megan Leavey que foi remanejada para um esquadrão de localização de bombas com cães e acabou criando um vínculo muito forte com seu animal, um pastor alemão chamado Rex. Esses pastores pertencem na realidade aos fuzileiros navais americanos, mas os próprios oficiais aconselham aos soldados que esses criem fortes vínculos entre eles, até para ajudar no cumprimento das missões no meio do deserto. Megan acabou levando a determinação bem à sério, se tornando muito afeiçoada ao seu cão. Quando ambos são atingidos por uma bomba ela fica ainda mais próxima do animal. Pensando em deixar os marines ela tenta adotar Rex, mas bate de frente contra seus oficiais comandantes. Mesmo ferido o cão não poderia ser enviado para viver ao lado dela, numa vida civil. Um animal treinado para o campo de batalha poderia ser extremamente perigoso nas ruas. Assim o filme também levante esse curioso debate. Por fim um detalhe não menos importante: praticamente toda a equipe técnica é formada por mulheres, da diretora, passando pelas roteiristas, etc. O filme assim tem um fator subliminar de empoderamento das profissionais que trabalham no cinema.

Pablo Aluísio.

Norman

Mais um bom filme de Richard Gere. Aqui ele interpreta esse sujeito incomum chamado Norman. Ele passa o dia inteiro pelas ruas de Nova Iorque pendurado em seu celular! Em que ele exatamente trabalha? Não se sabe ao certo. Ele mesmo afirma que dá consultorias (não se sabe de quê!) e que presta serviços (sem conseguir explicar quais seriam esses serviços!). Na sua rotina Norman tenta entrar em contato com pessoas ricas e poderosas. Ele acredita que o mais importante de tudo é ter contatos, aproximações com esse tipo de gente. Para isso ele topa qualquer coisa, inclusive entrar de bicão, sem ser convidado, para festas de milionários (obviamente sempre sendo convidado a se retirar depois). Após muitas portas na cara, Norman finalmente tira a sorte grande ao conseguir se aproximar com êxito de um político de segundo escalão do governo de Israel.

Na cara de pau mesmo, Norman o segue pelas ruas de Nova Iorque e depois consegue se aproximar do tal sujeito. Trocam cartões e mantém contatos. Para sua grande surpresa o tal político acaba se tornando primeiro ministro de Israel, o que acaba abrindo todas as portas para Norman, justamente por sua proximidade com o figurão. Só que com todo esse conhecimento tudo o que Norman acaba conseguindo é entrar numa tremenda enrascada! Pois é, esse personagem (mais um presente para Richard Gere em sua carreira) é uma espécie de herói picaresco (para usar um termo de nossa literatura), um homenzinho sem muita sorte que vai abrindo seu próprio espaço com artimanhas, jogadas de sorte (e também de inteligência), nem sempre se dando bem no final. A trilha sonora do filme reforça bem esse aspecto da personalidade do protagonista. Todas as vezes que ele vai entrando em uma nova enrascada lá está aquele trombone em tom de humor farsesco. É um filme realmente muito bom, valorizado por Richard Gere, ora com um olhar de bom malandro, ora como um inocente que não sabe bem onde está entrando. Divertido e até mesmo em certos aspectos lírico, esse "Norman" é um dos filmes mais surpreendentes desse ano.

Norman: Confie em Mim (The Moderate Rise and Tragic Fall of a New York Fixer, Estados Unidos, Israel, 2016) Direção: Joseph Cedar / Roteiro: Joseph Cedar / Elenco: Richard Gere, Michael Sheen, Steve Buscemi, Lior Ashkenazi / Sinopse: Norman Oppenheimer (Richard Gere) se autodenomina um consultor, um estrategista, embora ninguém saiba ao certo quem ele é ou o que faz da vida. Forçando aproximação com pessoas ricas e poderosas ele acaba conhecendo Micha Eshel (Lior Ashkenazi), um político sem muita importância que acaba se tornando primeiro ministro de Israel. Usando dessa proximidade Norman começa a tecer uma enorme teia de relações e contatos, dando origem a uma enorme confusão. Filme indicado ao Cleveland International Film Festival.

Pablo Aluísio.

Rush - No Limite da Emoção

A Rede Globo vai exibir esse filme hoje em Supercine. É mais um excelente filme que mostra um interessante capítulo da história da Fórmula 1. Curioso que produções como essa estão se tornado cada vez mais comuns, um tipo de filme biográfico esportivo que ultimamente tem cada vez mais chamado a atenção dos cinéfilos e fãs de esportes. Pois bem, na trama vemos a rivalidade histórica que surgiu entre dois pilotos da F1, James Hunt (Chris Hemsworth) e Niki Lauda (Daniel Brühl). O primeiro um mulherengo incorrigível, um sujeito fanfarrão que adorava festas e diversão. O segundo um piloto arrojado, disciplinado, que fazia das pistas seu objetivo de vida. Do choque de duas personalidades tão diferentes surge uma concorrência marcada por brigas, mas também por respeito e admiração mútuas. Eu não conhecia essa história, o que tornou o filme como um todo ainda mais interessante.

Apesar de não ser tão velho ainda me lembro de Niki Lauda nas pistas. Na época ele já trazia as marcas que deformaram seu rosto após um grave acidente (que inclusive é mostrado no filme). Já James Hunt realmente não cheguei a conhecer, pois ele, impulsivo e indisciplinado, já tinha deixado as corridas quando me dei conta da existência da Fórmula 1. Esse filme procura transitar justamente do choque entre esportistas tão diferentes entre si durante o campeonato de 1976. É um belo drama esportivo, muito bem conduzido, que vai no final das contas agradar aos fãs das corridas em geral bem como também ao sujeito que não liga muito para a F1 desde a morte de Senna, mas que ainda esteja disposto a assistir a um bom filme dramático. Embora Lauda seja o principal personagem do enredo quem acaba roubando a cena realmente é James Hunt, pois sua personalidade extrovertida e expansiva, termina por chamar mais a atenção do espectador. Assim deixamos a dica desse bom filme sobre esportes. Não importa se você anda cansado da Fórmula 1, no final vai gostar, não se preocupe em relação a isso.

Rush - No Limite da Emoção (Rush, Inglaterra, Alemanha, 2013) Estúdio: Imagine Entertainment / Direção: Ron Howard / Roteiro: Peter Morgan / Elenco: Daniel Brühl, Chris Hemsworth, Olivia Wilde / Sinopse: O filme conta a grande rivalidade surgida nas pistas de Fórmula 1 envolvendo os famosos pilotos James Hunt (Chris Hemsworth) e Niki Lauda (Daniel Brühl). Filme indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama e Melhor Ator Coadjuvante (Daniel Brühl).

Pablo Aluísio.

Déjà Vu

Título no Brasil: Déjà Vu
Título Original: Deja Vu
Ano de Produção: 2006
País: Estados Unidos
Estúdio: Touchstone Pictures
Direção: Tony Scott
Roteiro: Bill Marsilii, Terry Rossio
Elenco: Denzel Washington, Val Kilmer, Paula Patton, Jim Caviezel, Elle Fanning, Bruce Greenwood

Sinopse:
Uma balsa é explodida em um atentado terrorista em New Orleans. Mais de 500 pessoas são mortas, entre eles marinheiros e familiares. Para investigar o caso é enviado o agente Agente Especial Doug Carlin (Denzel Washington). Ele começa as investigações e descobre que há um meio de voltar ao passado, para reviver os acontecimentos e quem sabe mudá-los!

Comentários:
Esse filme é uma produção de Jerry Bruckheimer, então meio que você sabe tudo o que vai acontecer. Muitas explosões, muitas cenas de ação. Um verdadeiro Deja Vu! O diferencial é que essa fita foge um pouco do lugar comum ao investir em um roteiro mais diferenciado, com toques de ficção (puro Sci-fi!). Isso porque há um programa especial do governo que consegue ver o passado com nitidez. Chamado de "Branca de Neve" ele consegue recriar todos os acontecimentos envolvendo o ato terrorista. E vai além disso, se for bem manipulado! Particularmente gostei desse filme, mas devo dizer que com certas reservas. Nem sempre a ideia principal do roteiro funciona muito bem. Em alguns momentos inclusive achei tudo muito forçado, causando um certo cansaço. É aquele tipo de enredo que exige muita boa vontade do espectador para embarcar em suas propostas (que são bem complicadas de engolir em um primeiro momento). Tecnicamente porém tudo é muito bem realizado. O diretor Tony Scott (que se matou em 2012) era um especialista nesse tipo de blockbuster. Já o elenco traz além de um sempre competente Denzel Washington, outro astro carismático, Val Kilmer. Ele trabalhou ao lado de Scott em "Ases Indomáveis" e aqui repetiu a bem sucedida parceria. Então é isso, um filme que pode ser considerado até bom, isso se você conseguir abraçar todas as situações inusitadas criadas por esse roteiro diferente. 

Pablo Aluísio.

Pastoral Americana

Título no Brasil: Pastoral Americana
Título Original: American Pastoral
Ano de Produção: 2016
País: Estados Unidos
Estúdio: Lakeshore Entertainment
Direção: Ewan McGregor
Roteiro: John Romano
Elenco: Ewan McGregor, Jennifer Connelly, Dakota Fanning, Valorie Curry, Molly Parker, Rupert Evans

Sinopse:
Baseado no livro escrito por Philip Roth, o filme conta a história de um casal tradicional que nos anos 60 precisa enfrentar a radicalização política da própria filha. Ela se une a outros jovens, todos militantes de uma esquerda radical, para cometer atos de terrorismo, implantando bombas em estabelecimentos comerciais, levando inocentes à morte. 

Comentários:
Esse é o primeiro filme dirigido pelo ator Ewan McGregor. Ele já havia feito uma experiência antes nesse sentido para a televisão, mas agora ele se arrisca pela primeira vez na direção de uma produção para o cinema. O resultado ficou muito bom, aliás iria além, diria que é mesmo surpreendente. O roteiro é muito interessante pois explora o perigo que existe quando uma jovem é doutrinada em ideias radicais de extrema esquerda. Durante os anos 60, a garota Merry Levov (Dakota Fanning) decide entrar em um grupo radical, que a pretexto de protestar contra a guerra do Vietnã, começa a promover atos de terrorismo, colocando bombas em lugares públicos. Os seus pais, Swede Levov (Ewan McGregor) e sua esposa Dawn (Jennifer Connelly), entram em desespero quando descobrem tudo... mas o que poderiam fazer? Pessoas queridas na comunidade, gente de bem, que de repente se vê cercada pelo FBI, dentro de sua própria casa, procurando por pistas da própria filha, agora uma terrorista caçada pela agência de investigação. Esse roteiro tem uma grande lição a passar. Em dias de polaridade política extrema em que vivemos ele demonstra os perigos do pensamento fundamentalista e da radicalização política. A jovem interpretada pela atriz Dakota Fanning, que sempre foi uma pessoa graciosa, de repente se transforma em um poço de ideias radicais, se voltando até mesmo contra seus próprios pais e a comunidade em que sempre viveu. Com isso acabou destruindo sua família. Toda a sua história é contada em flashback, quando um veterano decide ir a uma festa de reunião de antigos alunos da escola local e descobre o que aconteceu com um dos estudantes mais promissores da sua época, justamente o "sueco", interpretado por Ewan McGregor. Bom filme, valorizado por sua mensagem mais do que relevante nos dias atuais.

Pablo Aluísio.

Doce Lar

A Rede Globo vai exibir esse filme hoje na Sessão da Tarde. O enredo é bem simples. Melanie Smooter (Reese Witherspoon) fica eufórica quando é pedida em casamento pelo boa pinta e partidão Andrew Hennings (Patrick Dempsey). Só tem um probleminha que ela precisa resolver antes de aceitar o maravilhoso pedido: resolver seu antigo casamento pois ela ainda não conseguiu se divorciar do caipirão Jake Perry (Josh Lucas). Assim ela resolve fazer uma viagem rápida à cidade natal no Alabama para formalizar seu divórcio do primeiro casamento, mas... voltar para o antigo lar acaba mexendo completamente com ela, ao relembrar sua antiga vida e os amores do seu passado.

De maneira geral é uma simpática comédia romântica cujo roteiro se baseia nas diferenças regionais dos estados americanos. Reese Witherspoon, sulista de nascimento como sua personagem (a atriz nasceu em  New Orleans, na Louisiana), encarna uma garota do Alabama que consegue dar a volta por cima na cidade grande, mas que precisa retornar ao seu "lar" no Alabama para "consertar" um pequeno problema em seu estado civil. Eu costumo dizer que Reese Witherspoon nem é tão carismática e passa longe de ser uma maravilhosa atriz, mas tem um talento e tanto para escolher os filmes certos a estrelar. Veja o caso desse aqui, uma comédia romântica até despretensiosa, de orçamento meramente mediano (custou pouco mais de 30 milhões de dólares, uma pechincha, tendo Reese como uma das produtoras) e que acabou faturando muito bem nas bilheterias americanas. A fotografia é bonita, os figurinos são de bom gosto e se no final ficamos com aquele sentimento de termos visto uma obra vazia, mas bonitinha. Tudo bem, valeu o tempo perdido. Já para os fãs da atriz o filme é uma indicação certeira pois a personagem do filme tem muito dela mesma.

Doce Lar (Sweet Home Alabama, Estados Unidos, 2002) Estúdio: Touchstone Pictures / Direção: Andy Tennant / Roteiro: Douglas J. Eboch, C. Jay Cox / Elenco: Reese Witherspoon, Patrick Dempsey, Josh Lucas, Candice Bergen / Sinopse: Garota do sul, que conseguiu vencer na cidade grande, precisa voltar para sua cidade natal para se acertar com seu ex-marido antes de se casar novamente. Filme indicado ao MTV Movie Awards e ao Teen Choice Awards na categoria de Melhor Atriz (Reese Witherspoon).

Pablo Aluísio.

Borboleta Negra

Gostei bastante desse novo thriller de suspense. De certa maneira seu roteiro me lembrou até mesmo de "Misery - Louca Obsessão", aquele bom filme baseado na obra de Stephen King. Pois bem, as semelhanças são bem óbvias. A história conta a crise de criatividade que se abate sobre Paul (Antonio Banderas), um escritor. No passado ele fez sucesso com seus livros, sendo aclamado muito jovem por público e crítica. Depois desse começo arrebatador veio a crise. Ele entrou em um período ruim, onde não conseguia criar mais nada que fosse relevante. Com isso sua carreira entrou em declínio, sua esposa o deixou e ele resolveu se isolar, indo morar numa velha casa no meio do campo, sem nada e nem ninguém por perto. Isolamento completo. Numa manhã acaba resolvendo dar uma carona a um andarilho, Jack (Jonathan Rhys Meyers). Pouco tempo antes esse mesmo Jack o havia defendido de um caminhoneiro truculento em um bar da cidade.

Agora, para retribuir o favor, Paul resolve dar uma mão ao sujeito. Mais do que isso, o convida para ir em sua casa, tomar um banho, descansar um pouco. Só que Paul nem desconfia que Jack pode ser um homem bem perigoso. Se ouvisse as notícias que circulam na região, sobre um violento serial killer, teria mais consciência da armadilha que estaria se metendo. Falar mais seria estragar as surpresas do roteiro, que aliás usa e abusa de reviravoltas. Para se ter uma ideia com dez minutos de seu final a trama tem uma grande reviravolta, dessas de deixar todos com o queixo caído. E não fica por aí. No minuto final, mais uma enorme reviravolta! Penso que apesar de todas essas surpresas serem até bem boladas, não era necessário tanta montanha russa. Mesmo assim a diversão estará garantida. A dupla central é muito boa. Tudo bem que acreditar que Antonio Banderas seja um intelectual em crise seja um pouco demais, porém tudo é compensado pela boa atuação de Jonathan Rhys Meyers. Ele está bem magro e com aspecto ameaçador. O ator teve recentes problemas com drogas, o que acabou, mesmo de forma indireta, ajudando em seu trabalho. Então é isso, um bom thriller de suspense que faria até mesmo Stephen King assinar embaixo.

Borboleta Negra (Black Butterfly, Estados Unidos, Espanha, 2017) Direção: Brian Goodman / Roteiro: Marc Frydman, Justin Stanley / Elenco: Antonio Banderas, Jonathan Rhys Meyers, Piper Perabo / Sinopse: Escritor em crise, dominado pelo alcoolismo, entra em uma armadilha mortal ao resolver dar carona a um andarilho das estradas que conheceu em um bar local. O sujeito logo o joga em uma situação de vida e morte dentro de uma cabana perdida no meio do nada. Filme indicado ao Madrid International Film Festival.

Pablo Aluísio.

A Garota Húngara

Szebeni Kató (Laura Döbrösi) é uma pobre garota vinda do interior que chega na capital em busca de trabalho. Não está fácil, ela é jovem, não tem experiência e nem cartas de recomendação de empregos anteriores. Para ela é uma questão crucial arranjar logo alguma forma de sobrevivência pois o inverno chegou e ela não tem onde morar. Solidária com sua situação, a governante de uma atriz e cortesã resolve lhe dar o emprego de doméstica. Sua nova patroa, Mágnás Elza (Patricia Kovács), vive de explorar os sentimentos de um homem mais velho, apaixonado por ela. Elza está ficando cada dia mais velha, perdendo o clamor da juventude, então para ela fica cada vez mais evidente que é preciso tirar o maior proveito daquele sujeito enquanto ele ainda tem interesse nesse caso romântico (no fundo, pura prostituição mesmo, pois ela não o ama).

 Gostei desse filme produzido na Hungria. Não é muito fácil encontrar produções feitas no leste europeu, ainda mais dessa qualidade. O enredo tem um toque de decadência moral, mostrando uma jovem inocente vindo do interior tendo que agora lidar com uma nova vida, com a sordidez de um ambiente onde sua patroa explora um velho rico, visando única e exclusivamente tirar dinheiro dele. Ela quer fazer um filme sobre Joana D´Arc (pois é uma atriz frustrada) e a única forma de levantar esse dinheiro é depenando ainda mais o velho babão que é apaixonado por ela. Não demora e Elza percebe que sua nova empregada é bonitinha e daria uma bela prostituta também, só que a garota é religiosa, procura sempre andar no bom caminho. Porém, sendo pobre demais e sem perspectivas de um futuro melhor, até onde ela vai resistir a vender seu próprio corpo em troca de favores, luxo e dinheiro? Então é isso. Um bom drama, com algumas cenas mais picantes (nada vulgares), mostrando como até mesmo as mulheres mais virtuosas podem balançar em suas convicções quando a pobreza bate à porta!

A Garota Húngara (Félvilág, Hungria, 2015) Direção: Attila Szász / Roteiro: Norbert Köbli / Elenco: Patricia Kovács, Dorka Gryllus, Laura Döbrösi / Sinopse: Jovem e inocente garota vinda do interior acaba arranjando um emprego de doméstica na casa de uma atriz frustrada que vive como cortesã de um homem rico. Logo a nova patroa percebe que sua nova criada é bem bonita, que poderia lhe render bem como a nova prostituta da cidade. A garota porém está decidida a resistir seguir por esse caminho.

Pablo Aluísio.

Na Mira do Atirador

Apenas razoável esse novo filme de guerra produzido pelo recentemente inaugurado Amazon Studios. Tudo se passa nos últimos dias da intervenção americana no Iraque. Dois soldados da força Ranger são enviados para um posto avançado na tentativa de localizar um sniper (atirador de elite) iraquiano. Eles passam então um longo tempo camuflados esperando localizar o inimigo, mas em vão. Cansados, acabam abrindo guarda e um deles é logo atingido por um tiro certeiro. O outro se fere e procura abrigo em um pequeno muro de uma escola em ruínas. O sniper iraquiano então começa a entrar em contato com ele pelo rádio, dando origem a uma guerra psicológica entre os dois.

É aquele tipo de roteiro que explora uma situação única. Tudo se passa em pouco tempo, com o soldado americano encurralado pelo atirador de elite das forças inimigas, tentando sobreviver aos tiros e ao calor infernal daquele deserto. Até que em alguns momentos o filme apresenta boas cenas, mas no geral não consegue sair muito do lugar comum. O atirador iraquiano nunca aparece, apenas sua voz é ouvida. Ele parece também ser um sujeito bem sádico e ao mesmo tempo bem inteligente pois consegue abater vários soldados americanos. Igualmente é um mestre na camuflagem, nunca sendo localizado pelos rangers. De certa maneira o roteiro dá muito destaque ao sniper inimigo, algo que causa surpresa pois afinal é uma produção americana que deveria colocar os seus como os heróis do filme. Ao contrário disso eles viram patinhos, alvos ambulantes para o muçulmano. Não é algo muito fácil de encontrar em filmes desse tipo. Fora isso é apenas uma fita de guerra mais convencional, que até consegue agradar um pouco, se você não for muito exigente.

Na Mira do Atirador (The Wall, Estados Unidos, 2017) Direção: Doug Liman / Roteiro: Dwain Worrell / Elenco: Aaron Taylor-Johnson, John Cena, Laith Nakli / Sinopse: Dois soldados americanos da força Ranger do exército acabam encurralados por um atirador de elite iraquiano que já matou diversos militares inimigos durante a intervenção americana no Iraque. Filme indicado ao Golden Trailer Awards na categoria cinema independente.

Pablo Aluísio.

O Atirador

Até que gostei desse novo western chamado no Brasil de "O Atirador". O roteiro explora uma situação já bem conhecida em filmes de faroeste: a caçada humana! No enredo temos um fugitivo, Jasper Mudd (Orson Ossman), que após matar um xerife que o perseguia vai parar em um rancho bem distante e isolado. Lá encontra uma mulher sozinha. O marido dela está fora, na cidade mais próxima. Quando matou o xerife esse criminoso pegou suas roupas, sua estrela de prata e documentos... assim se apresenta para a rancheira como um homem da lei. Só que ele está ferido pois levou um tiro no ombro e tem apenas uma bala no tambor de seu revólver. Todo cuidado é pouco, ainda mais ao descobrir que em seu encalço vem um detetive frio e calculita, Eugene Stockton (Chris Voss), que está disposto a pendurá-lo na árvore mais próxima.

Então a trama segue basicamente por esse caminho. O pistoleiro foragido é interpretado pelo ruivo Orson Ossman, que também assina a direção do filme. Ele parece ser uma pessoa bem frágil, algo que fica ainda mais evidente por ter sido ferido e estar sangrando. Há algumas cenas muito boas, como o duelo de Mudd contra dois outros bandoleiros que ele encontra por acaso. Os foras-da-lei estão com seu cavalo. Logo começa um violento acerto de contas. Embora não apresente uma bela produção (o filme foi feito para venda direta ao consumidor e exibição em canais a cabo), esse aspecto não chega a atrapalhar. Há boa movimentação, cenas realmente interessante e um enredo que faz você ficar ligado nos acontecimentos até o final. Desses novos filmes é um dos que mais me deixaram satisfeito com o resultado final.

O Atirador (Estados Unidos, 2016) Direção: Orson Ossman, Tyler Graham Pavey / Roteiro: Orson Ossman, Tyler Graham Pavey / Elenco: Orson Ossman, Chris Voss, Martha Magruder, Eric Roberts / Sinopse: Após um assalto a banco o criminoso Jasper Mudd (Orson Ossman) passa a ser perseguido por um xerife (interpretado por Eric Roberts). Jasper consegue matá-lo, fugindo com suas roupas e pertences. Fazendo-se passar por homem da lei chega em um rancho onde encontra uma mulher sozinha. Ele tem planos para isso, mas antes precisa se livrar de um detetive, um agente especial, que quer enforcá-lo de todas as formas.

Pablo Aluísio.

King Kong

Para muitos quando se fala no "King Kong original" o que lhe vem na cabeça é justamente essa versão dos anos 70. Também pudera, o verdadeiro filme original sobre o gorila gigante é da década de 30, quando esses nem eram nascidos. Esse também é o meu caso. O primeiro filme com o personagem King Kong que assisti foi justamente esse. É uma produção do famoso produtor Dino De Laurentiis feito em parceria com a Paramount Pictures. Dino havia comprado os direitos do gorilão dois anos antes. Inicialmente ele pensou em rodar um filme em Roma, mas com o interesse dos americanos ele resolveu produzir o filme em Hollywood mesmo. Embora King Kong tivesse sido explorado em uma série de filmes japoneses (ao estilo trash), De Laurentiis queria uma produção classe A, para ser lançado no natal daquele ano.

Para modernizar a história tudo foi mudado, mantendo-se apenas as linhas básicas da trama. No primeiro filme tudo se passava na década de 30 (algo que seria mantido por Peter Jackson anos depois em sua versão), mas aqui o enredo se passa na atualidade. Kong não enfrenta mais aviões antigos, da I Guerra Mundial (os teco-tecos nostálgicos), mas sim aviões modernos. Ele também não sobe no Empire State, mas sim no World Trade Center (as torres gêmeas que seriam destruídas em 11 de setembro). O elenco também tinha atrativos. Jeff Bridges, ainda bem jovem e com cabelão, chamava a atenção, porém quem roubava a cena era mesmo a loira Jessica Lange, no auge de sua beleza. Suas cenas sensuais até hoje chamam a atenção. No final o diretor John Guillermin realmente fez um belo trabalho. Haveria ainda uma continuação, já nos anos 80, mas dessa é melhor esquecer.

King Kong (King Kong, Estados Unidos, 1976)  Direção: John Guillermin / Roteiro: James Ashmore Creelman, Ruth Rose / Elenco: Jeff Bridges, Charles Grodin, Jessica Lange / Sinopse: Um grupo avançado acaba descobrindo numa ilha remota do pacífico um monstro, um gorila gigante chamado King Kong. Eles então resolvem levá-lo de volta à civilização para explorar economicamente suas aparições públicas, mas tudo acaba saindo do controle, levando caos e destruição a Nova Iorque. Filme vencedor do Oscar na categoria de Melhores Efeitos Especiais (Carlo Rambaldi, Glen Robinson e Frank Van der Veer). Também indicado nas categorias de Melhor Fotografia (Richard H. Kline) e Melhor Som. Vencedor do Globo de Ouro na categoria de Melhor Atriz (Jessica Lange).

Pablo Aluísio.

Dragnet - Desafiando o Perigo

Complicado entender o porquê desse filme não ter dado certo. Já nos anos 80 quando o aluguei pela primeira vez já o achei muito fraquinho, completamente sem graça. O curioso é que havia dois comediantes excelentes formando a dupla principal do filme, Dan Aykroyd e Tom Hanks. Aykroyd estava no pique do sucesso em sua carreira no cinema, ainda aproveitando os frutos do sucesso de "Caça-Fantasmas". Já Hanks ainda era bem jovem, mas já havia se tornado um ator bem conhecido, principalmente por filmes como "Splash - Uma Sereia em Minha Vida", "Um Dia a Casa Cai" e "A Última Festa de Solteiro". Por essa época ele era apenas um comediante e não havia começado sua carreira como ator dramático. Como se não bastasse a presença dos dois ainda havia gente como Christopher Plummer no elenco de apoio...

Mas nem isso, nem o fato de ser um remake de uma série policial de sucesso do passado, ajudou o filme. É tudo muito inofensivo, sem sal, fraco demais... essa é a palavra! Basicamente é uma comédia policial onde Dan Aykroyd interpreta o tira certinho (beirando a obsessão, seguindo à risca as regras) e Hanks é o policial mais deslocado, malandro, com jogo de cintura. E com tudo isso sob a mesa pouca coisa ainda funciona. Acredito que o que estragou o filme foi a trama, muito clichê! Eles deveriam ter escolhido uma estorinha melhor, afinal se "Dragnet" havia sido uma série certamente havia algo melhor em seus vários episódios para adaptar. Do jeito que ficou acabou sendo um tremendo desperdício de tempo, dinheiro e talento. O que era para ser o primeiro de uma série de filmes acabou parando por aqui mesmo. Faltou mesmo gás nessa adaptação.

Dragnet - Desafiando o Perigo (Dragnet, Estados Unidos, 1987) Direção: Tom Mankiewicz / Roteiro: Dan Aykroyd, Alan Zweibel  / Elenco: Dan Aykroyd, Tom Hanks, Christopher Plummer / Sinopse: Dois policiais de Los Angeles resolvem se unir para solucionar um mistério envolvendo um crime que parece ser sem solução. Para isso eles acabam usando dos meios mais incomuns para prender os verdadeiros culpados.

Pablo Aluísio.

A Última Ressaca do Ano

Parece uma comédia dos anos 80. De certa forma me lembrou até mesmo de "A Última Despedida de Solteiro", porém de forma menos picante e com menos piadas sexistas. A história é bem básica. Uma filial de uma empresa de tecnologia está prestes a ser fechada. Para evitar que isso aconteça é bolada uma enorme festa de fim de ano, daquelas bem chatas que são feitas em escritórios, para ver se um cliente fecha contrato com eles. Esse contrato milionário salvaria a filial e preservaria o emprego de todo mundo. Bom, quem conhece comédias americanas sabe bem onde tudo isso vai dar. As coisas vão fugindo do controle até que a tal festa de natal se torna um caos completo.

É uma fita divertida, não se pode negar. Comédias assim andam bem raras. O roteiro é esperto, tem excelentes tiras de humor. Muito do que se vê de engraçado vem daquele tipo de situação constrangedora que acaba virando piada no dia seguinte. Os tipos que trabalham no escritório são bem clichês, mas isso é basicamente o que se precisa para fazer um roteiro engraçado. O politicamente correto acaba servindo também de instrumento de humor, principalmente pela personagem que trabalha nos recursos humanos da empresa, sempre preocupada com o que se diz e se fala dentro do escritório. T.J. Miller é um dos donos do escritório, um cara boa praça que praticamente arruinou a filial por ser basicamente muito gente boa com seus empregados. Jennifer Aniston é sua irmã, que quer fechar a empresa de todo jeito para economizar custos. Por fim, fechando o trio principal de personagens, temos Jason Bateman como o supervisor, amigo de Miller, que dá apoio a todas as suas criancices. Então é isso. Curti e me diverti. Uma comédia que não aborrece e nem enche a sua paciência. Já está bom demais assim.

A Última Ressaca do Ano (Office Christmas Party, Estados Unidos, 2016) Direção: Josh Gordon, Will Speck / Roteiro: Justin Malen, Laura Solon / Elenco: Jason Bateman, Jennifer Aniston, T.J. Miller, Olivia Munn / Sinopse: Para conquistar um cliente novo e evitar que a filial de uma empresa seja fechada, é criada uma enorme festa de fim de ano, só que as coisas rapidamente fogem do controle.

Pablo Aluísio.

Celebridades

Nos anos 70 Woody Allen dirigiu uma série de filmes bem autorais. Os roteiros eram bem intelectualizados e o humor refinado. Acontece que naquela época o diretor tinha um produtor rico, um tipo de mecenas, que sempre bancava a produção de seus filmes. Mesmo que essas produções não trouxessem grandes bilheterias ou até mesmo se viessem a se tornar fracassos, não importava. O mecenas estava lá para bancar Allen e sua filmografia. Nos anos 90 ele morreu. Assim Woody Allen precisou se mexer novamente, fazer filmes mais comerciais, que trouxessem retorno financeiro aos estúdios. Esse "Celebridades" é dessa segunda fase. Allen deixou as obras mais autorais de lado, encheu seus filmes de atores conhecidos e estrelas de Hollywood (que participavam quase de graça em suas obras pelo simples prestígio de trabalhar nelas) e mudou seu estilo de fazer cinema.

Eu nunca gostei muito desses filmes da segunda fase do diretor. Eles são artificiais demais, com roteiros mais bobos, mais simples, tudo para abrir espaço a uma constelação de atores famosos. A maioria desses filmes trazem roteiros mosaicos, com várias histórias se desenvolvendo ao mesmo tempo, se encontrando apenas no final. Algo cansativo e que nem sempre funciona direito. Como o próprio nome desse filme indicava, Allen resolveu reunir um grupo de celebridades do cinema, com direito a  Leonardo DiCaprio e Charlize Theron em papéis menores, servindo como coadjuvantes de alto luxo. No saldo final tudo é bem fraco. Allen até tentou se justificar, dizendo que o roteiro servia como uma crítica ao mundo das celebridades, mas sabemos que o que ele queria mesmo era fazer boa bilheteria. Sem o velho e bom mecenas era hora de arregaçar as mangas e fazer sucesso a todo custo. Por fim um detalhe curioso: no elenco temos uma participação especial de Donald J. Trump, ele mesmo o atual presidente dos Estados Unidos! Naquela época ele era apenas mais uma celebridade espalhafatosa e ninguém poderia supor que um dia iria se tornar presidente!

Celebridades (Celebrity, Estados Unidos, 1998) Direção: Woody Allen / Roteiro: Woody Allen / Elenco:  Leonardo DiCaprio, Charlize Theron, J.K. Simmons, Joe Mantegna, Kenneth Branagh, Judy Davis, Donald J. Trump / Sinopse: Um grupo de casais, alguns deles formados por celebridades, passa por inúmeras crises em seus casamentos, tudo desandando para uma série de divórcios escandalosos.

Pablo Aluísio.

As Confissões

Durante uma reunião de cúpula do FMI (Fundo Monetário Internacional) surge um monge da ordem dos cartuxos. No começo ninguém entende nada, pois a presença dele no meio daqueles banqueiros e executivos do sistema financeiro não faz muito sentido. Ele está ali a convite. Um dos executivos do FMI o convidou pessoalmente pois ele quer fazer uma confissão em seu próprio quarto, durante as reuniões. Na mesma noite em que o monge ouve sua confissão o tal figurão acaba se matando com um saco plástico na cabeça. Assim a polícia começa as investigações, tendo como principal suspeito o próprio monge, já que ele foi o último a ver o banqueiro com vida. Haveria alguma ligação do religioso com a morte?

Filme italiano bem interessante. No começo você pensa se tratar de um roteiro ao estilo Agatha Christie, onde um grupo de pessoas se torna suspeita de uma morte misteriosa. Afinal a morte do executivo do FMI poderia sugerir uma cena plantada, com um suposto suicídio encobrindo um assassinato. Nesse caso as suspeitas recairiam sobre o monge cartuxo. Esse porém não é o caminho seguido pelo roteiro. Ao contrário de seguir por esse tipo de trama (o que seria de certa forma banal) o roteiro tenta trazer algumas reflexões mais profundas, de origem espiritual, grande parte delas fundadas na extrema contradição de termos um religioso no meio de um bando de tubarões do mercado financeiro, pessoas extremamente gananciosas, materialistas, enquanto o pobre religioso, que fez voto de pobreza, acha tudo aquilo um exercício de futilidade e banalidade. Afinal para que juntar tesouros na terra se todos vamos virar pó um dia? No final o roteiro ainda abre margem para uma pequena insinuação de natureza divina, mas quando chegamos nesse ponto do filme tudo já está consumado, de forma bem satisfatória aliás.

As Confissões (Le confessioni, Itália, França, 2016) Direção: Roberto Andò / Roteiro: Roberto Andò, Angelo Pasquini / Elenco: Toni Servillo, Daniel Auteuil, Pierfrancesco Favino / Sinopse: Monge da ordem dos cartuxos é convidado para participar de uma reunião de cúpula do FMI. Ele chega para tomar a confissão de um dos executivos, um homem que tem planos de se matar exatamente durante as reuniões dos membros do sistema financeiro internacional. Filme indicado ao David di Donatello Awards e ao Italian National Syndicate of Film Journalists.

Pablo Aluísio.

Revelação

Ao longo de uma carreira bem produtiva, com muitos filmes, Harrison Ford atuou nos mais diversos gêneros cinematográficos. Aqui ele resolveu arriscar estrelar um filme de terror e suspense, algo que nunca havia sido habitual em sua filmografia. Aliás não me lembro de nenhum outro filme de Ford nesse gênero, apenas esse. Pena que não deu certo. O roteiro explora uma trama mal escrita, envolvendo fantasmas e espíritos que surgem nas sombras. Nada muito original ou assombroso, o que para um filme que vinha com proposta de causar sustos era uma péssima notícia.

Outro novato nessa área era o diretor Robert Zemeckis. Pupilo de Steven Spielberg, Zemeckis nunca havia dirigido um filme de terror antes em sua carreira. Ele sempre será lembrado pela trilogia "Back to the Future" (De Volta para o Futuro), uma ficção bem humorada, com fartas doses de pura diversão. Assim, no final das contas esse "Revelação" trazia dois veteranos no cinema, mas novatos no pantanoso terreno dos filmes de terror. Faltou experiência na área, impossível negar. Para não dizer que o filme foi um desperdício total de dinheiro e talentos envolvidos, podemos pelo menos elogiar a beleza de Michelle Pfeiffer, que pelo menos teve algumas cenas para nos despertar do tédio absoluto. Detalhe curioso: a banheira, marca registrada dessa produção, foi distribuída em versão miniatura para as locadoras da época. Um marketing bem bolado. Pena que o filme em si não ajudou em nada.

Revelação (What Lies Beneath, Estados Unidos, Inglaterra, 2000) Direção: Robert Zemeckis / Roteiro: Clark Gregg, Sarah Kernochan / Elenco: Harrison Ford, Michelle Pfeiffer, Katharine Towne / Sinopse: Claire (Michelle Pfeiffer), esposa do renomado Dr. Norman Spencer (Harrison Ford), começa a ouvir e sentir a presença de espíritos desconhecidos em sua casa, entre eles uma mulher falecida que passa a surgir durante as madrugadas pelo local, causando pânico em Claire. Para o médico porém tudo não passaria de meras ilusões criadas em sua mente.

Pablo Aluísio.

Guardiões da Galáxia Vol. 2

A Marvel voltou a acertar no cinema com esse segundo filme da franquia "Guardians of the Galaxy". Não deixa de ser irônico o fato da empresa estar acertando tanto no cinema e errando também tanto na mesma proporção em seu próprio universo, a dos quadrinhos. Como se sabe a Marvel fez uma remodelação radical de seus personagens nesse ano e conseguiu desagradar a todo mundo. Com vendas baixas, está mais uma vez tentando consertar seus erros. Isso, claro, nos quadrinhos, porque no cinema o estúdio tem acertado cada vez mais. Esse é mais um bom filme para provar isso. Mesmo que você não tenha a menor ideia do que seja esse grupo chamado Guardiões da Galáxia, vai acabar no mínimo se divertindo no final. Outro ponto positivo: não é necessário ter visto o primeiro filme, pois esse aqui funciona perfeitamente bem sozinho.

A trama gira em torno do fato de que Peter Quill (Chris Pratt) finalmente encontrou seu pai! E ele é nada mais, nada menos, do que Kurt Russell! Brincadeiras à parte, é isso mesmo. Russell interpreta um sujeito chamado Ego. No começo parece ser mais um viajante espacial, um cara boa praça, muito amigável. Só que no fundo ele é uma espécie de deus antigo que tem ambições nada sutis sobre o universo. Colocar Kurt Russell no elenco foi certamente uma das melhores decisões dos produtores, porque esse veterano das telas, de tantos filmes de ação, acaba sendo um chamariz a mais para um público mais velho se interessar em assistir a esse filme. E por falar em filmes de ação dos anos 80, os fãs desse estilo terão outra surpresa com a participação especial de Sylvester Stallone. Tudo bem, ele só tem duas cenas no filme inteiro, mas que não deixam de agradar aos cinéfilos que cresceram vendo seus filmes. Em termos de produção também não há o que reclamar. A direção de arte optou por um universo muito colorido, com uso de toneladas de efeitos especiais de bom gosto (o que era previsível). O roteiro também está bem OK, com trama interessante, se fechando muito bem no final. Então é isso, mais um acerto da Marvel nos cinemas. Um filme divertido, que vai agradar tanto aos leitores de quadrinhos, como aos espectadores que só gostam de cinema.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 (Guardians of the Galaxy Vol. 2, Estados Unidos, 2017) Direção: James Gunn / Roteiro: James Gunn, Dan Abnett / Elenco: Chris Pratt, Kurt Russell, Sylvester Stallone, Zoe Saldana, Dave Bautista, Vin Diesel, Bradley Cooper, Michael Rooker / Sinopse: Peter Quill (Chris Pratt) nunca conheceu seu pai. Durante mais uma viagem pela galáxia acaba encontrando com Ego (Kurt Russell) que se apresenta como seu pai perdido. Ele teve um romance com a mãe de Peter na Terra e desse relacionamento Quinn nasceu. Só que Ego não é uma pessoa comum, ele é uma antiga entidade, com poderes realmente divinos. Filme vencedor do Golden Trailer Awards, indicado ao Teen Choice Awards.

Pablo Aluísio.

O Bebê de Bridget Jones

Esse é o terceiro e ao que tudo indica último filme dessa franquia "Bridget Jones". O primeiro foi lançado em 2001 e se chamava "O Diário de Bridget Jones". Segue sendo sem dúvida o melhor de todos. Renée Zellweger estava linda e carismática no papel, inclusive superando todas as críticas que vinha sofrendo por ser uma americana interpretando uma personagem tão inglesa! Depois desse tivemos o fraco "Bridget Jones: No Limite da Razão" em 2004. Uma sequência bem decepcionante. Agora finalmente temos mais uma continuação, 13 anos depois do último filme! Nem é preciso dizer que já está um pouco tarde demais para seguir em frente. Eu não gosto de falar da aparência física das pessoas, mas o fato é que nesse meio tempo entre os dois filmes a atriz Renée Zellweger fez uma cirurgia plástica que simplesmente mudou as feições do seu rosto! Uma coisa de louco! Aquela simpática loirinha texana, de bochechas rosadas, não existe mais. No lugar dela surgiu uma nova Renée Zellweger com uma aparência estranha, nada bonita e nem simpática. Carisma zero! Mostra bem como procedimentos de cirurgias plásticas podem ser danosos e desastrosos! Ao reencontrar Renée nas telas quase nem a reconheci direito! Só nessa sensação estranha já se foi grande parte da graça do filme!

Aliás por se tratar de uma comédia era de se esperar que fosse ao menos engraçado. Esse é outro problema sério dessa produção. O filme não tem graça nenhuma. É muito chato! A personagem Bridget Jones inclusive perde toda a sua essência, se transformando numa mulher cheia de complexos, tentando se casar, ter um filho, ou seja, seguir aquela velha ladainha imposta pela sociedade às mulheres, como se uma mulher não pudesse ser feliz solteira e sem filhos! Assim ela começa a agir como uma adolescente meio boboca e fica grávida, mas sem saber quem seria exatamente o pai de seu filho. Os candidatos são o seu antigo namorado Mark Darcy (Colin Firth) que inclusive está casado ou o bonitão Jack (Patrick Dempsey) que ela acabou de conhecer em um festival de música. E basicamente é isso. Nada muito bem bolado, nada muito original, apenas a saturação de uma série de filmes que já deu o que tinha que dar após todos esses anos. Para piorar o péssimo roteiro ainda temos que lidar com a mudança radical do rosto de Renée Zellweger e o fato dela ter perdido grande parte de suas expressões faciais após tantas plásticas. Um desastre! Enfim, uma situação constrangedora e nada divertida, para dizer o mínimo.

O Bebê de Bridget Jones (Bridget Jones's Baby, Estados Unidos, Inglaterra, 2016) Direção: Sharon Maguire / Roteiro: Helen Fielding, Dan Mazer / Elenco: Renée Zellweger, Colin Firth, Patrick Dempsey, Emma Thompson / Sinopse: Bridget Joens (Renée Zellweger) descobre que está grávida, mas ao mesmo tempo não tem certeza sobre quem seria o pai da criança. Aos 42 anos de idade e cheia de dúvidas sobre seu futuro, ela tenta descobrir a paternidade da maneira menos escandalosa possível, algo que pelo seu histórico não será nada fácil de acontecer.

Pablo Aluísio.

O Círculo

"O Círculo" é um filme que critica, de forma bem mordaz, as principais empresas de tecnologia dos Estados Unidos. A história se desenvolve quando a jovem Mae (Emma Watson) vai trabalhar em uma dessas empresas (que é uma espécie de Google da ficção). No começo seu novo trabalho é bem gratificante. As pessoas são amigáveis e o ambiente de trabalho é o melhor possível. O problema é que ela também começa a perceber que há algo bem estranho na forma como as pessoas agem. Parece ser um comportamento artificial, quase psicótico, de quem quer ser "bonzinho" demais. Por trás dessa forma de agir há também uma estratégia para que ela fique o tempo todo dentro da empresa, cumprindo absurdas jornadas de trabalho, esquecendo de que precisa de um tempo livre para se dedicar aos seus familiares. Seu pai sofre de esclerose múltipla e precisa de cuidados especiais.

O principal executivo da Circle (esse é o nome da empresa no filme) é Bailey (Tom Hanks). Por fora é um sujeito simpático, boa praça, de espírito jovial. Uma espécie de Steve Jobs, um guru da tecnologia, um cara deslocado. Ele quer uma dominação tão ampla de sua empresa dentro da sociedade que chega a ser assustador para Mae. Novos produtos e programas prometem uma vigilância absurda do que ocorre em todos os lugares, invadindo obviamente a privacidade das pessoas. Inicialmente Mae aceita essa invasão em sua vida pessoal, aceitando inclusive que todos os seus passos sejam monitorados na web, por milhões de pessoas ao redor do mundo, só que o preço a se pagar por isso será obviamente caro demais. De modo em geral gostei da premissa desse filme. Ele tem uma boa postura em criticar essas empresas de tecnologia que acabam até mesmo desenvolvendo uma mentalidade de seita entre seus empregados. Além disso explora, de forma muito boa, a questão da invasão digital que vem ocorrendo na vida de cada pessoa que esteja conectada ao mundo da tecnologia. O problema é que os roteiristas não tiveram coragem suficiente de ir até o fim. O clímax de tudo é bem decepcionante, algo muito suavizado para causar impacto. Nesse caso faltou mesmo mais coragem de ir até o fundo da questão. De qualquer maneira é um bom filme, que vale a pena ser assistido. Por isso deixo a dica.

O Círculo (The Circle, Estados Unidos, 2017) Direção: James Ponsoldt / Roteiro: James Ponsoldt, Dave Eggers / Elenco: Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega / Sinopse: Mae (Watson) é um jovem que vai trabalhar numa empresa de tecnologia nos Estados Unidos e descobre que há uma estranha mentalidade de seita entre todos os que trabalham por lá. Pior do que isso, ela também descobre que um dos executivos da empresa, o simpático Bailey (Tom Hanks), pode não ser tão amigável como aparenta ser.

Pablo Aluísio.

Alta Frequência

Nesse gênero de ficção científica você vai encontrar muitos roteiros bizarros, estranhos. Afinal é um tipo de filme em que a fantasia realmente não encontra barreiras. Essa fita estrelada por Dennis Quaid sempre foi uma das mais estapafúrdias - mesmo que você tente embarcar na trama, baseada em teorias de física que de certa maneira não se sustentam na tela. Veja só que estória esquisita: Pai e filho, vivendo em épocas diferentes (com 30 anos de diferença entre um e outro) conseguem se comunicar através de ondas de rádio! Isso mesmo. O pai começa a entrar em contato com seu filho no futuro, 30 anos depois! Como isso seria possível? O roteiro não explica. Apenas deixa claro que é uma trama legal demais para ignorar? Será mesmo?

Como era de se esperar o filho vai tentar de todas as formas salvar a vida do pai no passado, afinal como ele vive no futuro ele sabe tudo o que acontecerá na vida de seu pai. Coisas estranhas então começam a acontecer. Ora, se você assistiu a "De Volta Para o Futuro" já sabe muito bem que mudar os rumos dos acontecimentos da história pode abrir um buraco espaço temporal que provavelmente irá colapsar o próprio tempo... Pois é, pense no universo como você conhece entrando em contradição consigo mesmo, ocasionando o caos completo e irreversível. Apesar do tom Sci-fi nada convencional o filme até fez um relativo sucesso, mas os produtores não quiseram o transformar em uma trilogia ao estilo dos filmes de Robert Zemeckis. E hoje, passados tantos anos, podemos dizer que foi uma decisão acertada. Esqueça isso. Apenas sintonize o canal de rádio mais próximo e solte a imaginação.

Alta Frequência (Frequency, Estados Unidos, 2000) Direção: Gregory Hoblit / Roteiro: Toby Emmerich / Elenco: Dennis Quaid, Jim Caviezel, Shawn Doyle / Sinopse: Pai e filho entram em contato através de ondas de rádio, mesmo estando em tempos diferentes, vivendo em épocas diversas, com 30 anos de diferença entre eles. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Música ("When You Come Back to Me Again" de Garth Brooks).

Pablo Aluísio.

Personal Shopper

O que é uma Personal Shopper? É um tipo de profissional que é contratado para fazer compras de roupas e joias, geralmente para celebridades que não querem fazer esse tipo de coisa. O suprassumo da futilidade. Assim quando nos deparamos com um filme chamado Personal Shopper estrelado pela atriz Kristen Stewart ficamos com a impressão de que se trata de um filme adolescente sobre a vida fútil de gente vazia. Em parte é um pouco isso, mas há mais. O roteiro, por mais estranho que isso possa parecer, vai além, transformando a protagonista numa espécie de médium que tem a capacidade de ver espíritos e em certo sentido até mesmo se comunicar com eles! Não é algo que você iria esperar de um filme como esse, não é mesmo?

As surpresas começam logo no início do filme quando a personagem de Kristen Stewart vai para uma velha casa abandonada nos arredores de Paris. O lugar tem fama de mal assombrado. Ela quer se comunicar com o seu irmão, recentemente falecido, mas a entidade que habita o lugar não tem nada a ver com ele. É um espírito negativo, que surge perante Kristen em uma cena bem feita, com muita computação gráfica. Depois disso o filme vai alternando entre a profissão dela (que ela odeia, é bom dizer) e sua busca pelo mundo espiritual. A celebridade para quem a personagem de Kristen trabalha é uma mulher insuportável, fútil e arrogante. O protótipo da pessoa vazia. Ela não gosta nada de seu trabalho, mas como os jovens europeus sofrem a cada dia mais com o desemprego, ela fica no serviço, até achar algo melhor. O filme assim tem essa característica de trazer um roteiro que você definitivamente não esperava. Não deixa de ser uma surpresa positiva. O problema porém é que depois de acompanhar toda a história com paciência você vai descobrir que tudo termina de forma bem inconclusiva, deixando um gostinho de insatisfação no ar.

Personal Shopper (Estados Unidos, 2016) Direção: Olivier Assayas / Roteiro: Olivier Assayas / Elenco: Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz / Sinopse: Maureen Cartwright (Kristen Stewart) é uma jovem que trabalha como Personal Shopper. Seu trabalho consiste basicamente em comprar jóias e roupas para uma celebridade do mundo da moda. Enquanto vai levando esse trabalho que odeia, ela procura desenvolver sua mediunidade, tentando se comunicar com o espírito de seu irmão recentemente falecido. Filme indicado na seleção do Cannes Film Festival.

Pablo Aluísio.

Hook: A Volta do Capitão Gancho

O ator Dustin Hoffman está fazendo 80 anos nessa semana! Como uma forma de homenagem vamos lembrar dele nessa produção dirigida por Steven Spielberg. Bom, não é segredo para nenhum cinéfilo que Spielberg era apelidado de Peter Pan durante os anos 80, pois ele nunca queria crescer, sempre explorando assuntos infantojuvenis em seus filmes. Assim, como uma espécie de ironia ou piada interna sobre essa fama ele resolveu fazer um filme sobre, isso mesmo... Peter Pan! Agora, filmar mais uma versão da obra de James Matthew Barrie ao estilo tradicional seria banal demais. Com isso em mente Spielberg mandou escrever um roteiro diferente sobre a hipótese de Peter Pan ter finalmente crescido, se tornando um pai de família entediado, suburbano e comum!

A ideia era muito boa mesmo. Para o papel do Peter Pan adulto, Spielberg escalou o comediante Robin Williams, uma ótima escolha. Porém quem acabou roubando o filme para si foi mesmo Hoffman dando vida ao Capitão Hook (o Capitão Gancho na versão em português). Ele não aceita o fato de Peter Pan ter crescido e vai atrás dele, em sua casa! Claro que Dustin Hoffman optou por uma atuação bem caricata, dirigida ao público infantil. Era algo esperado. A produção, também como era de se esperar, é de encher os olhos. O roteiro também vai bem em cima do sentimentalismo, piegas até (marca registrada do diretor), mas sem deixar de lado as cenas divertidas, de pura aventura. Na época do lançamento do filme (eu cheguei a assistir no cinema) fiquei com um pé atrás pela proposta ousada de seu roteiro, mas com o tempo e depois de inúmeras reprises a coisa toda ficou mais fácil de digerir. É um momento interessante da filmografia de Steven Spielberg, porém passa longe de ser um de seus melhores filmes. Hoje em dia vale como nostalgia de um tempo em que o diretor ainda não havia crescido.

Hook: A Volta do Capitão Gancho (Hook, Estados Unidos, 1991) Direção: Steven Spielberg / Roteiro: James V. Hart, Nick Castle, Malia Scotch Marmo / Elenco: Dustin Hoffman, Robin Williams, Julia Roberts, Bob Hoskins, Maggie Smith, Phil Collins / Sinopse: Peter Pan (Williams) cresceu. Virou pai de família e vive uma vidinha suburbana numa cidade, até que o Capitão Gancho decide trazer ele de volta à Terra do Nunca. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Música ("When You're Alone" de John Williams), Melhores Efeitos Especiais (Eric Brevig, Harley Jessup), Melhor Figurino (Anthony Powell) e Melhor Direção de Arte (Norman Garwood, Garrett Lewis). Também indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Ator - Comédia ou Musical (Dustin Hoffman).

Pablo Aluísio.